Die spanische Literatur des 17. Jahrhunderts: Barock, Lyrik und Theater

Das 17. Jahrhundert: Literatur

Historischer und kultureller Kontext

Geschichte und Gesellschaft

Das 17. Jahrhundert ist von sozialem und politischem Verfall gekennzeichnet. Es ist die Ära der absoluten Monarchie, in der Luxus und Elend koexistieren und alte soziale sowie religiöse Vorurteile wieder aufleben. Die politische und soziale Unzufriedenheit äußerte sich mehrfach. Die hispanische Gesellschaft zeigte große Kontraste: Das Elend, das die Entvölkerung des ländlichen Raums, Hunger und das Auftreten unzähliger Bettler verursachte, koexistierte mit einem Hang zu Luxus und Pracht. Das äußere Bild dieser Zeit ist typisch für die Gleichzeitigkeit von Luxus und Elend. Insgesamt ist es eine Periode der Verarmung, der ländlichen Abwanderung in die Städte und eines starken Anstiegs der Steuern. Mit der Zunahme der Zahl der Adligen und dem Erwerb neuer Macht verstärkten sich einige soziale und religiöse Vorurteile.

Kultur

Die Kultur ist brillant, vielschichtig und vielfältig. Sie verrät einen tiefen Pessimismus, der das Klima der Unsicherheit, Verwirrung und Angst widerspiegelt, das aus der sozialen Krise resultiert. Mit dem Barock konsolidiert sich die konservative Tendenz, die mit der Gegenreformation einhergeht und die Abkehr vom humanistischen Ideal der Toleranz, Vernunft und Ausgeglichenheit akzentuiert. Die sozialen Gegensätze finden ihr Pendant in der kulturellen Welt. Tiefe barocke Frömmigkeit koexistiert mit einem zynischeren, sinnlicheren und burleskeren Ton.

Kunst und Literatur

Barocke Kunst wird oft als schwierig und künstlich empfunden. Ihr Ziel ist es, zu beeindrucken oder Bewunderung hervorzurufen, da sie unverhältnismäßige und überwältigende Verzierungen schätzt. Die Barockliteratur spiegelt die Sorgen und den Geschmack der Zeit wider und erreicht eine besondere Tiefe, insbesondere bei der Behandlung des Themas der Enttäuschung, das charakteristisch für diese Epoche ist. In Bezug auf die Sprache wird das Modell der natürlichen Eleganz der Renaissance durch den Geschmack für das Schwierige und Überraschende ersetzt. Barocke Themen verweisen auf die latente Enttäuschung oder Ernüchterung der Zeit, wie Tod, Vergänglichkeit, das Leben als Traum... Wir sehen die Entwicklung der Satire, die oft trivial und bedeutungslos erscheint, sowie die Vermischung von Burleskem in ein und demselben Werk.

Der Barock: Lyrik und Prosa

Themen und lyrische Formen des Barock

Im 17. Jahrhundert erreicht die Lyrik eine hohe Qualität und ist sehr vielfältig in Themen, Tönen und Formen. Die Dichter, die diese Vielfalt repräsentieren, sind Francisco de Quevedo und Luis de Góngora. Neben ihnen steht Lope de Vega mit einem natürlicheren Stil. Barock-Dichtung weist scharfe Kontraste in den Themen (ernst oder belanglos), in den Tönen (erhaben oder burlesk) und in Form oder Stil (kultiviert oder populär) auf. Große Vollkommenheit erreichen das Sonett und die Ballade, die nun für jedes Thema verwendet werden, sowie die Décima und die Silva, eine freie Kombination von siebensilbigen und elfsilbigen Versen.

Conceptismo und Culteranismo

Im Barockstil werden zwei Tendenzen unterschieden: der Conceptismo, basierend auf Einfallsreichtum, und der Culteranismo, der sich mit formaler Schönheit befasst. Francisco de Quevedo und Baltasar Gracián repräsentieren den Conceptismo, Luis de Góngora den Culteranismo. Traditionell wurde zwischen Conceptismo und Culteranismo unterschieden, doch beide wollen sich durch Erfindungsreichtum und Assoziationen ausdrücken und richten sich an eine Minderheit, da sie den Leser zu einer interpretativen Anstrengung zwingen.

