Renaissance-Musik: Schulen und Komponisten

Religiöse Musik im 16. Jahrhundert

Die musikalische Renaissance in Italien erreichte ihren Höhepunkt mit dem Konzil von Trient und der Figur von Palestrina.

Das Konzil von Trient versuchte, eine musikalische Kunst zu schaffen, die eine Verteidigung gegen die Häresie darstellte. Diese Kunst sollte vier Qualitäten aufweisen:

1. Verzicht auf jeden profanen Aspekt in der Musik.
2. Die Musik sollte dem Text dienen.
3. Latein als Sprache, um das Ohr leicht zu erreichen.
4. Das Lied sollte keine Befriedigung für das Ohr darstellen.

Das Konzil von Trient hatte somit einen Einfluss auf die Musik, ähnlich wie auf die Gemälde von Michelangelo und die Architektur von Vignola. Der Mann, der für diese neue Musik verantwortlich war, hieß Palestrina.

Qualitäten seiner Musik:

• Ambient-Musik, erfüllt von Religiosität und Spiritualität.
• Eine klare Polyphonie, die den Text rezitiert und nicht verwirrt.
• Volle plastische Schönheit, vergleichbar mit Gemälden von Raffael.

Schulen und Komponisten

1. Flämische Schule: Orlando di Lasso

Neben Josquin des Prés ist Orlando di Lasso der wichtigste Vertreter. Er war ein Komponist, der den musikalischen Internationalismus kannte.

2. Römische Schule: Palestrina

Der wichtigste Vertreter dieser Schule ist G.P. Palestrina. Er hatte das Amt des Kapellmeisters und Direktors der Sixtinischen Kapelle inne.

3. Venezianische Schule

Zwei Eigenschaften:

• In Venedig erscheint zunächst Musik für zwei Chöre, die sich im Dialog vereinen.
• Erhöhung der Stimmenzahl und Doppelchörigkeit.

4. Spanische Schule: Morales, Guerrero und Victoria

Das 16. Jahrhundert ist auch das goldene Zeitalter der spanischen Musik.

• In der ersten Hälfte des Jahrhunderts: Cristóbal de Morales.
• Francisco Guerrero: Seine Arbeit ist von Zärtlichkeit, Mitgefühl und Lyrik durchdrungen.
• Tomás Luis de Victoria: Gilt als der Fürst der spanischen Polyphonie.

Musikalische Konzepte der Renaissance

• Laute: Beliebtestes Instrument der Renaissance. Halbbirnenförmig, mit verlängertem Hals, Rosette in der Mitte und nach hinten geklapptem Spindelstock. Je nach Größe: Archilaute oder Theorbe. Begleitinstrument für Tanz oder Gesang.
• Vihuela: Typisch spanisches Instrument der Zeit. Flacher Korpus (wie Gitarre) und kürzerer Hals.
• Orgel: Wichtige Verbesserungen, wie die Einführung des Pedals und der zwei Manuale. Antonio de Cabezón: Berühmtester Vertreter, Organist und Kammermusiker von Karl I. und Philipp II.
• Romance: Polyphone Form, Themen aus alten spanischen Balladen. Vier musikalische Phrasen, die den vier Versen jeder Strophe entsprechen.
• Villancico: Musikalische Form populären Ursprungs, auch weltlich. Drei Teile: Refrain, Strophe und Refrain.
• Ensalada: Ungeformtes polyphones Genre, das verschiedene Stile mischt: Madrigal, populäres Lied, Villancico, Romanze und Tanz.
• Choral: Von Luther angenommenes geistliches Lied. Harmonisiert mit mehreren Stimmen, Rhythmus in langen und regelmäßigen Werten, charakteristische Ruhe am Ende jedes Satzes. Bach führte ihn zu seinem Höhepunkt.
• Pavane: Renaissance-Tanz aus der Stadt Pavia.
• Fantasie: Stück, das auf der Vorstellung beruht, entweder ganz oder aus einer bestimmten Melodie.

15. Jahrhundert: Polyphonie, Merkmale und Schulen

Am Ende des 15. Jahrhunderts gibt es eine Reaktion auf die Einfachheit der "Ars Nova". Der Hundertjährige Krieg in Frankreich führt zu einer Abkühlung der musikalischen Hegemonie. Diese verlagert sich von Frankreich und Italien nach England, Burgund und Flandern.

Fürstliche Kapellen wurden gegründet, um die erlesensten Musiker Europas zu gewinnen. Diese Kapellen wurden bald um Instrumentalisten erweitert. In der Regel wurde Instrumentalmusik ohne Text und mit Verzierungen gespielt.

Die flämischen Meister gründeten ihre Werke auf dem Kanon und entwickelten eine wunderbare Technik des Kontrapunkts und der Imitation. Als Reaktion auf diese Techniken entstand in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts eine Rückkehr zur Einfachheit.

Die französisch-flämische Schule unterscheidet zwei Generationen:

• Vertreten durch Dufay und Gilles Binchois. Dufay kultivierte Motette und Messe, besonders während seiner Arbeit in Rom an der päpstlichen Kapelle.
• Musiker von großer Statur wie Johannes Ockeghem, Obrecht und vor allem Josquin des Prés (Motetten, Messen und Chansons).

Auch in Italien wirkten franko-flämische Musiker wie Heinrich Isaac und Alexander Agricola.

Das 15. Jahrhundert in Spanien

Musik von großer Bedeutung am Hof von Alfons V. dem Großmütigen von Neapel und in der Chronik der Könige von Kastilien.

Musikalische Formen der Zeit

Ende des 15. Jahrhunderts: Vorherrschaft der religiösen Polyphonie, aber weltliche Formen entwickeln sich mehr. Im religiösen Bereich: Gregorianische Messe, aber die Motette ändert sich.

Wichtigste Techniken der Komposition in der Renaissance-Musik

1. Imitationskontrapunkt: Eine Stimme setzt eine kurze Melodie aus, die eine andere Stimme sofort wiederholt.
2. Cantus firmus-Technik: Eine Melodie wird von einer Stimme gesungen, während die anderen das polyphone Gewebe darum herum weben.
3. Variationstechnik: Wiederholung eines Themas mit Variationen.