Der spanische Roman nach 1939: Realismus und Generationen

1. Der Roman der Vierzigerjahre: Die Generation von 36

Das Exil vieler Schriftsteller und die starre staatliche Zensur ließen das Nachkriegs-Spanien geistig desorientiert zurück. Die Lehrer waren abwesend, ihre Werke durften nicht verbreitet werden, und entmenschlichte neuartige Experimente waren in einem Umfeld, in dem alles verboten war, fehl am Platz. Vielleicht dient [ein namentlich nicht genannter Autor] als nützliches Modell, um in Studien eine Erzählung zu finden, die der Situation Spaniens in diesen Jahren ähnelt.

Diese Realität zwang vielen Autoren brutal eine Ästhetik auf, die eine Nachahmung der umgebenden Wirklichkeit forderte. Allerdings suchten neue Autoren nach anderen Formen des Realismus, die sich vom Modell des neunzehnten Jahrhunderts entfernten.

Zwei Romane leiteten diesen neuen Trend ein:

• Camilo José Cela mit Die Familie des Pascual Duarte (1942). Darin präsentiert der galicische Autor den Tremendismo, eine düstere Art, die Realität darzustellen, die die Hauptlast des Nachkriegslebens aufgreift.
• Der andere Roman ist Nada (1945), Gewinner des Nadal-Preises, von der damals erst 23-jährigen Carmen Laforet. In diesem Buch verkörpert die junge Heldin ebenfalls die familiäre Atmosphäre der Kleinlichkeit und enttäuschten Hoffnungen in einem nüchternen und zielgerichteten Stil, jedoch ohne den Tremendismo Celas.

Dieser Handlungstrend wurde von Autoren wie Miguel Delibes mit Der Schatten der Zypressen ist lang (1948) und anderen in den Fünfzigerjahren fortgesetzt. Diese Autoren werden als Generation von 36 oder die Kriegsgeneration bezeichnet. Sie alle teilen die bittere Reflexion des Alltags aus einer existenziellen Sicht: Es gibt eine Reihe von Lücken, in denen der Mensch einsam, frustriert und hoffnungslos ist. Dementsprechend sind die auftretenden Figuren: an den Rand gedrängt, entwurzelt ...

Aus Angst vor der Zensur gibt es noch keine explizite Anprangerung von Ungerechtigkeiten, aber wir finden verräterische Anzeichen von Unzufriedenheit mit der spanischen sozialen Situation des Augenblicks: Es gibt Dinge, die ungerecht sind, aber niemand spricht darüber.

2. Sozialer Realismus im Roman der Fünfzigerjahre

Cela ist es erneut, der diese Phase mit Der Bienenkorb (1951) eröffnet, ebenso wie Luis Romero mit La Noria (Das Rad), das im selben Jahr geschrieben wurde. Beide Werke nutzen eine Großstadt als Schauplatz, in der ein kollektiver Protagonist agiert. Sie geben den Ton für einen Roman vor, der als sozial bezeichnet wird, weil er die Ungerechtigkeiten der Nachkriegszeit objektiver auswählt und darstellt: Er zeigt Gruppen von Unterdrückten und Unterdrückern gleichermaßen. Die Gesellschaft als Ganzes (und nicht eine einzelne Figur wie in der vorherigen Phase) ist der wahre Protagonist.

Ab 1954 schlossen sich mehrere Schriftsteller dieser Generation an, darunter Ignacio Aldecoa, Ana María Matute, Rafael Sánchez Ferlosio, Juan García Hortelano, José Manuel Caballero Bonald und Carmen Martín Gaite. Sie sind Autoren von großer Bedeutung in der spanischen Literatur unseres Jahrhunderts.

Es beginnen auch Manifeste zu erscheinen, die die neue Ästhetik bewerten: José María Castellet in La hora del lector (Die Stunde des Lesers, 1957) und Juan Goytisolo mit Problemas de la novela (Probleme des Romans, 1959) schlagen eine Erklärung vor. Darin heißt es, dass der Schriftsteller sich der Realität verpflichten muss, mit der Absicht, sie zu verändern und gerechter zu gestalten: Er muss die Gesellschaft implizit in den Romanen anprangern, da die Medien und politischen Manifeste der Zensur unterliegen.

Drei Arten des Realismus

Einige Autoren greifen als Erzähler im Roman scheinbar nicht ein: Sie geben nur wieder, was sie sehen. Dies wird als Objektivismus bezeichnet (z. B. Sánchez Ferlosio in El Jarama, 1956). Andere prangern Ungerechtigkeiten an, wobei die Meinung des Erzählers einfließt (obwohl keine klare politische Sprache verraten wird): Diese Technik wird als Kritischer Realismus bezeichnet. Eine dritte, eher minderheitliche Art ist der Lyrische Realismus, der unter anderem von Ana María Matute kultiviert wird: Er spiegelt dieselbe traurige und deprimierende Realität wider, jedoch aus einer zarteren und eindrucksvolleren Perspektive, die die unangenehmen Aspekte der Realität poetisch umhüllt.

