Renaissance-Meisterwerke: Kuppeln und Skulptur in Italien

Renaissance-Architektur: Kuppeln als Meisterwerke

Dieser Abschnitt beleuchtet zwei ikonische Kuppeln der italienischen Renaissance: die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz (15. Jahrhundert), entworfen von Filippo Brunelleschi, und die Kuppel des Petersdoms in Rom (16. Jahrhundert), ein Werk Michelangelos, das dem Manierismus zuzuordnen ist.

Die Renaissance: Eine Kulturelle Revolution

Italien erlebte im 15. Jahrhundert eine künstlerische und intellektuelle Explosion, bekannt als die Renaissance. Dieses kulturelle Phänomen griff die Prinzipien der klassischen Antike auf und erneuerte sie durch den Humanismus. Der Humanismus ist somit die geistige Bewegung der Renaissance, die eine Verbindung zur zeitgenössischen Kultur der klassischen Antike herstellt; er ist die philosophische und kulturelle Grundlage der Renaissance. Wir sehen uns daher einer anthropozentrischen Kultur gegenüber, die Schönheit auf der Grundlage von Maß, Zahl und Proportion sucht. Künstler werden nicht länger als bloße Handwerker betrachtet, sondern zeichnen sich nun durch intellektuelle und wissenschaftliche Bildung aus. Fürsten und Bürger finanzierten diese Künstler, wodurch das Mäzenatentum entstand.

Architektonische Prinzipien der Renaissance

Auf der künstlerischen Seite zeichnet sich die Renaissance-Architektur durch die Verwendung von Vorbildern und architektonischen Modellen der klassischen Antike aus. Es ist eine rationale Architektur, die auf Proportionen und Mathematik basiert. Die Renaissance-Architektur stellt einen Bruch mit der mittelalterlichen Architektur dar. Sie ist um zwei Prinzipien herum organisiert:

• Die Verwendung von Bauelementen der Antike wie Halbkuppeln, Gesimsen, Rundbögen, Säulen und Pilastern mit den klassischen Ordnungen.
• Die Erzielung räumlicher Einheit: Gebäude werden als Ergebnis mathematischer Berechnungen konzipiert.

Die Renaissance durchläuft eine künstlerische Entwicklung, die sich in den beiden betrachteten Kuppeln widerspiegelt: der klassische Stil der Kuppel Brunelleschis aus dem Quattrocento (15. Jahrhundert) und der Bruch mit der klassischen Formensprache ab dem dritten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts, repräsentiert durch die Kuppel Michelangelos. Michelangelo wird der erste Architekt sein, der die klassische Formensprache bricht, indem er die klassischen Elemente einer persönlichen Interpretation unterwirft, die sich in der Kuppel des Petersdoms im Vatikan widerspiegelt. Diese Phase, bekannt als Manierismus, bricht mit der Strenge, Klarheit und Ausgewogenheit des Klassizismus. Der Bruch der klassischen Formensprache äußert sich in der Verwendung riesiger, geschwungener Giebel, unvollendeter Rhythmen und Brüchen.

Die Kuppel von Brunelleschi: Ein Meisterwerk der Ingenieurskunst

Brunelleschis Domkuppel überspannt das achteckige Querhaus einer bereits bestehenden gotischen Kirche. Ihre technische Schwierigkeit bestand darin, einen riesigen Raum von 42 Metern Durchmesser überdachen zu müssen. Der Raum war so groß, dass es unmöglich war, ausreichend lange und widerstandsfähige Holzschalungen zu finden. Darüber hinaus musste die Kuppel einen minimalen Seitenschub aufweisen, da die Wände des Tambours relativ dünn waren. Brunelleschi erfand eine neue Technik, die es ermöglichte, die Kuppel während des Baus selbsttragend zu halten: Die Kuppel wird durch zwei separate Schalen gehalten: eine halbkugelförmige Innenkuppel und eine spitz zulaufende Außenkuppel. Letztere wirkt den Spannungen der ersten entgegen. Die Kuppel ist auf einem achteckigen Tambour erhöht. Jede Seite des Tambours präsentiert ein Oculus (ein Element der klassischen Formensprache) und farbige Marmorplatten. Sie ist in acht separate Felder unterteilt, die von Rippen aus Marmor gegliedert werden, die vom Tambour ausgehen und zur Laterne hin konvergieren. Die äußere Farbgebung wird durch weiße und grüne Marmorplatten in Kontrast zu den roten Ziegeln der Füllungen betont. Die Kuppel ist an der Spitze mit einer Laterne versehen, die kreisförmige, zylindrische Fenster und eine schöne, schlanke, pyramidenförmige Spitze aufweist, die eine kleine Kuppel beherbergt. Die Außendekoration verwendet sparsam Galerien mit Bögen, Nischen und klassischen Gesimsen.