• Der Conceptismo spiegelt die barocke Ästhetik wider, die auf den Intellekt, das Spiel der Ideen oder Konzepte durch Paradoxon, Antithese, Polysemie... zentriert ist. Er neigt zur Kürze des Ausdrucks, zu prägnanter, elliptischer Sprache und verwendet häufig Metaphern, die oft abfällig sind. Er wurde in der Prosa kultiviert. Quevedo und Gracián sind klare Vertreter des Conceptismo.
• Der Culteranismo: Die kultivierte Poesie strebt danach, eine poetische Sprache zu schaffen, die sich von der Alltagssprache unterscheidet. Was den Culteranismo kennzeichnet, ist die Intensivierung der Akkumulation von Stilmitteln und deren Einsatz durch den Barockdichter. Die Vertreter des Culteranismo streben nach formaler Brillanz und verwenden eine wirklich reiche Metaphorik und Hyperbeln, die schwer zu interpretieren sind. Sie integrieren ein kultistisches Lexikon, imitieren die lateinische Syntax und verwenden zahlreiche mythologische Anspielungen. Der Culteranismo wurde in der Poesie kultiviert, und Góngora, der die Minderheit verteidigte, verteidigte seine Poesie.

In der Poesie des 17. Jahrhunderts gibt es ein weiteres, einfacheres Modell, das von Lope de Vega vertreten wird.

Luis de Góngora

Góngora ist der Schöpfer der culteranistischen Poesie: elitär, kultiviert, brillant und schwierig. Er erfindet eine metaphorische Sprache, die sich von der Alltagssprache abhebt und eine veränderte und verschönerte Welt darstellt. Dies ist in seinen Liedern, Sonetten und Gedichten zu sehen. Er schrieb auch spöttische Gedichte und Gedichte in traditionellen Formen, gesammelt in Romanzen und Letrillas.

Góngoras Werk

Góngora erfand eine glänzende, poetische Sprache, die kultiviert und elitär ist. Seine Dichtung will die Realität in Form von Metaphern verwandeln. Im Allgemeinen ist Góngoras Poesie ästhetisch, da sie sehr sensibel ist und die Leser bewundert, weil sie sich an die Intelligenz richtet, aber nicht seine Gefühle ausdrückt.

• Die kultivierte Poesie: Von Anfang an kultivierte Góngora Gedichte in seinen Sonetten, doch diese Entwicklung intensivierte sich ab 1609. Dann schrieb er die Fabel von Polyphem und Galatea sowie die Soledades, die gegensätzliche Reaktionen in der Öffentlichkeit und bei anderen Dichtern hervorriefen: entweder riesige Bewunderung oder Ablehnung. Der Culteranismo ist gekennzeichnet durch:
  • Intensivierung des lexikalischen und syntaktischen Kultismus
  • Anhäufung von verschönernden Metaphern
  • Fülle mythologischer Anspielungen und conceptistischer Spiele.
• Die Fabel von Polyphem und Galatea ist ein langes Gedicht in Strophen, das ein mythologisches Thema behandelt. Góngora greift ein klassisches Thema auf, doch die Neuheit des Gedichts liegt in der Behandlung der Sprache: der Schaffung einer poetischen Sprache, die weit von der Alltagssprache entfernt ist und vom Leser eine interpretative Anstrengung sowie Fachwissen erfordert, um frühere mythologische Umschreibungen oder bestimmte Metaphern zu entschlüsseln.
• Die Soledades (Einsamkeiten): Góngora plante ein Gedicht in vier Teilen, doch beendete er nur den ersten und den zweiten fast vollständig. In Wirklichkeit dient die Handlung als Vorwand, um eine Hymne an die Natur, das einfache und bescheidene Leben sowie alltägliche Gegenstände zu erheben. Der Gegensatz zwischen dem Sujet und dem Glanz und Reichtum der Sprache überrascht uns.
• Letrillas und Romanzen repräsentieren die traditionelle Seite Góngoras. Zu seiner Zeit wurden sie mündlich überliefert und gesungen, später in Romanzeros gesammelt. Die Themen sind góngoristische Schäferromane, Lyrik, Mauren, mythologische Gefangene... Manchmal mischt er ein klassisches mythologisches Thema mit einem spöttischen Ton. In den Balladen und satirischen Letrillas dominiert in der Regel der Conceptismo, prägnant und witzig.

