Die Renaissance: Geschichte, Chronologie und Merkmale des künstlerischen Aufbruchs

Einführung: Historische Koordinaten, Chronologie und Merkmale der Renaissance

Die italienische Herkunft

Diese Bewegung entstand in Italien. Künstler der Renaissance orientierten sich an den Inspirationsquellen der Antike. Italien war reich an Überresten des alten Römischen Reiches, aus denen die Humanisten die besten Lehren zogen. Auch in Italien ging der klassische Geist nie ganz verloren; er blieb über das gesamte Mittelalter, während Romanik und Gotik, in gewissem Maße erhalten. Vergessen Sie nicht, dass Italien auch einer der Orte war, an denen sich die neue Wirtschaft und eine neue Gesellschaft entwickelten, die neue Interessen und somit eine neue Sprache benötigten.

Chronologie der Renaissance in Italien

Die "Trecento"

Während des vierzehnten Jahrhunderts begann ihre Entstehung, noch stark in der Gotik verwurzelt. In der Skulptur und Malerei ermöglichen uns die italienische Schule der Pisano-Primitiven, die Schule von Florenz und die Schule von Siena, von einer Proto-Renaissance zu sprechen. Die künstlerischen Zentren waren die Städte Pisa, Florenz und Siena.

Die "Quattrocento"

Das fünfzehnte Jahrhundert ist die Phase der noch experimentellen Entwicklung. Es entsteht eine neue Ästhetik, ein neues Schönheitsgefühl, ein neuer Stil: die Renaissance (ein Begriff, der erst im sechzehnten Jahrhundert von Vasari geprägt wurde), weil die Ideale der klassischen Antike, der griechisch-römischen Kultur, "wiedergeboren" wurden. Dies war jedoch keine Nachahmung, sondern ein Ausgangspunkt für den neuen Geist und die neuen Errungenschaften des Menschen. Die Hauptstadt der Frührenaissance ist die Kunst in Florenz.

Der "Cinquecento"

Das sechzehnte Jahrhundert ist die Hochphase der Renaissance. Das Kunstzentrum verlagert sich nach Rom.

Manierismus

Ab dem dritten Jahrzehnt des sechzehnten Jahrhunderts kam es zu einer antiklassischen Reaktion, die das oben genannte Schönheitsideal der Renaissance infrage stellte. Der Ursprung des Begriffs Manierismus liegt im italienischen Ausdruck "alla maniera di ...", also in Anlehnung an die Linien von Michelangelo, Raffael oder Leonardo. Der Manierismus ist die Zeit des politischen Wandels (Italien wird Schlachtfeld zwischen Spanien und Frankreich, "Sacco di Roma" im Jahr 1527) und des religiösen Wandels (die protestantische Reformation fordert die Herrschaft Roms heraus), was zum Ende des humanistischen Optimismus führt.

Erweiterung der Renaissance auf den Rest Europas und Spanien

Die Renaissance wird von Italien ausgehend universell in den Rest Europas getragen. Sie wird jedoch nicht in jedem Land einheitlich und homogen sein; es zeigen sich lokale Traditionen und differenzierte Entwicklungen. Auch die chronologische Entwicklung verläuft nicht parallel: Der vorherrschende Stil im fünfzehnten Jahrhundert ist noch die Gotik; man muss bis ins sechzehnte Jahrhundert warten, um die neue Ästhetik vollständig zu erfassen.

Allgemeine Merkmale der Renaissance: Die neue Auffassung von Kunst

Humanismus

Der Humanismus verändert die mittelalterliche Vorstellung vom Menschen. Der Mensch rückt wieder in den Mittelpunkt aller Dinge – ein neuer Mensch, der Veränderungen in allen Bereichen, besonders in Kunst und Kultur, einleitet, da dieser neue Mensch eine neue Sprache für sich benötigt.

Rationalismus

Es zeigt sich nicht nur eine neue Formensprache, sondern auch neue Lebens- und Geistesanforderungen, die die Kunst radikal verändern. Dies betrifft die neue Stellung des Künstlers und des Kunstwerks, die Wertschätzung theoretischer Modelle und den wissenschaftlich-rationalen Umgang mit Kunst. Die Realität soll durch Vernunft verstanden werden; der Künstler erforscht bestimmte Aspekte der Architektur, Malerei oder Skulptur rational und wissenschaftlich vor deren Ausführung.

Das Verschwinden der Anonymität der Kunst: Der Künstler

Aufgrund der neuen Rolle des Menschen in dieser Epoche verschwindet die künstlerische Anonymität. Der Autor wird geschätzt, wodurch die Kunstgeschichte fortan mehr durch Künstler als durch Werke bestimmt wird. Die künstlerische Tätigkeit erfährt eine höhere Wertschätzung; sie hört auf, nur ein Handwerk zu sein, und wird zu einer Wissenschaft.

Die Zahl der Gönner (Mäzene)

Die Mäzene sind die Beschützer der Künstler, die sie zur Schaffung anregen und unterstützen, auch in schwierigen Zeiten. Mitglieder wohlhabender Familien (wie die Medici, Uficci, Rucellai oder Pitti in Italien oder die Mendoza in Spanien) waren oft Kunstsammler und erteilten eine große Anzahl von Aufträgen.

Schriftsteller, Kritiker und Biographen

Es treten Kunsttheoretiker auf, die ihre Schriften auf künstlerische Erfahrungen der Vergangenheit und Gegenwart stützen. Umfangreiche Werke entstehen in den Jahrhunderten XV und XVI, zu denen Verträge und Neuauflagen antiker Texte, wie die des Vitruv, hinzukommen.

Das Studium der klassischen Prototypen und der Natur

Zusätzlich zu theoretischen Studien untersuchten die Renaissance-Künstler direkt die klassischen Prototypen. Die Archäologie wurde verbessert, was dem Künstler die unmittelbare Kenntnis antiker Werke erleichterte, die dank der Entwicklung des Kupferstichs in ganz Europa verbreitet wurden. Die Renaissance bedeutete auch die Entdeckung der Natur, was sich in der Landschaftsmalerei oder dem Versuch der anatomischen Darstellung zeigte. Es handelt sich jedoch um einen idealisierenden Naturalismus, der die perfekte Idee eines jeden Wesens, einer Person oder Sache darstellt, ohne Unvollkommenheiten oder Missbildungen.

Die anthropometrischen Ideen: Ordnung, Proportion und Harmonie

Neben der erwähnten Idealisierung muss die Besessenheit der Renaissance von Ordnung, Proportion und Harmonie hervorgehoben werden, um Gelassenheit, Mäßigung und Balance zu vermitteln. Die menschliche Figur wird zum Zentrum des Kunstwerks und folgt stets ihren Proportionen, die auch die Maße der Architektur bestimmen. Die Kunst, sei es Skulptur oder Malerei, schafft es, dem Menschen ein Maß zu geben, indem sie einfache, knappe Proportionen anwendet, die auf einer klaren und verständlichen Geometrie basieren.

Die einheitliche Vision

Schönheit liegt nicht nur in den Proportionen, sondern auch im Sinne der Einheit des Werkes, einer einheitlichen Vision, die es dem Betrachter als Ganzes präsentiert. In der Architektur wird der Raum nur einmal präsentiert; in Skulptur oder Malerei wird die Komposition als Einheit präsentiert, wobei die Zentralperspektive dominiert.