Die Kuppel des Petersdoms: Michelangelos Manieristisches Statement

Die Kuppel des Petersdoms überspannt den zentralen Kreuzungsbereich eines griechischen Kreuzgrundrisses. Die Kuppel sitzt auf einem runden Tambour, der paarweise Doppelsäulen präsentiert. Auf dem Tambour erhebt sich ein zweiter, mit Girlanden verzierter Tambour, auf dem die Kuppel mit ihren Rippen zur Laterne hin aufsteigt. Auf dieser spitz zulaufenden Kuppel sitzen Rippen, die die Laterne unterteilen und Licht ins Innere lassen können (die Anzahl der Rippen ist doppelt so hoch wie bei Brunelleschis Dom). Diese Laterne ist ebenfalls mit Säulenpaaren verziert. Die Kuppel mit einem Durchmesser von 42 Metern benötigte zusätzlich die Unterstützung von vier weiteren kleineren Kuppeln hinter den Säulen. Sie erreicht eine Höhe von 120 m vom Boden und wird von vier massiven Pfeilern getragen. Die Kuppel ist mit Mosaiken verziert.

Auf der Außenseite zeigt sie die volle Ausdruckskraft Michelangelos, die sich in der manieristischen Formensprache widerspiegelt (Bruch mit der klassischen Formensprache). Dies zeigt sich in der Dekoration der Fenster mit abwechselnd runden und dreieckigen Giebeln, der Dekoration des Tambours mit Säulenpaaren, die über die Ebene der Kuppel hinausragen, und den Lünetten. Ein Spiel von Massen, Spannungen und Brüchen wird sichtbar. Die Kuppel des Vatikans, ein Symbol des Christentums, erstrahlt in einem lichtdurchfluteten Raum.

Renaissance-Skulptur in Italien

Merkmale der Renaissance-Skulptur

Die Renaissance-Skulptur stützt sich wie die Architektur auf klassische Vorbilder. Sie zeichnet sich durch eine Vorliebe für den Akt aus, durch die Verwendung edler Materialien der Antike (Marmor und Bronze) und ein Interesse am Monumentalen und Schweren. Sie wendet eine rationale Anwendung von Proportion und Symmetrie an, mit detaillierten anatomischen Studien, basierend auf einer Vorliebe für den nackten Körper. Das Themenspektrum erweitert sich, und neben der Religion entsteht ein profanes Thema, das sich sowohl in der Grabplastik als auch im Porträt (Reiterstandbild oder Büste) manifestiert. Die Erhebung des Individuums ist ein sehr charakteristisches Merkmal der humanistischen Ideologie. Die Erzählweise der mittelalterlichen religiösen Kunst wird durch den Blick für die Schönheit der Form und den ästhetischen Genuss ersetzt. Mensch und Natur werden zu den Protagonisten. Nacktheit und religiöse Themen treten wieder auf, oft in Verbindung mit heidnischen Figuren. Die Renaissance-Skulptur ist realistisch und naturalistisch und verwendet Kompositionen, die durch die Kurve und Gegenkurve gekennzeichnet sind. Die verwendeten Materialien sind vielfältig: Stein, Marmor, Terrakotta, Holz, Gips und Bronze.

Führende Künstler des Quattrocento (15. Jh.)

• Ghiberti: Der Humanistische Künstler

  Ghiberti ist als guter Humanist ein Beispiel für den neuen Künstler, der sich vom mittelalterlichen Handwerker unterscheidet. Er war Architekt, Bildhauer und Maler. Zu seinen Werken zählen die berühmten Paradiestüren aus Bronze. Bei diesen Türen wurde die Darstellung in Bronze nicht als Relief, sondern wie ein Gemälde behandelt: mit Hoch-, Mittel- und Flachrelief, um Tiefe zu erzeugen.

• Donatello: Meister des Quattrocento

  Donatello ist der bedeutendste Bildhauer des Quattrocento. Er war auch Goldschmied und hatte Kenntnisse in Architektur und Malerei. Seine Skulptur reicht von der Suche nach Ausgewogenheit und klassischer Schönheit bis hin zur Kultivierung eines gewissen Expressionismus und dramatischer Werte.

Die Skulptur im Cinquecento (16. Jahrhundert)

Im Cinquecento (16. Jahrhundert) setzt sich der klassische Sinn für Ausgewogenheit und Harmonie fort. Doch allmählich entsteht eine Tendenz zur Unruhe in der Komposition, eine ständige Suche nach Bewegung und Monumentalität, die bis zum Manierismus führt. Ab dem zweiten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts entwickelt sich ein Trend, der Spannung und Ausdruckskraft über klassische Volumetrie, Gleichgewicht und Idealismus stellt. Sorge, Überraschung und Angst treten an die Stelle der klassischen Ordnung.

Michelangelo: Der Prototyp des Renaissance-Genies

Das 16. Jahrhundert ist geprägt von der Figur Michelangelos. Er ist der größte Vertreter des Klassizismus und zugleich Begründer der manieristischen Formensprache. Michelangelo ist der prototypische Renaissance-Mensch: Architekt, Bildhauer und Maler, und gilt als eines der größten Genies der gesamten Geschichte. Sein Werk ist vielfältig und komplex, doch seine größte Stärke zeigt sich besonders in der Skulptur. Er verwendete stets den weißen Carrara-Marmor, für ihn das kompakteste Material, das der Schönheit am nächsten kommt. Seine starke Persönlichkeit spiegelt sich in der Skulptur besser wider als in jedem anderen Bereich. Seine Skulpturen erreichen eine außergewöhnliche Kraft und Lebendigkeit durch die Beherrschung der Technik. Seine Charaktere sind monumental.