Spanische Literatur & Theater: Lorca, Cela, Delibes & Nachkriegszeit

Das Haus der Bernarda Alba: Analyse & Charaktere

Das Stück, geschrieben in drei Akten im Jahr 1936, wurde in Buenos Aires uraufgeführt. Es erzählt die Geschichte von Bernarda Alba, einer 60-jährigen Witwe, die nach dem Tod ihres zweiten Mannes eine achtjährige Trauerzeit für sich und ihre fünf Töchter verhängt. Angustias, die älteste Tochter, erbt das Vermögen ihres Vaters, was zu Spannungen unter den Schwestern führt. Sie soll Pepe el Romano heiraten, jedoch nur aus finanziellen Gründen. Liebesprobleme zwischen den Schwestern und Pepe eskalieren, was zum Tod der jüngsten Tochter, Adela, führt, die unfähig ist, ihre Liebe zu gewinnen, und schwanger ist. Bernarda beendet das Stück mit der Behauptung, ihre Tochter sei als Jungfrau gestorben.

Charaktere in "Das Haus der Bernarda Alba"

• Bernarda: 60 Jahre alt, falsch, heuchlerisch und despotisch. Sie ist stets mit ihrem Stock unterwegs und wird zur Zielscheibe der Kritik.
• Angustias: 39 Jahre alt, ledig, kinderlos. Die älteste Tochter aus erster Ehe. Sie weiß, dass Pepe sie nicht will, möchte aber das Haus verlassen.
• Magdalena: 30 Jahre alt. Sie vermisst ihren verstorbenen Vater am meisten und hat sich der Tyrannei gefügt. Sie weiß, dass sie nicht heiraten wird, hätte aber gerne einen Mann.
• Amelia: 27 Jahre alt, schüchtern, spricht selten im Stück.
• Martirio: 24 Jahre alt. Ihre Mutter verhinderte ihre Hochzeit. Sie ist nachtragend und eifersüchtig auf Adela.
• Adela: 20 Jahre alt, sehr vital, gegen die Moral der Zeit. Sie begeht Selbstmord.
• Poncia: 60 Jahre alt. Sie hat die Familie aufgezogen, ist Bernardas Freundin, aber immer noch ihre Dienerin.
• María Josefa: 80 Jahre alt, verrückt, aber sie spricht die Wahrheit aus und wirft ein schlechtes Licht auf Bernarda.
• Prudencia: 50 Jahre alt, eine Freundin von Bernarda.
• Pepe el Romano: Er erscheint nur kurz, ist aber der Katalysator für Leidenschaft und Wut.

Zentrale Themen des Stücks

• Soziale Klassen: Starker Klassismus zwischen Bernarda und Poncia.
• Rolle der Frau: Abhängigkeit der Frau vom Mann und gesellschaftliche Mentalität.
• Unterdrückende Gesellschaft: Geprägt von Klatsch, Gerüchten und Kritik.
• Tradition: Trauer, Mitgift, arrangierte Ehen.
• Autoritarismus: Die Tyrannei Bernardas.
• Freiheitsdrang: Der Wunsch aller, das Haus zu verlassen.
• Hass, Eifersucht und Geldgier.

Symbolik im Stück

• Wasser: Sexuelles Verlangen.
• Weiß und Schwarz: Symbolisieren Leben und Tod.
• Grün: Rebellion und Tod.
• Hitze: Intensivierung der dramatischen Handlung.
• Stock: Autoritäre Macht.
• Lamm: Symbolisiert Adelas Opfer.
• Namen:
  • Bernarda: Kraft, Stärke
  • Alba: Reinheit, Kaste
  • Angustias: Angst, Trauer
  • Magdalena: Trostlosigkeit
  • Amelia: Die Fleißige, die Arbeitende
  • Martirio: Martyrium, Qual
  • Adela: Edler Charakter
  • Poncia: Die Händewaschende (Anspielung auf Pontius Pilatus)
  • Prudencia: Vorsicht, Klugheit
  • María Josefa: Weisheit

Federico García Lorca: Leben und Theaterwerk

Lorca inszeniert tragische Schicksale, die gesellschaftliche Positionen und den Tod thematisieren. Oft vertraut er diese Fragen Frauenfiguren an, deren Tragweite jedoch unberührt bleibt. Es ist die Tragödie eines Menschen, der zu einem sterilen Leben und entscheidender Frustration verurteilt ist. Lorca stellt in seinen Figuren verschiedene Frustrationen dar; manchmal sind die feindlichen Kräfte der Tod, manchmal Vorurteile und gesellschaftliche Konventionen.

