Parthenon & Guernica: Analyse und Interpretation zweier Meisterwerke

Analyse und Kommentierung des Parthenon

Materialanalyse

Das für dieses architektonische Meisterwerk verwendete Material ist Marmor. Da es sich um ein Werk handelt, dessen Fertigstellung die Herrlichkeit Athens offenbaren sollte, wurde sehr hochwertiger Marmor, pentelischer Marmor, gewählt. Dieses Material wurde auch für alle plastischen Dekorationen verwendet.

Formale Analyse

Wir beobachten, dass das Werk einem Gebäude mit Stürzen und einer Dachlinie entspricht, die ursprünglich ein Deck auf dem Dach mit zwei Pisten gehabt hätte, um das Regenwasser abzuleiten. Die Elemente, die das Gebäude tragen und das Dach bilden, zeigen, dass es dorisch ist, sowohl die Säulen ohne Basen als auch mit einem Formteil als Kapitell, aufgeteilt für das Gebälk in Triglyphen und Metopen. Die acht Säulen an der Vorderseite zeigen, dass es sich um einen oktastylen Tempel handelt, der den Besitz von zwei Veranden hat und ihn als Amphiprostylos charakterisiert, der Säulen ringsum hat, also peripteral ist. In Form eines Tempels sind die herausragenden Merkmale die Verhältnismäßigkeit und die formale Ausgewogenheit. Die Verhältnismäßigkeit wird durch den Einsatz einer Einheit erreicht, dem gesamten Durchmesser der Säule, der mehrfach in verschiedenen Teilen des Tempels wiederholt wird, um Harmonie in dieser Verhältnismäßigkeit zu erreichen. Das Gleichgewicht wird durch den Einsatz von Gewalt erreicht, um eine Reihe von Korrekturen einzusetzen. Diese Korrekturen dienen der Verringerung der Verzerrungen, die durch das menschliche Auge entstehen, wenn entfernte Objekte betrachtet werden. Dies wird durch ein leicht geschwungenes Gebälk erreicht, um den zentralen Teil des Tempels zu erweitern oder den Raum zwischen den Säulen ungleichmäßig zu verteilen.

Sinnvolle Analyse

Der Parthenon ist ein Tempel, der vom Meer aus zu sehen war und auf dem Hügel der Akropolis steht. Von den Booten aus war die perfekte Struktur dieses Tempels das Symbol von Athen. Dank der Wirkung der formalen Perfektion wird der Parthenon zu einem Modell der architektonischen Ausgewogenheit für die Kunstgeschichte. Er bedeutet auch die Herrschaft Athens im 5. Jahrhundert v. Chr. und ist ein Symbol der kulturellen Komplexität, die gelungen ist. Philosophie und die Erfindung des demokratischen Systems sind Beiträge der Antike zur Geschichte Westeuropas.

Kommentar

Der Parthenon-Tempel wurde auf der Stadtmauer von Athen, der Akropolis, zwischen 447 und 432 v. Chr. durch die Prominenz der Stadt Athen im Attischen Seebund erbaut. Der Krieg der griechischen Städte gegen die Perser zerstörte die Gebäude der Akropolis von Athen. Der Parthenon erhebt sich auf dem Gelände eines früheren Tempels mit der gleichen Widmung. Obwohl die Ruinen des antiken Tempels vermutlich als Darstellung der Grausamkeit des Krieges belassen wurden, setzte sich die vorherrschende Meinung des Strategen von Athen, Perikles, durch, der den Bau eines neuen Tempels in Auftrag gab. Der Parthenon-Tempel wurde von Iktinos und Kallikrates erbaut. Phidias schuf das dekorative Repertoire des Tempels und überwachte die Arbeiten. Die bildhauerische Dekoration, die Phidias für den Parthenon schuf, bezieht sich auf die Einweihung des Tempels: die Geburt der Athene. Auch die Gründe für die Beziehung dieser Göttin zur Geschichte und zur Stadt Athen, die ihren Namen gab, werden dargestellt. In einem der Giebel stellte Phidias die Szene der Geburt der Athene aus dem Kopf ihres Vaters Zeus dar. Im anderen von Phidias ausgewählten Giebelgrund ist der Wettbewerb zwischen Poseidon und Athene um den Schutz von Athen dargestellt, wo Poseidons Dreizack eine Quelle in der Akropolis entsendet und Athene, die Siegerin, mit ihrem Speer einen Olivenbaum hervorbringt. In den mit Metopen geschmückten Räumen des dorischen Frieses befanden sich die Dekorationen des Trojanischen Krieges, der Gigantomachie (Kampf gegen die Riesen), der Amazonomachie (Kampf gegen die Amazonen) und der Kentauromachie (Kampf gegen die Zentauren). Innerhalb der inneren Wand des Tempels verlief ein Fries, den Phidias als "Panathenäen" schnitzte. Diese Prozession fand in Athen statt, wo die Jungfrauen der Stadt ein Kleid für die Statue der Göttin webten. Um ihr dieses Geschenk zu überreichen, stieg ein Zug von Reitern und Athenern zu Fuß, die Opfergaben trugen, zum Parthenon hinauf, um das Kleidungsstück zu übergeben. Diese Gaben wurden der Göttin Athene, der Schutzpatronin von Athen und dem Schutz des Krieges, der Künste und der Intelligenz, dargebracht. Heute befinden sich die meisten dieser Skulpturen im Britischen Museum in London. Der Parthenon ist zu einem Symbol in der Kunstgeschichte geworden, dem Modell der klassischen Architektur, das die Werte der griechischen Kultur der Antike repräsentiert: Rationalität, Harmonie, Verhältnismäßigkeit und die anthropozentrische Sichtweise, die den Begriff des Menschen als Maß aller Dinge enthält. Diese Grundsätze spiegeln sich auch in anderen Tempeln wider, wie dem Erechtheion und der Athena Nike auf der Akropolis, oder in skulpturalen Werken aus der klassischen Periode. Phidias schuf nicht nur die Reliefs des Parthenon, sondern auch die Skulptur der Göttin Athene für diesen Tempel. Sie war aus Gold und Elfenbein und ist verschwunden. Anschließend ging Phidias nach Olympia, wo er sich der Arbeit am Tempel des Zeus widmete, der ebenfalls verloren ging, und der Darstellung des Vaters der Götter, ebenfalls in Gold und Elfenbein und ebenfalls verschwunden.