3. Die spanische Gesellschaft als narratives Thema

Wie Castellet und Goytisolo manifestierten, wussten die Autoren, dass sie sich nicht so sehr um persönliche, sondern um kollektive Sorgen kümmern mussten. So steht die Gesellschaft nicht mehr im Hintergrund, wo die Dinge den Figuren widerfahren: Der Protagonist ist die Gesellschaft selbst. Auf mehr oder weniger klare Weise demonstriert der Romancier Solidarität mit den besiegten Klassen, nicht nur im Krieg, sondern auch danach: Die Armen, unabhängig von der Ideologie, sind Verlierer. Es werden verschiedene Rahmenbedingungen für diese Situation unterschieden:

• Der ländliche Raum: Er schildert das harte Leben auf dem Land, wo das Überleben tierisch ist und das Caciquismo (Gutsherrenwesen) herrscht, wie in Dos días de septiembre (Zwei Tage im September, 1962), das in der Nachkriegszeit in Jerez de la Frontera spielt.
• Das städtische Umfeld: Hier geht es um den Hunger, die Vorstädte, das ziellose, hoffnungslose Treiben der Massen, wie in den oben genannten Romanen Der Bienenkorb und La Noria.
• Die Vereinigung beider Welten: Sie können durch den gemeinsamen Nenner des verheerenden sozio-politischen Umfelds und der Arbeit der Marginalisierten vereint werden, wie in Central eléctrica (Kraftwerk, 1958) von López Pacheco.

Die graue und frustrierte Welt der Bourgeoisie wird ebenfalls als grauer, stagnierender und apathischer Kreis dargestellt, in Romanen wie Nuevos amigos (Neue Freunde, 1959) von García Hortelano oder Entre visillos (Zwischen Vorhängen, 1957) von Carmen Martín Gaite.

Aus offensichtlichen Gründen wurde der Bürgerkrieg selbst nicht oft thematisiert, es sei denn, es gab Anspielungen auf die Unschuld der Kinder, die die schrecklichen Folgen des Krieges erleiden, was beispielsweise in mehreren Geschichten von Ana María Matute erscheint.

4. Narrative Techniken

Angesichts der Dringlichkeit der Realität dominierte der Inhalt über die Form. Dennoch war es nicht erlaubt, einen schlechten oder minderwertigen Roman zu schreiben, außer in einigen Ausnahmefällen.

Zeit und Struktur

Die dominierende narrative Struktur ist die zeitliche Linearität, aber nicht immer: Manchmal wird die Zeit vermischt, um die Monotonie der Tage zu zeigen. Es ist, als ob die Reihenfolge der Ereignisse keine Rolle spielt: Es ist immer dasselbe.

Gemeinsam ist die kurze Dauer der Handlung: Es wird nur eine kurze Zeitspanne (z. B. ein oder zwei Tage) dargestellt. Dies zwingt den Autor zu einer sehr gut durchdachten Struktur.

Die Beschreibungen sind ungeschönt und verraten das graue Umfeld. Ihre Funktion ist die Präsentation dieser Umgebungen.

Charaktere und Perspektive

Es besteht eine Vorliebe für einen kollektiven Charakter, der die Gesellschaft repräsentiert, wie wir gesehen haben. Obwohl es auch den repräsentativen Charakter einer bestimmten sozialen Gruppe gibt, z. B. einen Bauern, als Zeichen der Situation in ländlichen Gebieten. Der psychologische Roman, der in die Seelen der Charaktere eintaucht, wird abgelehnt: Die Charaktere sind hier Vertreter einer sozialen Schicht, nicht Individuen. Diese Technik des kollektiven Charakters war nicht neu und wurde bereits von einigen Autoren der Zwanzigerjahre verwendet:

• John Dos Passos in Manhattan Transfer
• Aldous Huxley in Point Counter Point
• Thomas Mann in Der Zauberberg
• Sogar einige Präzedenzfälle in Valle-Incláns Tirano Banderas (oder Arena ibérica) sind zu finden.

Daher interessiert es die Autoren, wie sich der Charakter von außen verhält: Der Erzähler dringt selten in die Gedanken ein, sondern erfasst einfach, was in Bezug auf die ausgewählte Realität geschieht. Dies ist die sogenannte Behavioral- oder Verhaltenstechnik, bei der der Erzähler verschwindet, als ob ein Tonbandgerät oder eine Kamera die Realität aufzeichnen würde. Diese Objektivität ist jedoch nicht ganz korrekt, da der Autor nicht die gesamte Realität wiedergibt, sondern nur den Teil auswählt, den er bezeugen möchte.

Sprache und Ende

Das Streben nach Objektivität prägte die Dialoge auf Kosten der Erzählung. Die Figuren sprechen, als wären sie aufgenommen worden, wobei überwiegend Umgangssprache mit Füllwörtern oder Unterbrechungen verwendet wird, um das kurze und inhaltsleere, monotone Leben widerzuspiegeln. Es wird auch das Interesse daran bemerkt, wie bestimmte soziale Gruppen sprechen: die Prüderie der Bourgeoisie, die Gemeinheiten der Bewohner der Vorstädte ...

Die Romane neigen dazu, offen zu enden, das heißt, es gibt nicht notwendigerweise ein Ergebnis; wir wissen nicht, was mit den Charakteren geschieht, wenn wir uns auf der letzten Seite von ihnen verabschieden. Diese Technik unterstreicht, dass das Leben unter Hoffnungslosigkeit und Unsicherheit geführt wird.