Konzeptionsphase und Lorcas Theaterverständnis

Lorca widmete sich sein ganzes Leben lang der Theaterkultur, besonders intensiv in seinen letzten sechs Jahren. In dieser Zeit schrieb er Werke, die ihm universellen Ruhm einbrachten. Seit 1932 leitete er La Barraca, eine universitäre Theatergruppe, die Klassiker des spanischen Volkes aufführte.

Lorca über das Theater: „Das Theater ist Poesie, die aus dem Buch aufsteigt und menschlich wird, menschliche Sprache spricht, schreit, weint und verzweifelt. Das Theater muss die Zeichen der Poesie auf der Bühne in einem Anzug sehen und gleichzeitig Fleisch und Knochen sein.“ Er wollte Schönheit und ästhetische Gefühle vereinen.

Stil und Sprache in Lorcas Dramen

Er verwendet Vers und Prosa, wobei ihm der Dialog sehr gut gelingt. Sein Theater ist reich an Symbolen, Metaphern und Vergleichen.

Entwicklung von Lorcas Theaterwerk: 3 Phasen

1. Die Anfänge (ab 1920)

   Er schrieb Der Fluch des Schmetterlings und kurze Stücke, inspiriert vom Marionettentheater. Sein erster Erfolg war Mariana Pineda, ein Stück über eine Heldin, die in Granada starb, weil sie eine liberale Flagge stickte. 1926 schrieb er Die wundersame Schusterfrau. Weitere Werke dieser Phase sind Die Liebe zu Don Perlimplín mit Belisa im Garten und Die Puppe des Don Cristóbal. In dieser Phase experimentierte er mit verschiedenen Formen und Registern: symbolistisches, modernistisches, volkstümliches und Puppentheater, und begann einen mutigen Weg.

2. Avantgarde (1929-1930)

   Lorca durchlebte eine tiefe Krise während seines Aufenthalts in New York, die seine theatralische Sprache erneuerte und vom Surrealismus beeinflusst wurde. Dazu gehören Das Publikum und So vergehen fünf Jahre.

3. Phase der Vollendung

   Eine radikale Wende in seinem Theater, die Ästhetik und Volkstümliches vereint. Lorca sagte: „In unserer Zeit muss der Dichter seine Adern für andere öffnen, deshalb habe ich mich dem Drama zugewandt, das uns mehr erlaubt.“ Die Jahre von La Barraca waren sehr erfolgreich. In fast allen seinen Werken spielen Frauen eine herausragende Rolle, da er sehr sensibel für ihre gesellschaftliche Situation war:

   • Bluthochzeit (1933): Basierend auf einer wahren Geschichte, in der eine Braut am Hochzeitstag mit ihrem Geliebten flieht. Eine Leidenschaft, die soziale und moralische Schranken überwindet und im Tod endet.
   • Yerma (1934): Das Drama einer Frau, die zur Unfruchtbarkeit verurteilt ist, ihren Mann tötet und die Möglichkeit der Mutterschaft verliert.
   • Doña Rosita, die Junggesellin oder die Sprache der Blumen (1935): Lorca thematisiert die Situation der Frauen in der städtischen Bourgeoisie, die Einzigartigkeit der Provinzdamen und erzählt, wie sie wie Blumen zu welken scheinen.
   • Das Haus der Bernarda Alba (1936)

Bedeutung von Lorcas Theater

Nach anfänglichen Misserfolgen und abstrakten Werken hatte Lorca großen Erfolg. Nach seinem Tod und dem Bürgerkrieg wurde Lorca weltweit bewundert, doch in Spanien erreichten seine Stücke die Bühne erst Jahre später. Gründe dafür waren Zensur und die Genehmigung der Familie. Zum Beispiel wurde Das Haus der Bernarda Alba erst 1964 aufgeführt. Er gilt als einer der besten Dramatiker weltweit.

Spanische Nachkriegsliteratur und ihre Entwicklung

Gesellschaft und Kultur nach dem Bürgerkrieg

Der Spanische Bürgerkrieg (1936-1939) verursachte einen Bruch in allen Aspekten des spanischen Lebens und ruinierte die Wirtschaft. Nach dem Zweiten Weltkrieg (1939-1945) blieb Spanien international isoliert, was die wirtschaftliche Erholung weiterhin behinderte. Die herrschende Ideologie der Falange übernahm die Kontrolle über Kultur und Medien, kritisierte abweichende Meinungen und bot eine eigene Alternative an. Die neue Regierung verfolgte eine harte Repressionspolitik, die nach Kriegsende zu vielen Toten, Inhaftierungen und Exil führte.

