Die Poesie und das Theater des Góngora im 17. Jahrhundert

Arbeit: Ein Dichter, Góngora, wurde respektiert, gefürchtet und berühmt in seiner Zeit. Selbstsicher erfand er eine glänzende poetische Sprache, die Religion und den Stil des Culteranismo.
Ihre Poesie zielt darauf ab, die Realität darzustellen, aber sie transformiert sie durch Metaphern in eine neue Welt der Schönheit.
Im Allgemeinen ist die Poesie des Góngora ästhetisch, weil sie sehr sensibel ist und die Bewunderung des Lesers weckt. Sie richtet sich an die Intelligenz, berührt aber nur selten die Gefühle.
In seiner Arbeit zeichnet sich eine gelehrte Poesie ab, die oft in der Nähe des traditionellen lyrischen Stils bleibt, jedoch häufig spöttisch ist.
Gelehrte Poesie: Von den Anfängen an schreibt Góngora Sonette in einer belesenen Poesie, aber dieser Trend intensivierte sich seit 1609, als er Córdoba verließ, um der enttäuschenden Atmosphäre des Hofes zu entkommen.
Dann verfasste er Gedichte wie „Die Fabel von Polyphem und Galatea“ und „Die Einsamkeit“, die gegensätzliche Reaktionen in der Öffentlichkeit und bei anderen Dichtern hervorriefen – entweder große Bewunderung oder Ablehnung.
Zu dieser Zeit beginnt die Diskussion über den neuen Stil Góngoras, das Culteranismo, das durch folgende Merkmale gekennzeichnet ist:
Stärkung des Lexikons gelernter Wörter (Rivale, candid ...) und syntaktische Merkmale: Hyperbaton, lange Sätze, komplizierte Nebensätze ...;
Kumulation von Verschönerungen durch Metaphern (gefiederte Leier-Vögel, das Meer, die Silberfelder);
Häufigkeit von mythologischen Anspielungen und conceptistischen Spielen.
„Die Fabel von Polyphem und Galatea“ ist ein langes Gedicht in Strophen zu einem mythologischen Thema, das bei Ovid in den Metamorphosen erscheint.
Es erzählt von der ungeheuren Wut des Zyklopen Polyphem, der in die schöne Nymphe Galatea verliebt ist, als er die Liebe der Nymphe zu dem jungen Acis entdeckt.
Polyphem wirft einen riesigen Felsen auf den jungen Mann, dessen vergossenes Blut zu einem Fluss wird, der aus einer Quelle entspringt.
Wie wir sehen, greift Góngora ein klassisches Thema auf, aber die Neuheit des Gedichts liegt in der Behandlung der Sprache: die Schaffung einer poetischen Sprache, die weit entfernt von der gewöhnlichen ist
und die dem Leser eine interpretative Anstrengung abverlangt, um frühere mythologische Umschreibungen oder bestimmte Metaphern zu entschlüsseln.
„Die Einsamkeit“ ist ein langes Gedicht, das in vier Teile geplant war, aber Góngora beendete nur den ersten (etwa tausend Verse) und der zweite ist fast abgeschlossen (etwa neun).
Die erste Einsamkeit erzählt die Geschichte eines jungen Schiffbrüchigen, der an einen Strand kommt, wo ihn ein paar Ziegenhirten willkommen heißen, die ihr Leben teilen und eine Bauernhochzeit besuchen.
In der zweiten Einsamkeit trifft er junge Fischer und verbringt einige Zeit mit ihnen, beschreibt später das Leben der Jäger ...
In der Tat hat das Argument wenig Interesse; es dient als Vorwand, um eine Hymne an die Natur, das einfache und demütige Leben sowie Alltagsgegenstände zu erheben.
Góngora erreicht eine neue Schönheit durch Metaphern. Fische, Obst und Ackergeräte werden durch die Arbeit des dichterischen Wortes Góngoras
in schöne und leuchtende Wunder verwandelt. Überrascht durch den Kontrast zwischen dem Subjekt (natürlich, einfach und bescheiden) und dem Glanz sowie Reichtum der Sprache.
Der Beginn der Art und Weise, wie die „Solitudes“ culterano dargestellt werden, sammelt sich in einem heftigen Hyperbaton, ein paar Verse, eine klare Alliteration und einen variierenden Rhythmus.
„Letrillas“ und Romanzen repräsentieren die traditionelle Seite Góngoras. In seiner Zeit wurden sie nicht veröffentlicht, sondern gesungen;
später wurden sie in „Romanceros“ gesammelt. Góngoras Romanzen behandeln alle Themen: pastoral, lyrisch, maurisch, mythologisch, der Gefangene ...