Francisco de Quevedo

Lyrik

Quevedo war ein bekannter Autor seiner Zeit. Obwohl seine Werke erst nach seinem Tod veröffentlicht wurden, verbreiteten sich seine Kompositionen in Handschriften, und seine Romanzen und Letrillas wurden als Lieder überliefert. Besonders bekannt und berühmt waren einige seiner satirischen Gedichte, die von Hand zu Hand als anonyme Gedichte weitergegeben wurden. In Quevedos Poesie werden zwei Arten unterschieden:

• Die ernste, reflektierende Poesie, in der der Dichter seine Gefühle und Ideen mit einem zerrissenen Ton ausdrückt. Sie umfasst metaphysische, moralische, religiöse und Liebesgedichte. Die ersteren sind Reflexionen über den Sinn des Lebens, den Tod, den Lauf der Zeit... Quevedo ist der Barockdichter, der das Thema der Vergänglichkeit des Lebens und der Gewissheit des Todes am intensivsten behandelt. Die Gedichte zu ethischen Fragen wie Macht oder Reichtum sind aus einer stoischen Perspektive verfasst, in der Pessimismus vorherrscht. In den Liebeskompositionen verbinden sich petrarkistische Themen mit einer sehr persönlichen emotionalen Gewalt.
• Die spielerische, witzige Poesie. Es ist ein Stil satirischer Gedichte, in denen der Geschmack des Dichters an sprachlichen Experimenten dominiert. Diese Dichtung zeigt einen kritischen Blick auf die Gesellschaft aus einer burlesken, hyperbolischen und verrückten Perspektive. Die Themen sind vielfältig, besonders wichtig sind die zahlreichen Gedichte Quevedos, die Góngora parodieren.

Stil von Quevedos Lyrik

Quevedos Dichtung neigt zum Conceptismo und zielt darauf ab, uns durch die Kombination neuer Konzepte zu überraschen. So können wir die folgenden typischen Merkmale festhalten:

• Besonders originelle Metaphern, die verschönern oder verformen, Gegenstände personifizieren und Menschen objektivieren.
• Die Schaffung neuer Wörter, manchmal Ableitungen oder Komposita.
• Die besondere Verwendung grammatischer Kategorien: Verben werden mit substantivischem Wert verwendet.
• Reichlich Wortspiele.

Erzählende und didaktische Prosa

Die Erzählung des 17. Jahrhunderts weist neue Entwicklungen im Vergleich zu den vergangenen Jahrhunderten auf: Romanzen werden nicht mehr so stark kultiviert, während sich der Schelmenroman, die Novelle und die allegorische Erzählung entwickeln. In der didaktischen Prosa gelingt es der Satire, das geistige Klima der Zeit adäquat widerzuspiegeln. Cervantes begründet im 17. Jahrhundert keine Schule, da seine Zeit und seine Renaissance-Ideale als überholt gelten. Der byzantinische Roman und die Novelle, die Art der Exemplarischen Novellen, die kultiviert wurden, verbinden die allegorische Novelle und die Übersicht des byzantinischen Romans. Marcia Leonarda folgt dem Vorbild der Kurzgeschichten von Cervantes. Der Ritterroman verschwindet (nach dem Einfluss von Cervantes), während der Schelmenroman in Hülle und Fülle kultiviert wird, da er ein Genre ist, das eine kritische, pessimistische und desillusionierte Sicht der Zeit vermittelt. Mateo Alemán sticht hervor mit Guzmán de Alfarache (dessen erster Teil 1599 und der zweite 1604 veröffentlicht wurde) und Quevedo mit El Buscón (das 1604 veröffentlicht wurde). Der Held des Schelmenromans ist von Natur aus schlecht, besitzt aber die Fähigkeit zur Reue und Erlösung.

