Spanische Poesie 1939-1970: Entwicklungen und Strömungen

Als der Krieg ausbrach, erlebte die Literatur, insbesondere die Poesie, eine Glanzzeit, die zu Diskussionen über ein zweites Goldenes Zeitalter führte. Autoren der Generationen von '98 und '14 veröffentlichten noch ihre Werke, die Generation von '27 stand im Mittelpunkt, und junge Autoren der späteren 'Generation von '36' machten sich bemerkbar.

Die 40er Jahre: Poesie nach dem Krieg

Während des Krieges wurde die Dichtung zunächst zu einer "dringenden Kunst" mit erhabenem oder episch-lyrischem Ton zur Verteidigung der eigenen Seite. Nach Kriegsende, mit dem Tod einiger (wie Lorca), kam es zum unvermeidlichen Bruch: Exil (J. Ramón Jiménez, León Felipe, L. Cernuda, J. Guillén...) und Zensur.

Unter denen, die blieben, herrschte eine "Logik der normativen Einheit" (d.h. neoklassische Dichtung und traditionelle Formen wie Sonett und Metapher), die sich stets "poetischen" Themen (Liebe, Religion, Patriotismus) widmete. Es ist eine Dichtung, die uns eine Vision eines imperialen und religiösen Spaniens vermittelt, aber letztlich hohle Rhetorik ist und in jedem Fall unabhängig von den besonderen Umständen der Zeit und ohne soziale Kritik. Dies nannte Dámaso Alonso die "verwurzelte Poesie", die sich um Zeitschriften mit bezeichnenden Titeln vergangener Herrlichkeiten entwickelte, wie El Escorial und Garcilaso, deren Mitglieder sich als "schöpferische Jugend" verstanden (García Nieto, Luis Rosales, Leopoldo Panero...).

Diese poetische Vision existierte neben einer anderen, die auf den übertriebenen Formalismus der vorherigen Gruppe reagierte, mit einer direkten, alltäglichen Sprache, die die Barrieren der "dichterischen Sprache" durchbrach. In der Metrik wurden freie Verse und Verse bevorzugt, um das existenzielle Unbehagen des Menschen der Zeit und eine beginnende soziale Aufmerksamkeit auszudrücken. Das religiöse Thema nimmt hier einen Ton existentieller Anrufung an einen Gott an, der über die Gründe menschlichen Leidens schweigt. "Immer mehr schreit Vollkommenheit", verkündete Victoriano Crémer.

Diese Gruppe entwickelte Zeitschriften wie die aus der Provinz León stammende Espadaña, und Autoren wie Victoriano Crémer oder Eugenio de Nora. Dámaso Alonso nannte dies die "entwurzelte Poesie". Aber diese Kluft war nicht absolut, denn in Wirklichkeit wechselten Dichter zwischen den Tendenzen in verschiedenen Publikationen, wie der Sammlung Adonais (die in der Dichtung eine ähnliche Rolle spielte wie der Nadal-Preis im Roman).

Inzwischen veröffentlichten zwei renommierte Autoren der vorherigen Generation, die nach dem Krieg in Spanien geblieben waren, im Jahr 1944, dem Jahr der ersten Ausgabe von Espadaña, zwei wegweisende Werke für die Entwicklung der Poesie in den folgenden Jahren: Hijos de la ira von D. Alonso und Sombra del Paraíso von V. Aleixandre.

Die 50er Jahre: Die Soziale Poesie

Die Poesie der 50er Jahre wird als soziale Poesie bezeichnet. Sie ist der sozialen und politischen Situation des Landes verpflichtet, klagt diese an und sucht die Gesellschaft zu verändern. Sie richtet sich an die "überwiegende Mehrheit" und opfert, wenn nötig, die rein poetische Sprache. Kurz gesagt: Die soziale Poesie ist eine Weiterentwicklung in Thema, Absicht und Ästhetik.

Die charakteristischen Themen beziehen sich auf Spanien: seine Geschichte, Landschaft, Menschen und Mythen, den Bürgerkrieg und seine Folgen, die Anprangerung der sozialen und politischen Lage, insbesondere des Mangels an Freiheit, Entfremdung und Ungerechtigkeit, die Hoffnung auf eine bessere Welt, die Poesie selbst und ihre Rolle als Instrument der Anklage und Veränderung der Gesellschaft. Wie der Titel eines berühmten Gedichts aus dieser Zeit von Gabriel Celaya lautet: "Die Poesie ist eine Waffe mit Zukunft".

Die Ästhetik ist bewusst einfach, alltäglich, weltlich (mit Vorbildern wie Alberti, Neruda oder León Felipe). Reine Ästhetik wird angesichts des historischen Wendepunkts als unpassender Leichtsinn betrachtet. Charakteristisch ist die Wiederholung verwendeter lexikalischer und syntaktischer Strukturen. In der Metrik wird auf aufwendige Strophen verzichtet und diese durch weniger strenge Formen wie freie Verse oder Assonanz ersetzt.

Der Ton ist oft erzählerisch, kollektiv und häufig appellativ, daher die Fülle an Imperativen, der Anrede in der zweiten Person, Vokativen, Fragen, der ersten Person Plural...

