Spanische Barockmalerei: Meisterwerke und Epochen (17. Jahrhundert)

1) Barockmalerei in Spanien: Der Höhepunkt

Das siebzehnte Jahrhundert markiert den Höhepunkt der spanischen Malerei. Es ist bemerkenswert, wie der politische und wirtschaftliche Niedergang Spaniens mit einem künstlerischen und spirituellen Aufschwung einherging. Spanien hatte zu dieser Zeit zwei große künstlerische Zentren: Madrid und Sevilla, aber auch kleinere Zentren wie Valencia, Córdoba und Granada gewannen an Bedeutung.

Von den drei barocken Strömungen, die sich im 17. Jahrhundert in der europäischen Malerei entwickelten (Naturalismus, Klassizismus), erreichte der Naturalismus in Spanien die größte Verbreitung, da er der spanischen Sensibilität entgegenkam. Die sperrigen, dekorativen Auflagen des Hochbarock fanden erst in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts großen Anklang, als der Stil dynamischer, farbenprächtiger und opulenter wurde.

Die Kirche war der Hauptauftraggeber der Künstler. Daher wurden vorrangig religiöse Themen behandelt, die in königlichen Palästen und Herrenhäusern importiert wurden. Die häufigsten Themen sind religiös. Jungfrau und Kind werden häufig dargestellt, ebenso wie Darstellungen der Unbefleckten Empfängnis. Auch das Porträt ist aufgrund seiner Qualität wichtig, wobei Velázquez zu den besten Künstlern zählt. Die Tavernenszene (Genredarstellung) ist ebenfalls präsent, was die naturalistische Akzeptanz unserer Maler (Zurbarán) widerspiegelt.

Hinsichtlich der Komposition zeigten viele Künstler wenig Interesse an der Bewegung der Figuren, sondern bevorzugten statische Formen und die einfache Gegenüberstellung von Objekten und Personen (Zurbarán). Andere wiederum legten großen Wert auf Bewegung und nutzten die Diagonale des Barock. Besonders hervorzuheben ist die Bedeutung, die spanische Künstler dem Licht und der Perspektive beimaßen.

Schule von Valencia

Francisco Ribalta (1565–1628)

Sein Stil integriert Elemente aus Caravaggios Kunst und zeigt großen Realismus in seinen Figuren.

José Ribera (1591–1652)

Einer der großen Meister der zentralen Phase des Jahrhunderts. Sein Stil ist geprägt von Dunkelheit, aber die Intensität des Lichts und satte Farben verleihen ihm einen sehr persönlichen Charakter. Er war sehr an der strengen Darstellung der Realität interessiert, weshalb seine Malerei manchmal außergewöhnliche Kraft und Dramatik besitzt. In seinem Frühwerk dominierte ein starker Tenebrismus. Im Laufe der Zeit vergaß er den dunklen Hintergrund und beleuchtete seine Szenen mit einer goldgelben Farbe und reichem Nuancenreichtum. Obwohl das vorherrschende Thema in seinem Werk religiös ist, zeigte er auch Interesse an mythologischen Themen aufgrund seiner Verbindung zum italienischen Umfeld. Wichtige Werke: Jakobs Traum, Das Martyrium des Heiligen Bartholomäus.

Andalusische Schule

Zurbarán (1598–1664)

Einer der bedeutendsten Maler der mittleren Jahre des Jahrhunderts. Mit seinem Stil verdeutlichte er die Ideale der Gegenreformation und die intensive Religiosität der Orden. Seine Malerei des Jahrhunderts zeichnet sich durch einen Realismus aus, der seine Figuren mit großer Schlichtheit und wenig Interesse an Details darstellt. Er verwendet einen weichen, klaren Tenebrismus, dessen Hauptaufgabe es ist, die Umrisse zu definieren, wodurch seine Figuren fast skulptural wirken. Seine Kompositionen sind einfach, aber die gesamte Aufmerksamkeit richtet sich auf Gesichter und Hände, wodurch diese eine große Ausdruckskraft erhalten. Bei all seinen Charakteren ist eine tiefe Spiritualität erkennbar, die Ablehnung gewaltsamer Gefühle. Er stellte die von Inbrunst erfüllten Gesichter von Heiligen und Mönchen besser dar als jeder andere. Er widmete sich fast ausschließlich monastischen Themen und schuf zahlreiche Serien für verschiedene Aufträge, darunter Werke für das Convento de la Merced (Sevilla), das Kloster San Buenaventura (Sevilla), La Cartuja de Jerez und Sevilla sowie den Bau des Klosters von Guadalupe (Fra Gonzalo de Illescas).

Alonso Cano (1601–1667)

Ein weiterer großer Maler Andalusiens. Er neigte zum Schönheitsideal. Seine Malerei ist idealistisch, raffiniert, kultiviert, mit zarten Farben; seine Bilder sind lieblich und süß. Er muss bei Typen wie die Jungfrau und das Kind, die Pietà, die Unbefleckte, etc. betrachtet werden.

Valdés Leal (1622–1690)

Sein Stil beschäftigt sich mehr mit der Schönheit des Ausdrucks. Er verfügt über hervorragende Fähigkeiten als Kolorist. Er war melodramatisch und neigte in seiner Malerei zu unangenehmen und makabren Themen. Zu seinen Werken gehören die Letzten Dinge für das Charity Hospital in Sevilla.

