Spanisches Theater 1900–1939: Kommerz, Avantgarde & Lorca

Das Theater des zwanzigsten Jahrhunderts bis 1939

0. Einführung

Das spanische Theater der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts wurde, abgesehen von den Werken von Valle-Inclán und Lorca, von Kritikern überwiegend negativ bewertet. Trotz des Überangebots an Autoren und Trends herrschte die Überzeugung, dass die spanische Szene eine Phase der Erschöpfung durchmachte. Die spanischen Dramatiker nahmen kaum Notiz von Entwicklungen in anderen Teilen Europas.

Das Theater ist eine etwas spezielle literarische Gattung, da es Darsteller und ein Publikum benötigt, um vollständig zu sein. Dies erklärt die starken kommerziellen Bedingungen. Diese Bedingungen erklären sehr gut, dass wir im Drama der Zeit vor dem Bürgerkrieg zwei sehr unterschiedliche Tendenzen finden:

1. Die kommerzielle Tendenz: Richtete sich an ein bürgerliches Publikum und zeigte kaum kritische oder technische Innovationen. Diese Tendenz dominierte die Theater jener Zeit.
2. Die innovative Tendenz: Zielte auf neue Arbeitsweisen, Kritik oder technische Neuerungen ab. Dieser Trend war jedoch weitgehend ein kommerzieller Misserfolg.

1. Überblick über das kommerzielle Theater des 20. Jahrhunderts

1.1. Die Hohe Komödie (Comedia Benaventina)

Die frühen Werke von Jacinto Benavente (1866–1954) standen durch ihren kritischen Ton dem Geist des Modernismus nahe, von dem er sich später deutlich distanzierte. Er entwickelte sich prägnant und entschieden hin zum Konservatismus, um dem Geschmack des Publikums zu entsprechen. Ästhetisch war sein Werk im Realismus verankert, fernab der Avantgarde. Ideologisch übte er eine oberflächliche Kritik an bürgerlicher Scheinheiligkeit und Konventionen, ohne jedoch die Grenzen des Akzeptablen zu überschreiten.

Seine Werke zeichnen sich durch eine gute dramatische Konstruktion und eine sorgfältige Sprache von großer Spontaneität aus, die die Merkmale der Konversationssprache und deren sprachliche Mittel aufgreift.

Von seinem umfangreichen dramatischen Werk (172 Stücke) stechen drei hervor:

• Begründete Interessen (1907)
• Lady Loves (1908)
• Die Ungeliebte (1913)

Begründete Interessen, sein Meisterwerk, ist von der italienischen Commedia dell'arte inspiriert. Der Farce-Ton stellt die Welt der Interessen (Geld) der Welt der Liebe gegenüber, jedoch aus einer zynischen und pragmatischen Skepsis heraus.

Zu den Anhängern der Benaventina-Komödie zählen Linares Rivas und vor allem Gregorio Martínez Sierra, dessen Hauptwerke Lullaby und Don Juan von Spanien sind.

1.2. Das Poetische Drama

Anfänglich, im modernistischen Geist der Auflösung generischer Grenzen, gab es den Versuch, Poesie dem Drama anzunähern, um ein lyrisches Drama zu schaffen. Im Laufe der Zeit wurde es jedoch zu einer gesellschaftlich integrierten Modeerscheinung.

Es triumphierte ein historisches Theater in rein traditionalistischer Manier. Die Autoren (Marquina, Villaespesa, die Machado-Brüder) forderten eine Rückkehr zur spanischen Theatertradition – zu romantischen Komödien und Barockdramen – und wurden von den relevanten Autoritäten unterstützt. Sie thematisieren Fragen der nationalen Geschichte und verwenden klangvolle, wirkungsvolle und rhetorische Verse.

Der herausragende Autor dieser Strömung ist Eduardo Marquina (1897–1946):

• Die Töchter des Cid (1906)
• Doña María la Brava (1910)
• El Gran Capitán (1916)

1.3. Das Humoristische Drama

Die Komödie dieses Jahrhunderts befasst sich mit oberflächlichen Handlungen und leichten Problemen, die günstig gelöst werden. Sie zeichnet sich durch beliebte und authentische Charaktere aus, die durch ihre Sprache amüsieren.

Die Madrider Farce von Carlos Arniches ist die letzte Stufe der Ableitung von Zwischenspielen. Diese kurzen Stücke heben lokale und provinzielle Typen (Typus Madrid) hervor, oft mit einem Ton des Spottes und harscher Kritik. Er kreiert eine falsche Sprache mit populären komischen Effekten (syntaktische Deformationen, Erfindung populärer sprachlicher Wendungen). Bis 1910 verlor das Vaudeville an Bedeutung, was eine Wende zur grotesken Tragödie erzwang. Dies ist eine Mischung aus Tragik und Komik, die in der melodramatischen Karikatur von Miss Trevélez (1916) ihren Höhepunkt findet.