Manchmal gibt es eine Mischung, in einem Roman, einem klassischen mythologischen burlesken Ton, wie zum Beispiel in der „Fabel von Pyramus und Thisbe“.
In den Balladen und satirischen Letrillas sind sie in der Regel durch prägnante und witzige Begriffe geprägt.
Teatro S. XVII - Theater erreicht seine Fülle und große Beliebtheit bei Autoren wie Lope de Vega und Calderón de la Barca. Der Erfolg des Theaters der Stifte, das mit religiösen Dramen koexistiert, ist bemerkenswert.
Religiöses Drama - ist das Gesetz, das durch sakramentale, kurze Stücke in abstrakter Form der Allegorie ausgedrückt wird.
Es behandelt das religiöse Thema der Eucharistie oder des Abendmahls und hatte den Konflikt zwischen Gut und Böse. Das Böse wird durch den Teufel in Person dargestellt und wird mit einem Triumph des Guten gelöst. Es wird vor der Kirche, im Freien, aufgeführt.
Das Höflingstheater wird in den Hallen der Schlösser und Gärten präsentiert. Während des siebzehnten Jahrhunderts, besonders während der Herrschaft von Philipp IV.,
erlaubten Set-Design-Innovationen spektakuläre Spezialeffekte wie das Fliegen oder das Verschwinden von Charakteren.
Dies, zusammen mit dem Luxus der Ausstattung und Musik, führte zu herrlichen Werken, die das Publikum blendeten.
Theater der Kugelschreiber - das Volkstheater hatte großen Erfolg im siebzehnten Jahrhundert in Spanien mit L. de Vega, Calderón de la Barca und anderen ...
Die Stücke waren echte gesellschaftliche Ereignisse, denn das Theater war die beliebteste Show der Zeit.
Wie wir sahen, waren die Stifte offene Innenhöfe von Häusern, umgeben. An einem Ende des Hofes wurde die Bühne aufgestellt, ohne Bühnenbild und oft ohne Vorhang.
Im gleichen Gericht konzentrierte sich das beliebteste Publikum. Angesichts des Szenarios hatten einige Banken, die durch die Bezahlung einer Zuzahlung zugänglich waren, und dahinter standen
Männer des Dorfes oder der Musketiere, die skandalös ihre Zufriedenheit oder Unzufriedenheit mit der Aufführung zeigten. Frauen und Männer wurden getrennt,
und der Platz für Frauen war ein erhöhter Bereich am anderen Ende der Bühne, scherzhaft als „Topf“ bezeichnet. Später wurden obere Galerien für Frauen gebaut.
Die noblen Behörden wurden auf den Balkonen und Fenstern mit Blick auf den Innenhof platziert, die Zimmer waren saisonal vermietet. Anfangs gab es fast keine Landschaft,
was dem Autor größere Freiheit erlaubte, sein Werk zu verorten, aber überall zur gleichen Zeit erforderte, dass der Text mit konstanten Anspielungen versorgt wurde, um die fehlenden Dekorationen zu ersetzen.
Wir sind im Jardin> ya oder <... später wurden Stifte und landschaftliche Ressourcen eingerichtet, die ursprünglich nur im Hoftheater genutzt wurden.
Die Darstellungen wurden unter Ausnutzung des Tageslichts, am frühen Nachmittag, durchgeführt und dauerten mehrere Stunden. Die Show war ein Raum für die Öffentlichkeit, die nicht ungeduldig war oder den Raum verließ.
Es begann mit einer Feier: einer Repräsentation in Versen, und dann wurde der erste Akt der Komödie vorgestellt. Nach dem ersten Akt wurde ein hors d'oeuvre inszeniert, ein kurzes Stück, meist humorvoll.
Nach dem zweiten Akt wurden Lieder oder Tänze gespielt, und am Ende des dritten Aktes endete die Show mit einer Farce oder einem neuen Gericht.
Seit den frühen siebzehnten Jahrhunderts überstieg der Erfolg der Stücke die Beliebtheit, und Philipp III. beschloss, einen der Höfe des Palastes in einen Hof zu konvertieren, um diese Aufführungen dem Volk zugänglich zu machen.
Alle Gemälde sind in den Federn vertreten, im Namen der Komödie bekannt, und es wurden streng Komödien oder Dramen aufgeführt, die tragische und komische Elemente mischten.
So nimmt das Wort Komödie zu dieser Zeit eine umfassendere Bedeutung an als ursprünglich.