Analyse und Kommentar zu Picassos Guernica

1. Materialanalyse

Das Gemälde, das sich heute im Centro de Arte Reina Sofia in Madrid befindet, ist in der Technik der Ölmalerei auf Leinwand gefertigt und zeichnet sich durch seine Größe aus: Es misst vier Meter hoch (349,3 cm) und fast acht Meter lang (776,60 cm).

2. Formale Analyse

Es ist ein langes Gemälde mit einer Technik, die der Plakatwand sehr ähnlich ist, da es die Schrecken des Krieges aufzeigen und die Idee von Harmonie und Frieden verbreiten soll. Obwohl das Spiel die Grundsätze des Kubismus (Auflösung der Formen in geometrische Figuren, die Präsentation mehrerer Ebenen gleichzeitig, die dem Blick des Betrachters folgen, Schnittebenen usw.) berücksichtigt, ist in einer leicht erkennbaren Figuration gewährleistet, dass die dargestellten Elemente sowohl Tiere als auch Menschen sind. Auch die Arbeit kennzeichnet das aktuelle Wissen über andere bildnerische Strömungen mit großer geistiger Belastung, wie den Surrealismus, da die Bildelemente einen Wert haben, da sie vom Betrachter interpretiert werden können. Die verschiedenen Ebenen des Gemäldes schaffen einen dreidimensionalen Raum, der die Tiefe der fiktiven Oberfläche erzeugt. Die Farbwahl ist sehr bewusst. Das Schwarz-Weiß mit Graustufen wird vor allem verwendet, um die Schatten hervorzuheben. Dieser Effekt verstärkt die Tiefenwirkung der Darstellung.

3. Aussagekräftige Analyse

Guernica ist ein Gemälde, das zu einem Wahrzeichen der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts geworden ist, sowohl wegen seines historischen Wertes als auch wegen seiner Ikonographie. Durch einfache Linien und Flächen hat es Elemente mit hoher Symbolkraft, kommunikativer, großer Wirkung: Der Stier, ein Symbol für Stärke, Mut und Brutalität, der in der Lage ist, Anklage zu erheben, bis er tötet. Er kommt in der Box mit den Hoden in den Vordergrund, die Stärkung der Lebenskraft und laden Sie diese aggressive Tiere, deren Haut sehr mit unserem Land identifiziertist Spanien. Das Pferd wird in einer aufgeregten Bewegung präsentiert. Es ist ein Pferd, ohne die Kontrolle über ihre Impulse, mit der Aggressivität überschwemmt. Die Charaktere sind in einer Haltung des Leidens dargestellt, Leiden: Die Frau mit dem toten Kind in den Armen, den gefallenen Menschen und mit der Blume in der Hand zerstückelt, die verzweifelt eine Frau zu Fuß mit nacktem Oberkörper oder eine Person in Flammen auf. Es sind Bilder, die die Grausamkeit des Krieges, Schmerz, Trauer oder Wut zu zeigen. Einige Elemente, die Zwiebel, den Arm mit der Lampe, die Taube auf dem Tisch oder die Blume in der Hand der Gefallenen, schlägt vor, einen Schimmer von Hoffnung, den Schmerz und Tragik, Hoffnung auf Frieden oder das Licht der Vernunft zu die Irrationalität des Krieges.