In dieser Linie liegt der einfache, archetypische andalusische Humor der Álvarez Quintero Brüder (Serafín und Joaquín), der den Witz, die Fröhlichkeit und die Freundlichkeit Andalusiens widerspiegelt. Sie schrieben über 200 Werke. Einige Titel sind Die Darling oder Die Terrasse.

Zwischen 1915 und 1935 entwickelte sich ein neues Genre des Humors: die Astracán (absurde Farce). Die Astracán radikalisiert und setzt alle Elemente in komischer Form um. Sie zielt darauf ab, Lachen durch Wortspiele, Witze, absurde Situationen und Charakternamen zu erzeugen. Ihr repräsentativster Vertreter ist Pedro Muñoz Seca mit etwa 100 Werken. Seine größten Erfolge waren:

• Don Mendos Rache (1918)
• Der Henker von Sevilla (1916)
• Berühren Extremadura (1926)

2. Die szenische Erneuerung im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts

Abgesehen von den kommerziellen Autoren strebten diese Dramatiker ein Theater an, das als Medium für den Ausdruck ihrer sozialen, religiösen und existenziellen Konflikte dienen sollte (wobei Valle-Inclán diesen letzten Aspekt besonders betonte). Sie schufen ein komplexeres Theater, das geistige und philosophische Strömungen aufgriff und das Bild des zeitgenössischen westlichen Theaters erneuerte. Technisch versuchten sie, vollständig mit den realistischen Darstellungsformen zu brechen, wobei Ramón del Valle-Inclán in dieser Hinsicht herausragte.

2.1. Die Generation von '98 und weitere Erneuerer

Die Erneuerungsbemühungen gingen hauptsächlich von Autoren aus, die auch andere Genres pflegten und im experimentellen Theater ein Betätigungsfeld fanden.

Azorín

Azoríns Theater wurde vom Publikum sehr schlecht aufgenommen. Seine Werke können in Anlehnung an Maeterlinck dem symbolischen Drama zugeordnet werden. Hervorzuheben ist seine Trilogie Das Unsichtbare.

Unamuno

Unamuno schrieb ein sehr vergeistigtes Drama, in dem die Handlung fast nicht existent war und sich auf die Entwicklung eines einzigen Themas konzentrierte: den existenziellen, inneren Konflikt zwischen Gefühl und Vernunft. Er war seiner Zeit voraus: Er reduzierte die Inszenierung auf die reine Essenz, auf Ideen und intellektuelle Auseinandersetzungen, mit einer Ökonomie der Sprache, minimalen Charakteren und einer schematischen Handlung. Er schrieb neun Dramen und zwei kleinere Stücke, allen voran The Other (Der Andere, 1926), ein Konflikt zwischen zwei Zwillingen.

Jacinto Grau

Jacinto Grau überarbeitete legendäre und symbolische Themen aus intellektueller Perspektive. Er hatte im Ausland (Frankreich und Tschechoslowakei) mehr Erfolg als in Spanien. Sein bekanntestes Werk ist Der Herr von Pygmalion (1921), das vier Ebenen aufweist.

Ramón Gómez de la Serna

Ramón Gómez de la Serna veröffentlichte 17 Stücke zwischen 1909 und 1912. Das nächste Drama erschien 1929, Medien-Leute (Halbwesen), und das letzte 1935, Treppen. Sein bedeutendster Beitrag zum experimentellen Theater ist Medien-Leute, in dem die Figuren zur Hälfte in Schwarz erscheinen.

2.2. Ramón María del Valle-Inclán: Der große Dramatiker

Ramón María del Valle-Inclán gilt zweifellos als der bedeutendste Dramatiker des zeitgenössischen Theaters aufgrund seiner kreativen Persönlichkeit und Originalität im Sprachgebrauch. Sein Werk lässt sich in drei Phasen einteilen:

Modernistische Phase

Schon seine frühesten, in Zeitschriften veröffentlichten Erzählungen zeigen den modernistischen Einfluss. Die Wildnis der Seelen (1908) ist eines seiner wichtigsten Werke dieser Phase.

Zwischenphase: Der Mythische Zyklus

Er schrieb, zwischen Erzählung und Drama, die Trilogie Comedias Bárbaras (Barbarische Komödien):

• Adlerwappen (1907)
• Romanze der Wölfe (1908)
• Silbergesicht (1932)

Sie spielen in einem ländlichen Galicien mit seltsamen, gewalttätigen Charakteren und Idioten, insbesondere Juan Manuel Montenegro, einem tyrannischen Hidalgo mit satanischen und Don-Juan-Elementen in einer dekadenten Umgebung. Die Werke zeigen ästhetische Ergebnisse mit erheblichen modernistischen Neuerungen: ein bitterer, rauer, zerrissener Ton. Die erste bedeutende Entwicklung sind die Regieanweisungen, die von außergewöhnlicher Qualität und Direktheit sind.

