Spanische Malerei der Renaissance: Künstler, Werke und Stilmerkmale

Spanische Malerei der Renaissance: Einführung

SPANISCHE NATURA PI
Die spanische Malerei der Renaissance ist, ähnlich wie die Skulptur, häufig durch die Knappheit weltlicher Auftraggeber gekennzeichnet und weist eine fast ausschließliche Ausrichtung auf religiöse Malerei auf. Nur in einigen ausgewählten Umgebungen (Adel, königliche Sammlungen) finden sich mythologische Gemälde, meist italienischer Herkunft, sowie Porträts. Die wichtigsten Auftraggeber der spanischen Maler waren die Kirche.

Darüber hinaus verbinden die spanischen Maler des neuen Renaissance-Stils weiterhin für einige Zeit einen starken flämischen Einfluss, der im 15. Jahrhundert eingeführt wurde: akribische Technik, Vorliebe für Detail und Realismus, die sich in vollem Umfang während des frühen 16. Jahrhunderts fortsetzt.

Erstes Drittel des 16. Jahrhunderts

Pedro Berruguete
Pedro Berruguete, Sohn eines gleichnamigen Bildhauers, führte die Renaissance in Kastilien ein. Reisen nach Italien brachten ihm Kenntnisse, etwa für das Gefühl von Raum, den Einsatz von Licht oder die Modellierung der Figuren. Er war vor allem ein Maler von Altarbildern.

• Autodafé (Museo del Prado)

Fernando Yáñez de Almedina
Fernando Yáñez wirkte in Valencia und gehört zu den ersten Malern des Cinquecento in Spanien, die einen deutlichen Einfluss der italienischen Malerei zeigten.

• Santa Catalina (Museo del Prado)

Zweites Drittel des 16. Jahrhunderts

Im zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts setzte sich in Spanien der Stil des Raphael durch; der klassizistische Renaissance-Einfluss trat in Spanien ein.

Juan de Juanes
Juan de Juanes ist einer der Wegbereiter. Sein Ruhm begründet sich auf einem großen Stil, der durch Sanftheit gekennzeichnet ist.

• La Santa Cena

Luis de Morales
Luis de Morales, Künstler aus Extremadura, legt in seinen Werken vor allem geistige und innere Schönheit dar. Seine charakteristischsten Werke sind religiöse Gemälde.

• Die Jungfrau mit dem Kind

Drittes Drittel des 16. Jahrhunderts

In dieser Phase lassen sich mehrere Typen von Künstlern unterscheiden:

• a) Die Künstler an der Dekoration von El Escorial
• b) Das Hofportrait
• c) El Greco

Philipp II. versuchte, Künstler wie Cambiasso, Zuccaro oder Tibaldi zu beschäftigen; spanische Maler arbeiteten ebenfalls an seinen Projekten.

Juan Fernández Navarrete "El Mudo"
Navarrete war einer der ersten Maler in Spanien, der den Einfluss der venezianischen Malerei einbrachte. Er war ein Maler von großer Qualität.

• Die Enthauptung von Santiago
• Porträt des Hofes

Die Porträts des Hofes sind häufig durch flämische Detailtreue gekennzeichnet. Diese Künstler verleihen ihren Bildern einen Ton kühler Distanz und eines schweren Stolzes.

Navarrete schuf mehrere Porträts für den Hof Philipps II.

• Porträt der Maria Tudor (Museo del Prado)

Alonso Sánchez Coello
Alonso Sánchez Coello, portugiesischer Herkunft, zählt zu den renommiertesten Hofporträtisten und betont strenge Genauigkeit in der Darstellung von Kostümen und Schmuck.

• Porträt von Isabel Clara Eugenia (Tochter Philipps II.)
• Porträt Philipps II.

El Greco

El Greco ist die Schlüsselfigur der spanischen Malerei im 16. Jahrhundert. Geboren auf der Insel Kreta in einer orthodoxen Familie, reiste er 1560 nach Venedig, wo er die venezianische Maltechnik übernahm: lockerere und freie Pinselführung, reiche und satte Farben. El Greco bevorzugte später kühlere Töne und den Manierismus.

Später reiste er nach Rom, wo er das Werk Michelangelos, aber auch manieristischer Maler studierte: die serpentinata-Bewegung, die Betonung des Raums, kühle Töne und gewaltsame Verkürzungen in den Kompositionsschemata.