Quevedos Prosa

Quevedo schrieb eine reiche Prosa, die von politischen und moralischen Fragen dominiert wird. Ihr Ton ist pessimistisch, manchmal bitter, auch wenn der Witz ihn maskiert. In Quevedos Prosa lassen sich sehr unterschiedliche Werke unterscheiden:

• Moralische und allegorische Satiren
• Politische Werke
• Philosophische und moralische Werke
• Werke der Literaturkritik
• Festliche oder burleske Werke
• Schelmenromane

Der Buscón

El Buscón ist eines der großen Werke des Schelmenromans, das die Tiefe der moralischen Dekadenz der Zeit und seinen conceptistischen Stil widerspiegelt. Als Quevedo diesen Schelmenroman schrieb, folgte er dem Modell eines Genres, das bereits durch Lazarillo de Tormes und Guzmán de Alfarache gefestigt war. Die charakteristischen Merkmale des Schelmenromans sind: eine autobiografische Erzählung über die Missgeschicke eines bescheidenen Helden; viele Herren, deren verschiedene Episoden dazu dienen, den endgültigen, schändlichen Status des Protagonisten zu erklären, der als unvermeidliche Frucht eines unerwünschten Erbes erscheint; die Kennzeichnung des Protagonisten und einiger sozialer Situationen, die satirisch dargestellt werden.

Der Barock: Theater

Das Drama des 17. Jahrhunderts

In der Barockzeit erreicht das Drama seine Blüte und erlangt große Popularität mit Dramatikern wie Lope de Vega und Calderón de la Barca. Hervorzuheben ist der Erfolg der Corrales de Comedias, die mit dem religiösen und höfischen Drama koexistierten.

Das religiöse Drama

Es manifestiert sich durch die Autos Sacramentales, kurze Stücke in einem Akt, die Charaktere in abstrakter, allegorischer Form präsentieren. Sie behandelten religiöse Themen und zeigten einen Konflikt zwischen Gut und Böse, der mit dem Triumph des Guten gelöst wurde. Die Autos Sacramentales wurden um Fronleichnam im Freien und außerhalb der Kirche aufgeführt. Diese Art von Theater war das am besten geeignete Instrument, um den Menschen die wesentlichen Dogmen des Katholizismus verständlich zu erklären.

Hoftheater

Es wurde in Sälen oder Innenhöfen der Paläste aufgeführt. Szenische Innovationen ermöglichten spektakuläre Spezialeffekte. Diese Entwicklungen sind besonders bemerkenswert in den mythologischen oder fantastischen Komödien und begeisterten das Hofpublikum.

Das Theater der Corrales

In jedem Dorf gab es einen Corral de Comedias, um die Werke aufzuführen. Die Corrales zogen alle Arten von Publikum an. Adlige mieteten die Balkone für die Saison. Und um nicht erkannt zu werden, kamen viele von ihnen mit venezianischen Masken. Die Bühne (eine Plattform an der Wand) hatte auch einen Verkaufsstand (wo Limonaden und Obst verkauft wurden). Der Rest des Publikums zahlte drei Eintrittspreise (normalerweise 1 und 2, abhängig vom Bereich). Frauen saßen auf der erhöhten Terrasse (Cazuela). Der Rest des Publikums stand. Die Aufführungen begannen bei Sonnenuntergang und endeten in der Abenddämmerung. Das Publikum musste unterhalten werden, da es ein lebhaftes Publikum war. An bestimmten religiösen Feiertagen wurden keine Aufführungen gezeigt. Die Werke folgten nicht den klassischen Mustern und hatten statt fünf Akten drei, nämlich: Einführung, Mittelteil und Ende.