Kommentar

Pablo Ruiz Picasso malte Guernica im Auftrag der spanischen republikanischen Regierung für den Pavillon von Spanien auf der Pariser Weltausstellung von 1937. Im spanischen Bürgerkrieg malte Picasso dieses Bild, um Zeuge der irrationalen Brutalität zwischen einem Konflikt zwischen den Bürgern der gleichen paist, ohne Beachtung Bande der Freundschaft und Familie. Der Staatsstreich von Staatsangehörigen, die von Top-Favoriten Heerführer, hatte zu einem Klima der Gewalt und des Terrors, hervorgebracht hatte der ungezügelten Hass und Aggression irrationaler gegeben. Das Werk spiegelt eine Veranstaltung des spanischen Bürgerkriegs: die Bombardierung der Stadt Guernica, ein Symbol für das Baskenland, durch deutsche Flugzeuge am 27. April 1937. Das Flugzeug sank Brandbomben und durchlöchert der Bevölkerung. Die Stadt brennt in der Bombardierung. Diese h echo Picasso dient als Thema die Wildheit des Konflikts Rechnung zu tragen. Pablo Ruiz Picasso in Malaga im Jahr 1881 geboren und starb in Mougins, Frankreich, im Jahr 1973. Sein Vater war Professor für Zeichnen an der School of Arts and Crafts von Malaga und von dort in die Städte La Coruna und Barcelona. In der Stadt Barcelona in Kontakt mit Künstlern und Intellektuellen, mit denen sie treffen sich Els Quatre Gats "Die vier Katzen. Nachdem er nach Paris, eine Stadt, die zum Zentrum der Avantgarde-Kunst, vor allem die malerische Innovationen hatte. Es befindet sich im Stadtteil von Montmartre installiert, in dem Gebäude wie das Bateau Lavoir bekannt. In Frankreich würde er den Rest seines Lebens. In seiner künstlerischen Entwicklung unterschieden werden können in mehreren Stufen:

Stufe der Ausbildung

die die Verwendung von Zeichen-und akademische Ausbildung betont, seine Anbindung an die Bildmarke. Einer seiner repräsentativsten Werke sind "Wissenschaft und Nächstenliebe."

Blaue Periode

Es ist so, weil die Vorherrschaft der Farbe, die in ihren Werken genannt. Die Themen sind Zeichen Leid, voller Melancholie und Menschlichkeit. Beispiele aus dieser Zeit sind "Der blinde Gitarrist" oder

Zeitraum stieg

In diesem Stadium die dominierenden Farben in den Bildern sind rosa. Die Themen sind Zeichen Zirkus, Harlekin, etc.. Ein Beispiel wäre "Die Familie von Akrobaten"

Kubismus

Eröffnet im Jahre 1907 mit "Les Demoiselles d'Avignon". Sie werden die großen Beitrag zur Welt der Kunst. Kubismus ist durch die Aufschlüsselung der Wirklichkeit in geometrische Formen und die Vorlage von Ansichten über charakterisiert die Stücke gleichzeitig durchgeführt. Kubismus wird, sondern als eine ästhetische Tendenz, eine Art der Analyse der Wirklichkeit. Es besteht aus zwei Phasen: Analytische Kubismus und synthetischen Kubismus. Später wird Picasso einen einzigartigen Stil zu schaffen, durch den Einfluss der klassischen Malerei geprägt, und seine Sucht immer wieder zum Kubismus, manchmal kombiniert mit dem Surrealismus. Die Zahl der Minotaurus, das Studium der klassischen Werke der Malerei, wie zB Las Meninas oder Guernica, sind Beispiele für diesen Stil, der kommt nie zur Abstraktion. Picasso, einem der großen Namen des zwanzigsten Jahrhunderts ist, kurz gesagt, die intellektuelle Künstler, der in seinem neuen künstlerischen Tendenzen oder politischen oder sozialen Belangen Rechnung trägt. Aber vielleicht ist der bemerkenswertesten Aspekte sind die kreativen Genie und künstlerisches Talent, mit dem Sie viele Techniken, Druckgrafik, Skulptur wachsen lassen, Keramik etc. .- und einen unermüdlichen Schaffens. Das Ergebnis ist eine massive künstlerische Produktion.