Charakteristische Merkmale von El Greco:

• Verlängerung manieristischer Figuren
• Ausdrucksvolle Gesichter mit großen, feuchten Augen
• Sehr durchdachte Kompositionen; Vorherrschaft geometrischer Muster
• Figuren füllen oft fast das gesamte Bild
• Gute Kenntnisse der Perspektive
• Leuchtende, aber eher kühle Farben
• Technik: locker, mit weniger zeichnerischer Strenge und sehr farbenfroh

Wichtige Werke (Auswahl):

• Expulsión de los mercaderes (Vertreibung der Händler aus dem Tempel; Kathedrale von Toledo)
• Das Martyrium des heiligen Mauritius (Saint Maurice und die thebanische Legion)
• Das Begräbnis des Grafen Orgaz
• Die Geburt Christi
• Christus am Kreuz
• San Francisco und San Andrés
• Die Tränen des San Pedro
• Der Ritter mit der Hand auf der Brust
• Landschaft von Toledo
• San Ildefonso: Kasel (Casula)

Bilder und Bildanalyse

Die Plünderung (bei El Greco)
Dieses Werk zeigt eine ausgeprägte manieristische Anlage: eine längliche Figurenauffassung, eine zentrale Komposition, bei der die Köpfe der Menschen das Umfeld um das Gesicht Christi zu umgeben scheinen. Christi Gesicht erscheint illuminiert; seine Augen erzählen die Akzeptanz seines Schicksals. Die Körper sind gestreckt, die Komposition überwältigend; die Perspektive nach oben und die gezwungene Position sind Merkmale des Greco-Stils. Das Bild ist dunkel gehalten mit starken Kontrasten zu goldener und weißer Kleidung. Gesichter, Speere, Helme ... weisen naturistische Details auf. Das Thema ist originell und wirft Fragen zur Ikonographie auf. Das Aussehen der Personen neben Jesus offenbart: der rechte Räuber ist der gute Schächer, die linke Gestalt mit trotziger Miene der böse Dieb. Der Maler porträtiert die Frau als trauernd mit einem Sohn.

Die Sixtinische Kapelle

Die Deckenfresken der Sixtinischen Kapelle wurden zwischen 1508 und 1512 auf Geheiß von Papst Julius II. gemalt. Michelangelo simulierte Bögen, die das Gewölbe in neun aufeinander folgende Felder unterteilen; außerdem verwendete er illusionistische Architekturelemente (falsche Gesimse). In den zentralen Rechtecken stellte er Szenen in zwei verschiedenen Maßstäben dar. Unter den Lünetten sind in größerem Maßstab die sieben Propheten und fünf Sibyllen zu sehen; biblische Szenen werden innerhalb von vier Feldern dargestellt. Die Sixtinische Kapelle gilt als Höhepunkt seiner universalistischen Auffassung des Ideals, in dem alle figürlichen Elemente integriert und repräsentiert werden. In der Darstellung ist die Heilsgeschichte zentral präsent.

Die Grandiosität des Ganzen zeigt die vollständige Studie der menschlichen Figur und des Ausdrucks von Gefühlen, kompositorische Vielfalt und die Meisterschaft der Perspektive. Die illusionistische Einbindung architektonischer Elemente in die Dekoration erzeugt besondere Spannung und Dramatik der kolossalen Figuren.

Die Arbeit am Jüngsten Gericht wurde später von Papst Paul III. in Auftrag gegeben; die Ausführung dauerte in den 1530er und 1540er Jahren. Das Fresko umfasst rund 400 Figuren und ist nicht architektonisch streng unterteilt, sondern in vier horizontale Register gegliedert. Die oberen zwei Register widmen sich der himmlischen Welt; die zwei unteren befassen sich mit der Erde und der Hölle und zeigen in der Mitte Christus als Richter. Um Christus versammeln sich die Jungfrau, Apostel und Patriarchen; zu seinen Füßen sind unter anderem San Lorenzo und San Bartolomé zu sehen. Im unteren Bereich blasen Engel Posaunen bei der Auferstehung der Toten; im zentralen unteren Bereich ist Christus dargestellt.

Im Jüngsten Gericht sind Bewegung, Haltungen und Verkürzungen deutlich vertreten. Die Figuren erhöhen ihren hierarchischen Wert durch unterschiedliche Maßstäbe: wichtigere Figuren werden in größerem Maßstab dargestellt. Die Geste Christi und die Bewegung der Komposition verbinden klassische Perfektion mit dramatischem Gleichgewicht. Die Figurenrotation ist eine kontinuierliche Drehung des leeren Raums um das Zentrum. Michelangelo verließ die rein platonische Auffassung zugunsten eines Christus als Richter und der Idee des Todes als Ergebnis der Heilsgeschichte.