Die Romantik in der Musik

Die Romantik spiegelt die politischen und gedanklichen Veränderungen wider, die sich im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert in Europa vollzogen. Sie erreichte in verschiedenen Ländern unterschiedliche Intensitäten.

Nach der Revolution von 1789 begann die Ära der Revolutionen, und Individuum und Gesellschaft wurden als sich verändernd und dynamisch wahrgenommen. Schriftsteller, Maler und Musiker vertraten die Idee, dass sich Menschen und ihre Kultur in einem endlosen Prozess weiterentwickeln. Das Prinzip der Autorität wurde zugunsten der Freiheit aufgegeben, sowohl auf persönlicher als auch auf kollektiver Ebene, der Nation.

In der Musik drückte sich das Streben nach Freiheit in drei Aspekten aus: Lockerung der Regeln der Klassik, Unabhängigkeit von Autoritäten, deren Geschmack man nicht mehr entsprechen musste, und die Wahl oder Erfindung von Formen, die den Bedürfnissen des Komponisten entsprachen.

Die Konsequenzen dieses Ideenwandels waren nicht nur ermutigend: Sie verursachten Unsicherheit, da alles relativ erschien. Der romantische Komponist war vom Weltschmerz beeinflusst, einer Stimmung von Pessimismus und Melancholie, die sein Unglück nährte und fast alle künstlerischen Bereiche prägte. Typische romantische Themen waren: Natur (nicht pastoral), exotische Länder, die nächtliche Mondlandschaft und die Liebe zu einer unerreichbaren idealen Frau.

Angesichts dessen ist es nicht überraschend, dass in der Romantik, im Gegensatz zur Klassik, das Gefühl Vorrang vor der Form hatte. In der Musik, einer Kunstform, die in der Mitte des 19. Jahrhunderts von dieser Bewegung geprägt war, manifestierte sich die Suche nach formaler Freiheit in allen Elementen. Die melodischen Phrasen entziehen sich der Symmetrie und sind leidenschaftliche und intensive Melodien, die Gefühle ausdrücken. Hinsichtlich der Dynamik gab es eine Intensivierung der Extreme und eine Vergrößerung der Bandbreite. Beim Tempo gab es häufige Wechsel, es wurde komplexer und freier.

Lied

Es ist das deutsche Wort für „Lied“. Es ist ein Lied für eine Singstimme mit Begleitung, meist Klavier, in einer ansprechenden und raffinierten Form, deren Hauptmerkmal die gegenseitige Durchdringung von Poesie und Musik ist. Hinsichtlich der musikalischen Begleitung gab es zwei Arten von Liedern: solche mit der gleichen Musik für jede Strophe (Strophenlied) und solche, bei denen sich die Musik mit jeder Strophe ändert (durchkomponiertes Lied).

Schubert und Schumann wurden zu den prominentesten Komponisten des Liedes.

Oper

Sie war eine Ausdrucksform, die dem romantischen Geschmack sehr entsprach. Sie vereinte zwei romantische Ideale: Musik und Theater, und spiegelte auch das Interesse an nationalen und volkstümlichen Themen wider. Diese Leidenschaft für die Oper führte zum Bau bedeutender Theater. Das Publikum füllte die Theater, wobei die sozialen Klassen unterschieden wurden und ihre jeweiligen Plätze in Logen, Rängen usw. einnahmen. Die Oper wurde zu einem Zentrum des gesellschaftlichen Lebens; die Pausen wurden genutzt, um Geschäfte abzuschließen, sich heimlich zu verabreden usw.

Opernmusik durchdrang das Alltagsleben aller sozialen Schichten; die Melodien berühmter Arien waren in Cafés auf Klavieren, in Bars auf Orgeln und in den Salons der Oberschicht zu hören. Jeder kannte und sang sie. In Italien und Deutschland erlebte die Oper ihre größte Blütezeit.