Ein Schlüsseljahr dieser Dichtung ist 1955, in dem G. Celaya Cantos Ibéricos und Blas de Otero Pido la paz y la palabra veröffentlichten. Neben den Genannten werden üblicherweise in dieser Liste aufgeführt:

• V. Gaos
• R. Morales
• José Hierro (obwohl seine Dichtung nur im Sinne der kollektiven Transformation "sozial" ist, da sie persönliche Erfahrungen betrifft, die als nahe Zeugnisse betrachtet werden können)

Blas de Otero: Ein zentraler Dichter

Der vielleicht wichtigste spanische Dichter dieser Zeit ist Blas de Otero, da seine Entwicklung einen Überblick über die Poesie nach dem Spanischen Bürgerkrieg bietet.

Er beginnt mit dem ersten Schritt in der "entwurzelten" Poesie. In Ángel fieramente humano und Redoble de conciencia, später im Akronym Ancia zusammengefasst, behandelt er religiöse und existenzielle Zweifel auf zerrissene und gewaltsame Weise, aber in klassischen Formen wie dem Sonett.

In seiner zweiten Phase wendet er sich an "die überwiegende Mehrheit" mit Titeln wie Pido la paz y la palabra oder En castellano oder Que trata de España. Seine Dichtung nimmt einen Ton des Zeugnisses und der Anklage an, gekennzeichnet durch freie Verse und gewaltsame, ausdrucksstarke Bilder.

Seine dritte Phase konzentriert sich auf die Enttäuschung über die Schöpfung und poetische Erneuerung, ohne seine ständige soziale und politische Anklage zu vergessen.

Die 60er Jahre: Wandel und neue Ästhetik

Mit dem wirtschaftlichen und sozialen Wandel (dies ist die Ära der industriellen Entwicklung, des Beginns des Tourismus, einer beginnenden "Öffnung"...) und einer gewissen Enttäuschung über den Mangel an konkreten Ergebnissen der sozialen Poesie, die wenig verändert hat (hinzu kamen die damals zunehmend bekannten oder geahnten Auswüchse des Stalinismus), glaubt die neue Generation, dass Dichtung eine besondere Art des Umgangs mit Sprache ist. Tatsächlich ist dieses Stadium mehr eine Weiterentwicklung als eine neue Generation. Diese Gruppe wird oft allgemein als "Generation der 50er" bezeichnet. Und wir haben gesehen, wie Autoren, die innerhalb der sozialen Dichtung betrachtet wurden, wie Gabriel Celaya, Blas de Otero und José Hierro, sich hier weiterentwickeln.

Daher ist diese Phase durch den Wunsch nach einer neuen poetischen Sprache, den Wunsch nach Stil gekennzeichnet. Es wird eine "bereinigte" Sprache verwendet, aber in einem nahen, umgangssprachlichen, sparsamen Ton. Was die Metrik betrifft, so ist der Mangel an Vers und Reim charakteristisch, sowie die Dominanz des Endecasílabo.

Der Glaube an die politische Wirksamkeit der Dichtung verschwindet; sie wird in erster Linie als Instrument der Erkenntnis aus individueller Erfahrung betrachtet. Die Themen werden intim, konzentrieren sich auf die persönliche Erfahrung:

• verlorene Kindheit
• zerbrochene Jugend
• Freundschaft
• die Initiation der Liebe
• Familienerinnerungen

Es gibt einen Verzicht auf Kompromisse mit der realen Welt und eine kritische Haltung gegenüber spezifischeren sozialen oder politischen Problemen, aber die Ernsthaftigkeit der Themen wird durch eine Vision von überwiegend Humor, Ironie oder Zynismus relativiert.

Bedeutende Autoren dieser Gruppe sind:

• Ángel González (Palabra sobre palabra)
• Claudio Rodríguez (Don de la ebriedad)
• J. A. Valente (wie die beiden Letztgenannten, Adonais-Preis)
• die sogenannte "Gruppe von Barcelona":
  • J. A. Goytisolo
  • Jaime Gil de Biedma
  • Carlos Barral

Die 70er Jahre: Die Novísimos

Diese Phase beginnt mit der Veröffentlichung einer Anthologie, die Furore machte: Nueve novísimos von J. Mª. Castellet. Die Bezeichnung "Novísimos" (die Neuesten) für die Dichter beruht auf einem einfachen Wortspiel: der Ähnlichkeit mit "nuevo" (neu) oder "novísimo" (allerneuest). Schon die Auswahl der Namen (Pere Gimferrer, Ana María Moix, Vicente M. Foix, M. Vázquez Montalbán, Antonio Martínez Sarrión, J. Mª. Álvarez, Félix de Azúa, Guillermo Carnero und Leopoldo María Panero) war etwas zufällig.

Im Vordergrund stand vor allem der Wunsch nach Bruch, die Neuheit der Eröffnung neuer Wege. Tatsächlich hatten einige dieser Autoren noch keinen Gedichtband veröffentlicht, und doch waren sie dabei. Und doch war die Auswahl erfolgreich, obwohl einige der Anthologisierten ihre Produktion später anderen Genres widmeten (der offensichtlichste Fall ist der von Vázquez Montalbán, heute besser bekannt als Kolumnist und Romancier).

Von diesem Moment an erschwert der Mangel an historischer Perspektive die Kategorisierung poetischer Gruppen mit allgemeinen Merkmalen, und die Namen der Autoren vervielfachen sich, ohne dass man die Gewissheit hat, wer von ihnen länger als fünf Jahre Bestand haben wird. Es herrscht derzeit eine Verbreitung von Anthologien, die sich an Hörensagen orientieren und deren Erfolg bei der Auswahl erst nach einiger Zeit beurteilt werden kann.