Lope de Vega (1562-1635)

Lyrik und Erzählkunst

Lope de Vega war ein großer Dichter, der den einfachen und natürlichen Stil seiner Zeit pflegte. Er schrieb Texte traditioneller Art, Sonette und epische Dichtung. In der Liebes- und religiösen Poesie, mit autobiografischem Hintergrund, erreicht er eine besondere emotionale Intensität. Als Erzähler experimentierte er mit einer Vielzahl von Genres. Lope war ein Dichter, bekannt für seine Balladen und Sonette. Er kultivierte reichlich traditionelle Formen und lyrische Themen in Liebes-, religiösen und burlesken Sonetten. Seine Dichtung ist emotional, menschlich und aufrichtig im Ton, mit den Merkmalen des Barock, aber gedämpft. Er verfasste auch epische Dichtung, die stark vom Renaissancestil geprägt war. Als Erzähler kultivierte Lope die Novelle im Stil von Cervantes, den byzantinischen Roman, den Hirtenroman mit einem realistischeren Ton als üblich, und vor allem den Dialogroman und die Rekonstruktion seiner Jugendliebe aus der Reifezeit.

Das Theater von Lope de Vega

Im späten 16. Jahrhundert begann Lope de Vega, ein einfacheres Theater als zuvor zu schaffen, das dem Geschmack des Publikums und der Agilität der Darstellung entsprach. Diese neue theatralische Form nannte man die Comedia Nueva. Lope schuf ein Theater, das sich mit dem Publikum seiner Zeit verband und neue Wege für das Theater ebnete.

Die Comedia Nueva

Die Comedia Nueva, die von Lope de Vega geschaffene dramatische Form, führte viele Neuerungen im Vergleich zur vorherigen Epoche ein: Sie gab die klassischen Einheiten auf, hatte drei Akte, vermischte das Tragische mit dem Komischen, enthielt anmutige und lyrische Szenen usw. Lope teilte seine Gedanken über das Theater in seinem 1609 veröffentlichten Buch Arte Nuevo de hacer comedias en este tiempo. Die Erneuerung durch Lope de Vega basiert auf dem Bruch mit den klassischen Normen, nämlich durch:

• Ablehnung der drei Einheiten. Nach Aristoteles sollte das Stück die Einheiten von Zeit, Ort und Handlung respektieren, sich in einem einzigen Raum und innerhalb eines Zeitraums von maximal einem Tag entwickeln und ein einziges Thema oder einen einzigen Konflikt aufdecken. Lope hingegen ermöglicht zahlreiche Szenarien, die eine dynamische und auffällige Inszenierung bieten, und in Bezug auf die Zeit ist ihm alles erlaubt. Die Einheit der Handlung wird von Lope am meisten eingehalten, doch im Allgemeinen wird der Hauptaktion eine Nebenhandlung hinzugefügt, die als Kontrast dient. Die Vielfalt der Charaktere, ernst oder unbekümmert, trägt zum Kontrast der Darstellung bei.
• Das Werk wird in drei Akten präsentiert. Lope de Vegas Stücke begrüßen diese Neuerung. Im Großen und Ganzen fällt die Handlung in die Exposition, den Höhepunkt und die Auflösung.
• Mischung aus Tragik und Komik. Im Theater von Lope de Vega mischen sich Farben und verschiedene Stimmungen.
• Verwendung verschiedener Versmaße, d.h. Polimetrie. Der achtsilbige Vers dominiert, obwohl auch viele andere Metren verwendet werden.
• Der Anstand ist passend zur Art des Charakters und der Sprechweise. Jeder Charakter muss eine Sprache verwenden, die ihn charakterisiert und dem Werk Glaubwürdigkeit und Abwechslung verleiht.
• Die Figur des Gracioso (Lustige). Dies ist ein Charakter, der aus der Entwicklung des Narren von Lope de Rueda stammt und manchmal recht komplex ist.
• Einbeziehung lyrischer Elemente. Lieder und Tänze beleben und verleihen dem Spektakel Farbe und Auffälligkeit.