Italienische Oper

Im frühen 19. Jahrhundert pflegte die italienische Oper weiterhin die Unterscheidung zwischen ernster und komischer Oper sowie die Tradition des Bel Canto, ein Begriff, der die technischen und virtuosen Qualitäten bezeichnet, die ein guter Sänger besitzen sollte. Der Bel Canto fand seine Spitzenvertreter in Rossini, Donizetti und Bellini.

Rossini war der unangefochtene Star der italienischen Oper im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts; er schrieb über 40 Opern, darunter Der Barbier von Sevilla und La Cenerentola.

Bellini ist stärker von der Romantik beeinflusst, sowohl durch die behandelten Themen als auch durch die starke Leidenschaft, die seine Werke auszeichnet. Seine 10 Opern gehören zum ernsten Genre, zum Beispiel Norma.

Verdi ist das große Genie der italienischen Oper des 19. Jahrhunderts und der Erbe von Donizetti und Bellini. Verdi betrachtete die Oper als eine Möglichkeit, menschliche Dramen zu erzählen, und forderte daher für seine Libretti emotionale und gewalttätige Situationen. Seine Themen waren für das italienische Volk von großem Interesse. Sie waren eng mit der italienischen Unabhängigkeitsbewegung (Risorgimento) verbunden. Der Chor aus seinem Werk Nabucco (1842) wurde zur italienischen Nationalhymne. Autor und Chor wurden unwissentlich zu einem Symbol des Kampfes für die Einigung Italiens. Zehn Jahre später komponierte er seine berühmteste Trilogie: Rigoletto, Il Trovatore und La Traviata. Seine letzte Oper ist eine Hommage an Shakespeare.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entwickelte sich in der Musik der Verismo, parallel zum Realismus in der Malerei oder dem Naturalismus in der Literatur.

Deutsche Oper

Wagner war der bedeutendste Vertreter. Er war zugleich Philosoph und Musiker. In seinen Opern sind das von ihm selbst geschriebene Libretto, die Musik und die gesamte Inszenierung untrennbar miteinander verbunden, was er als Gesamtkunstwerk bezeichnete. Seine Karriere begann mit Der fliegende Holländer im Jahr 1843. Seine Vorliebe für germanische Sagen und Mythen zeigt sich unter anderem in Tannhäuser.

In seinen späteren Werken verwendete er die „unendliche Melodie“, eine Melodie, die sich ständig verändert und scheinbar nie endet.

Zarzuela

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts dominierte in Spanien die italienische Oper vollständig. Der Einfluss war so groß, dass ab 1840 einige spanische Komponisten ihre Werke „italianisierten“. Spanische Musiker imitierten die italienische Oper, aber auf Spanisch, wenn sie Zugang zur Bühne haben wollten.

Mitte des 19. Jahrhunderts entstand eine Gruppe von Musikern und Librettisten, die ihre eigene Identität finden wollten und die Sociedad Artística gründeten, deren Ziel es war, die Zarzuela in ganz Spanien zu verbreiten. Dazu gehören Juego de artificio (Spiel mit dem Feuer) und Los diamantes de la corona (Die Diamanten der Krone) von Barbieri.

Die Zarzuela zeichnet sich durch die Tendenz zu folkloristischen und populären Themen aus; die Handlungen spielen fast immer in Madrid und richten sich an die einfachen Leute und das Kleinbürgertum. Sie mischt gesprochene und gesungene Teile und enthält viele komische Elemente.

Besonders hervorzuheben ist das género chico (kleines Genre), eine Art Zarzuela, die kürzer war, sowohl im Namen als auch in der Handlung. Die Schaffung solch kurzer Stücke entsprach der Absicht der Theaterleiter, mehrere Vorstellungen am selben Tag anzubieten, was bedeutete, dass das Theater stundenlang geöffnet war. Es zeichnet sich durch Handlungen aus, die die Sitten des Lebens in Madrid darstellen, durch äußerst populäre Musik, spanische Folkloretänze und Figuren aus dem Alltag, mit denen sich das Publikum identifizieren konnte. Das Genre erreichte seinen Höhepunkt mit La Gran Vía (Die Große Straße) von Federico Chueca.