Murillo (1617–1682)

Geboren in Sevilla, war er die Quintessenz der Maler religiöser Themen. Sein Stil spielt mit Inbrunst, Süße und ist farbenprächtig und dynamisch, typisch barock, bleibt aber innerhalb eines kompositorischen Gleichgewichts. Er verschönerte die Realität und machte das Hässliche schön, selbst bei Themen des Elends und der Armut. Seine Technik ist sehr exquisit und seine Modelle besitzen eine gewisse weibliche Anmut. Er passte sich dem herrschenden Geschmack an: Während er in der früheren Periode Heilige heldenhaft darstellte, näherte er sich in der späteren Phase der Religion dem Menschen an. Murillo war im Wesentlichen ein Maler religiöser Themen (Die Heilige Familie mit dem Vogel, Anbetung der Hirten) und zeigte großes Interesse an marianischen Themen wie Die Jungfrau und das Kind oder die Unbefleckte. Darstellungen von Kindern sind wichtig, wie Der Göttliche Hirte. In seiner Sittenmalerei zeigen die Lieder eine realistische Behandlung mit einem schelmischen Ton.

Schule von Madrid

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599–1660)

Eine der wichtigsten Figuren der spanischen Malerei. Er steht zwischen dem Realismus der Malerei der ersten Hälfte des Jahrhunderts und dem barocken Stil der späteren Zeit. Er stammte aus Sevilla, wo er geboren wurde, und Madrid, wo er seine Karriere machte. Die große Anzahl erhaltener Werke ermöglicht es uns, die Entwicklung seiner Malerei genau zu verfolgen. Philipp IV. war ein wahrer Mäzen von Velázquez. Er arbeitete am Hof, was ihn wirtschaftlich absicherte und ihn nicht zwang, seine Bilder zu verkaufen, um seinen Lebensunterhalt zu sichern. Seine Bilder wurden langsam und mit großer Sorgfalt gemalt, ohne Rücksicht auf Geld oder Zeit.

Phasen

• In seinen frühen Jahren in Sevilla ist die natürliche Richtung tenebristisch, mit Kompositionen in Ocker- und Brauntönen und einer engen Technik. Er legte Wert auf Stillleben-Elemente und die Individualisierung der Charaktere: Frau beim Eierbraten, Der Wasserverkäufer von Sevilla.
• Die erste Phase in Madrid (ab 1623): Er etablierte sich als Porträtmaler für den Hof. Von dieser Zeit an entwickelte sich seine Kunst weiter, als er große italienische Maler traf und deren Farbe und Licht bewunderte. Dies gab ihm den Anstoß, mythologische Werke zu malen: Der Trunkenbold.
• Die Reife seines Stils, ruhig und ausgeglichen, konzentriert sich auf Farbe und Licht und begann Mitte der 30er Jahre nach seiner ersten Italienreise. Sein Aufenthalt in Italien bereicherte seine künstlerische Konzeption, betonte sein Interesse an der venezianischen Malerei und fügte seiner Komposition die Eleganz und Harmonie der italienischen Kunst hinzu (Die Schmiede des Vulkan). Seine Technik wurde in dieser Zeit und nach der Rückkehr aus Italien lockerer und leichter, er suchte hellere Farbtöne und eine bessere Darstellung der Umgebung. Mit diesen Merkmalen malte er Werke wie Die Übergabe von Breda, auch bekannt als Die Lanze, die ein historisches Ereignis darstellt und in der die Umgebung große Tiefe und Transparenz erreicht, wobei die Figuren und die Atmosphäre ausgeglichen sind. In dieser Phase sind Bilder wichtig, in denen Silbertöne glänzen, wie die Porträts von Philipp IV. in Silber, Reiterbildnis von Philipp III., Margarete von Österreich, Elisabeth von Bourbon-Condé und Duque. Seine Sorge um die menschliche Existenz spiegelt sich in den Darstellungen von Zwergen und Hofnarren wider, wie in Der Junge von Vallecas (1649).
• Auf seiner zweiten Italienreise malte er Papst Innozenz X., prächtig in seiner Kombination aus Weiß und Purpur und die Persönlichkeit des Modells erfassend. Sein Werk Der Spiegel der Venus könnte in dieser Zeit in Italien entstanden sein. Das Thema ist ein weiblicher Akt, eine seltene Darstellung der Nacktheit in der spanischen Malerei.
• Letzte Periode (1651–1660): Im Laufe der Jahre wird die Palette von Velázquez völlig flüssig; die Konturen verschwinden und er erreicht eine unübertroffene Qualität. Die Farbschicht sammelt sich manchmal in schnellen Pinselstrichen mit großer Wirkung, die Konturen werden verdünnt und die Formen erhalten einen fast impressionistischen, wandelbaren Charakter. Er erreicht die vollständige Kontrolle über die Luftperspektive, d. h. die Darstellung der Tiefe als Funktion des Verhältnisses zwischen Raum und Licht, wodurch die Atmosphäre zwischen den Körpern erfasst wird. Seine wichtigsten Werke dieser Zeit sind Las Meninas und Die Spinnerinnen, die diese Qualitäten aufweisen. In Las Meninas zeigt er eine bemerkenswerte Meisterschaft in der Darstellung von Raum und Lichtvariationen. Die perfekte Komposition macht dieses Bild zu einem der Meisterwerke der Kunstgeschichte. Die Spinnerinnen ist eines der großen Gemälde von Velázquez und zeigt seine tiefe Kenntnis der Mythologie sowie die Darstellung von Licht und Atmosphäre.