Themen im Theater Lope de Vegas

Lope de Vega verteidigt die Freiheit in der Wahl der Themen; sein Theater präsentiert eine vielfältige Thematik, doch für den Autor waren die Probleme, die die meisten Konflikte hervorriefen, Ehre und Ansehen. Nach den Themen wurden die Stücke von Lope de Vega in folgende Gruppen eingeteilt:

• Religiöse Themen erscheinen in Moralstücken und Komödien. Einige dramatisieren das Leben von Heiligen und andere greifen Legenden mittelalterlichen Ursprungs auf. Er schreibt auch Dramen biblischer Inspiration.
• Komödien der spanischen Geschichte und Legende. Viele von ihnen spielen im Mittelalter und greifen Themen aus Chroniken, Legenden, Balladen und Liedern auf. Dazu gehören auch Dramen über ungerechte Herrschaft, die Konflikte zwischen der Bevölkerung und dem Adel beleuchten. Lope de Vegas Komödie erfüllt die soziale Funktion, die absolute Monarchie gegen die empörte Macht des Adels zu untermauern.
• Zeitgenössische Komödien der Liebe und Verstrickung. Es sind Werke voller Intrigen und Missverständnisse, die in ländlichen oder städtischen Umgebungen der Zeit spielen und sich um das Thema Liebe drehen, mit Kupplern, Mädchen, die sich als Männer verkleiden, unerwarteten Gästen... Sie haben in der Regel einen ungezwungenen Ton und ein glückliches Ende.

Die Figuren im Theater von Lope de Vega

In einem Theaterstück von Lope de Vega wiederholen sich oft die Figuren, die nicht durch ihre Natur, sondern durch ihre Handlungen und als Vorbild definiert sind. In all seinen Werken erscheint eine Reihe von wiederkehrenden Typen, die mit der gleichen dramatischen Funktion auftreten. Die häufigsten sind:

• Der König, der die Macht besitzt, die Ordnung wiederherzustellen und soziale Gerechtigkeit in Konflikten zu fördern.
• Der mächtige Adlige, stolz auf seine Abstammung, ist oft der Gegenspieler, wenn er seine Macht missbraucht und Konflikte mit seinen Vasallen verursacht.
• Der Ritter oder Herr, der die Familienehre aufrechterhält. Er erscheint als Vater, Bruder oder Ehemann und wacht über die Ehre und das Ansehen der Familie.
• Der Liebende und die Dame, das junge Liebespaar, immer aus derselben sozialen Gruppe. Im Allgemeinen zeichnet sich der galante Herr oder Adlige durch seine Großzügigkeit, seinen Mut und seine Attraktivität aus. Die Dame ist schön und vor allem listig: Ihre List überwindet die Hindernisse, die sich zwischen ihr und ihrem Geliebten stellen.
• Der Gracioso und die Magd. Der begleitende Gracioso fungiert als Diener, Freund oder Vertrauter und ist sein Kontrapunkt: feige und materialistisch. Sein Witz lockert die angespannteren Szenen auf. Oft erlebt er eine parallele Liebesgeschichte mit der Magd. Die Magd ist in der Regel auch eine Vertraute und eine Brücke zwischen Frau und Mann, indem sie Briefe und Informationen übermittelt. Oft leben sie ihre Liebesgeschichte parallel zu den Herren, wobei der Diener die führende Rolle spielt.

Die Schule von Lope de Vega

Nach dem Erfolg der Comedia Nueva von Lope de Vega setzten viele Schriftsteller sein Theatermodell fort, zum Beispiel Tirso de Molina.