Exilliteratur nach dem Bürgerkrieg

Das Ende des Bürgerkriegs führte zur Emigration vieler Intellektueller und Schriftsteller. Viele Autoren, die bereits in früheren Generationen bekannt waren oder in den 1930er Jahren zu publizieren begannen, verließen das Land und schrieben den Großteil ihrer Werke im Exil. Dazu gehören unter anderem Max Aub, Ramón J. Sender, Rosa Chacel, Alejandro Casona und Arturo Barea.

Der existenzielle Roman der 1940er Jahre

Romane der 1940er Jahre spiegeln die Härte des täglichen Lebens wider. Die Schriftsteller dieser Zeit thematisieren entwurzelte, marginale Figuren, deren Hauptanliegen die Trauer ist, um nicht über soziale Missstände sprechen zu müssen (aufgrund der Zensur). Beispiele sind Die Familie des Pascual Duarte von Camilo José Cela und Nada von Carmen Laforet. Der Objektivismus spiegelt die soziale Realität kühl wider, oft mit einem kollektivistischen Charakter. Der Dialog wird betont, während der Erzähler und der Autor in den Hintergrund treten.

Sozialrealismus der 1950er Jahre

In den 1950er Jahren schrieben junge Schriftsteller Romane des Engagements und des sozialen Zeugnisses, eine Bewegung, die den Objektivismus nutzte. Beispiele sind Entre visillos von Carmen Martín Gaite und El Jarama von Rafael Sánchez Ferlosio.

Erneuerung narrativer Techniken (1960er Jahre)

In den 1960er Jahren interessierten sich junge, bereits etablierte Schriftsteller für neue narrative Techniken der europäischen und amerikanischen Literatur.

Merkmale der neuen Erzähltechniken

• Die Erzählperspektive ist oft multipel, mit mehreren Erzählern und Einheiten.
• Variabel lange Sequenzen, durch Leerzeichen getrennt, ersetzen Kapitel.
• Es erscheinen alternierende Sequenzen; eine kaleidoskopische Technik verbindet mehrere Geschichten.
• Die Zeit ist chaotisch und mit Rückblenden versehen.
• Der Autor nutzt die zweite Person (reflexiv) und den inneren Monolog.
• Es enthält romaneigene Elemente wie Mitteilungen, Berichte etc.
• Es erfordert einen aktiven und kreativen Leser.

Einflüsse und neue Techniken

Im 20. Jahrhundert erschienen in der europäischen und amerikanischen Literatur neue narrative Elemente. Europa brachte die Angstliteratur und die Symbolik Franz Kafkas, Selbstanalyse und inneren Monolog. Die amerikanische 'Lost Generation' führte den Bewusstseinsstrom ein. Beispiele sind La saga/fuga de J.B. von Gonzalo Torrente Ballester, La verdad sobre el caso Savolta von Eduardo Mendoza und Últimas tardes con Teresa von Juan Marsé.

Camilo José Cela: Werk und Stil

Camilo José Cela (1916-2002) erhielt den Nobelpreis für Literatur für sein umfangreiches und vielseitiges Werk, das von Erfahrung und Beobachtung geprägt ist. Sein sozialer Roman Die Familie des Pascual Duarte eröffnete den Tremendismo. Der Bienenkorb und Mazurka für zwei Tote zeigen sein fortgesetztes Experimentieren und Überraschen.

"Der Bienenkorb" (La Colmena)

Veröffentlicht 1951, führte Der Bienenkorb die Sequenztechnik ein. Der Erzähler scheint objektiv und allwissend. Er verwendet einen kollektiven Charakter, um das Leben von über 300 Figuren im Nachkriegs-Madrid darzustellen. Der Roman hat ein offenes Ende. Der Stil ist eine Mischung aus Ironie und lyrischen Tönen, die der Anhäufung von Adjektiven, Wiederholungen und Parallelen entgegenwirken und einen markanten Rhythmus erzeugen. Die Sequenzen beginnen oft mit dem Namen des Charakters, um den es geht, und erzählen von einem unordentlichen Leben, konzentriert auf drei Tage.

Miguel Delibes: Werk und Stil

Miguel Delibes (1920-2010) wurde in Valladolid geboren, wo er lebte, Professor für Handelsrecht und Journalist war. Er gewann den Nadal-Preis für La sombra del ciprés es alargada. Er war Mitglied der Königlichen Spanischen Akademie und erhielt den Premio Cervantes. Als einer der großen Erzähler des 20. Jahrhunderts verteidigt er in seinen Romanen, wie Tagebuch eines Jägers oder Die Ratten, oft den Menschen in seiner natürlichen Umgebung. Er legt besonderen Wert auf die Sprache: Er verwendet ein natürliches, sehr präzises Vokabular und ist ein wahrer Meister im Erfassen und Wiedergeben der Volkssprache. Sein Stil ist einfach gehalten, auch in experimentelleren Romanen wie Fünf Stunden mit Mario, Parabel vom Schiffbruch oder Die heiligen Unschuldigen. In Der Ketzer erschafft er das Valladolid des 16. Jahrhunderts und kritisiert scharf die Unnachgiebigkeit der Inquisition.