Calderón de la Barca (1600-1681)

Das Theater von Calderón de la Barca

Calderón spiegelt ein in der Barockzeit sehr häufiges, pessimistisches und konservatives Weltbild wider: Das Leben ist Eitelkeit, ein Traum, aus dem man beim Tod erwacht, und die Welt ist ein Theater, in dem wir unsere von Gott, dem Autor, zugewiesene Rolle spielen. Es ist ein kultiviertes Drama, das tiefgründige Fragen durch sorgfältig ausgearbeitete Charaktere, Handlung und Stil aufwirft. Calderón übernimmt die Formel von Lope de Vega, vertieft sich aber in die zentrale Struktur des Stücks: die Entwicklung der Handlung, Themen und Charaktere. Er vermeidet unnötige Szenen, macht alle Charaktere zu Hauptakteuren, reduziert die Motive und Themen der Werke auf eine einzige Frage und präsentiert eine Hauptfigur, die sich deutlich abhebt. Calderóns Theater entwickelt sich in diesem Prozess weiter. So wird es, während seine frühen Werke Lope de Vegas Theater nachempfunden sind, zunehmend ideenreicher und symbolischer. Calderón de la Barca kritisiert nie die Gesellschaft seiner Zeit noch die vorherrschenden sozialen und moralischen Werte. Die Merkmale des Theaters von Calderón sind:

• Die Sprache ist typisch für den Barock Calderóns: conceptistisch und culteranistisch. Insgesamt ist es eine kultivierte und elitäre Sprache, auch in den Werken, die dem Modell von Lope folgen, ist die Sprache einfacher.
• Die Figuren in Calderóns Dramen sind ziemlich ausgefeilt.
• Das Bühnenbild trug ebenfalls zum Erfolg des Calderónschen Theaters bei. Es wurden Innovationen eingeführt, die spektakuläre und großartige Inszenierungen ermöglichten.

Die Themen des Theaters von Calderón

Die charakteristischen Themen Calderóns sind philosophischer und theologischer Natur. Er verstärkt aber auch die Konzepte von Königtum und Ehre, die für das Theater Lope de Vegas charakteristisch sind, und schafft wunderbare Komödien oder Mantel-und-Degen-Stücke. Calderóns Theater wirft aber auch philosophische Fragen auf, zu denen er logisches Denken entwickelt. In der Frage der Ehre bewegt sich Calderón manchmal in einem unmenschlichen Rahmen. Dieser starre Ehrenkodex und die Ehre werden in den Dramen von Ehre und Eifersucht dargestellt. Auf der Grundlage der Themen sind die Werke von Calderón in folgende Gruppen eingeteilt:

• Religiöses Drama.
• Zeitgenössische Komödien der Verwicklungen oder Mantel-und-Degen-Stücke. Sie sind die zahlreichsten, wenn auch nicht die bekanntesten. Hervorzuheben ist die Fähigkeit, die Handlung nach dem Vorbild von Lope de Vega zu gestalten.
• Mythologisches Drama. In ihnen dominiert die kultivierte Sprache.
• Dramen von Ehre und Eifersucht. Einige basieren auf historischen oder legendären Motiven. Und in einigen Dramen von Eifersucht wird die Ehre mit großer tragischer Intensität von Calderón behandelt.
• Philosophisches Drama: Das Leben ist ein Traum ist zweifellos das beste seiner Werke. Es beschreibt den Konflikt zwischen Freiheit und Schicksal, aber auch andere Motive werden aufgeführt: Ehre, Macht und die Monarchie...
• Autos Sacramentales. In diesen Werken zeigt Calderón am besten seine philosophischen und theologischen Kenntnisse sowie seine scholastischen Denk- und Reflexionsfähigkeiten.

Calderóns Schule

Calderón war das Vorbild für andere Autoren, die den Trend der Vereinfachung der Handlung und der Vertiefung von Themen und Charakteren fortsetzten, wie Francisco de Rojas Zorrilla und Agustín Moreto.