"Fünf Stunden mit Mario" (Cinco horas con Mario)

Carmen, die Hauptfigur, spricht mit dem Leichnam ihres Mannes Mario. In ihrem langen Monolog entdecken wir die Unterschiede zwischen ihnen: Mario, ein Lehrer, katholisch, liberal und sozial engagiert, kritisch gegenüber der Gesellschaft; Carmen, eine konservative Frau der Mittelklasse. Delibes erreicht durch Carmens Monologe eine getreue Wiedergabe der flüssigen Umgangssprache. Die Gedanken der Protagonistin fließen frei, ihre Erinnerungen sind mit einer klaren zeitlichen Störung vermischt, was eine aktive Lektüre erfordert, da der Leser die Geschichte mental ordnen muss. Der Roman war überraschend erfolgreich, da sich die Leser mit Mario identifizierten, obwohl die kritische Stimme nur durch Carmen die Fakten beurteilt.

"Elegie an Ramón Sijé" von Miguel Hernández

Es ist eine Elegie in mehreren Teilen, in der Miguel Hernández Traurigkeit, Verzweiflung und Resignation über den Tod seines Freundes Ramón Sijé ausdrückt. Wir sehen, wie Miguel Hernández in der Elegie verschiedene Stimmungen durchläuft.

In der ersten Strophe finden sich Metaphern und die Verwendung von Personalpronomen. Der Wunsch zu weinen, alles ist in Terzetten geschrieben. Von Anfang an spricht er von Traurigkeit, indem er sein Herz als Nahrung gibt.

In der vierten Strophe steigert sich der Schmerz. Es gibt eine Parallele zwischen dem frühen Tod und dem Flug (Metapher). Der Tod wird als personifizierte Liebe dargestellt. Mit den Worten „Da in meine Hände auf“ beginnt der Ärger. Hier gibt es eine „Wurf-Aktion“: Lautwiederholung bis zum Ende. Mit „Vom Rücken zu mir gestorben ist“ kommt die Resignation. Das Mandelbaumfeld: Noch im Frühjahr möchte er die Mandelcreme rufen, weil es voller weißer Blüten ist.

"Die heiligen Unschuldigen" (Los Santos Inocentes)

Der Film handelt von einer Familie, die unter miserablen Bedingungen in Dienstbarkeit lebt und von mehreren Besitzern ausgebeutet wird, was das Leben der Armen und Reichen kontrastiert. Die älteste Tochter ist Hausmädchen, die Eltern dienen außerhalb des Hauses zusammen mit dem Onkel, und der Sohn leistet Militärdienst. Die jüngeren Mädchen bleiben in der Obhut ihrer Eltern. Der Film entfaltet sich mit dem Tod von Iván (dem Herrn), verursacht durch den Tod von Milana (dem Vogel), für den Azarías Rache nimmt, was dazu führt, dass er in einer psychiatrischen Klinik landet. Die Eltern werden aus dem Haus geworfen, das kleine Mädchen stirbt an einem Schlaganfall, und die Tochter dient weiterhin im Haus, während die Kinder in der Stadt arbeiten.

Charaktere in "Die heiligen Unschuldigen"

• Paco, der Tiefe: Der Vater der Familie, an die Knechtschaft gewöhnt, ein wahrer, unschuldiger, edler und freundlicher Charakter.
• Azarías: Der Onkel der Familie, geistig behindert. Er liebt nur Milana (seinen Vogel), die ihn zum Leben motiviert. Ein obsessiver und treuer Charakter.
• Régula: Die Mutter der Familie, resigniert in ihrer Dienstbarkeit, akzeptierend, nachdenklich, freundlich und engagiert, aber auch bereit, sich zu fügen.
• Iván: Der Besitzer des Bauernhofs und des Hauses, in dem sie dienen. Ein überheblicher Charakter, reich, arrogant und nur an sich selbst interessiert.
• Doña Pura: Peters Frau, die ihren Mann betrügt. Pedro ist ein Freund von Iván.
• Die Kinder: Die älteste Tochter hat sich in die Dienstbarkeit gefügt; der Sohn ist rebellisch und widersetzt sich; das jüngste Kind ist schwach und braucht Pflege.

Filmische Ressourcen

• Flashback: Einsatz dieser Technik, um die Aufmerksamkeit und die Spannung bis zum Ende aufrechtzuerhalten.
• Farbkontrast: Einsatz von Farbkontrasten, um reiche oder arme Umgebungen zu betonen.