Reifephase: Die Entstehung des Esperpento

1920 ist ein wichtiges Datum. Es wurden vier Stücke veröffentlicht: Italienische Farce der Liebe mit dem König und Königin Farsa Castiza (über Isabella II.), Divinas palabras (Göttliche Worte) und Luces de Bohemia (Lichter der Bohème). Die ersten beiden markieren die Entstehung des Grotesken, das eine degradierte und bösartige Darstellung der historischen Gegenwart darstellt. Die letzten beiden sind Esperpentos (Grotesken).

Das Esperpento ist eine ästhetische Verzerrung: Es wird angewandt, um Charaktere und Situationen optisch zu degradieren, wie in Luces de Bohemia, wo sie im Hohlspiegel einer Kneipe in der Gasse des Katers (Szene XII) reflektiert werden. Es mischt das Tragische mit dem Burlesken. Seine Entstehung liegt in der Notwendigkeit des Autors, den grotesken Widerspruch der spanischen Realität ästhetisch perfekt auszudrücken. Der tragische Sinn des Lebens in Spanien kann nur durch eine systematische Verzerrung zur Schönheit gelangen.

Nach Luces de Bohemia schrieb er weitere Esperpentos unter dem Titel Mardi Gras (Karnevalsdienstag):

• Die Hörner von Don Friolera
• Las Galas des Verstorbenen
• Die Tochter des Captain

Schließlich schließt Valle-Incláns Theaterwerk mit einer Reihe von kurzen Stücken, die 1927 in Altar der Gier, Wollust und des Todes gesammelt wurden. Diese Stücke stehen der Absurdität nahe, sowohl in den degradierten Situationen und Charakteren als auch in den Themen: Nekrophilie, Hexerei, Sakrileg.

Valle-Inclán besticht nicht nur durch sein fließendes Spanisch, sondern auch als Neuerer, der dem spanischen Theater Filmtechniken (Zeitsprünge, mehrere Szenarien etc.) näherbrachte und es dem Theater des übrigen Europas annäherte.

2.3. Das Theater der Generation von '27

Die Generation von '27 trug wirksam zur Erneuerung der Bühne bei. Ihre Mitglieder integrierten Avantgarde-Entwicklungen in ihre Werke und verstärkten die soziale Intention. Darüber hinaus brachten sie das Theater in die Städte, indem sie die besten Werke der spanischen Klassiker durch Theatergruppen wie La Barraca (von García Lorca) aufführten.

Max Aub

Max Aub (1903–1972) ist zwar besser als Romancier bekannt, pflegte aber auch ein interessantes Drama. In der ersten Phase schrieb er Narciso (Narziss), basierend auf dem griechischen Mythos, aus einer klaren Avantgarde-Perspektive. In der zweiten Phase, dem Exiltheater nach dem Bürgerkrieg, thematisiert er die kollektive Tragödie (das Leid der spanischen und europäischen Kriege). San Juan und Sterben durch Schließen der Augen sind seine wichtigsten Werke.

Rafael Alberti

Rafael Alberti beginnt mit zwei umstrittenen Werken im Jahr 1931: Der unbewohnte Mensch (Auto sacramental) und Fermín Galán (Romanze des Zölibat in drei Akten) über die Hinrichtung eines republikanischen Militärs. In der zweiten Phase, im Exil, schreibt er Der Vogelscheuchen (1944) und Kriegsnacht im Prado-Museum (1956), das beste politische Theater des Autors.

Alejandro Casona

Alejandro Casona gewann 1933 den Lope-de-Vega-Preis für La Sirena Varada (Die gestrandete Sirene). Die dramatische Technik dieses Stücks ist charakteristisch für sein gesamtes Werk: der leidenschaftliche Versuch, der alltäglichen Realität zu entfliehen, die Betonung moralischer und menschlicher Werte, das Lob der Schönheit und Güte. Er schuf eine Art poetisches und symbolisches Drama, das Fantasie und Realität vermischt. Er schrieb auch Unsere Natacha (1936), ein großer Erfolg, Unfinished Symphony (1939), Die perfekte Ehe (1941) und The Lady of the Dawn (1944), sein Meisterwerk. Im Jahr 1965, dem Jahr seines Todes, wurde sein jüngstes Werk uraufgeführt: Der Ritter vom goldenen Sporn, das die Figur Quevedos preist.

2.4. Federico García Lorca: Erneuerer und Tragiker

Federico García Lorca ist zusammen mit Valle-Inclán der Hauptvertreter der Erneuerung des spanischen Dramas in der ersten Hälfte des Jahrhunderts.

Frühe Werke und Modernismus

Seine ersten Stücke stehen im Zusammenhang mit dem modernistischen Theater. Der Fluch des Schmetterlings ist ein schönes Gedicht ohne dramatische Struktur. Mariana Pineda (1925) war sein erster Erfolg und verbindet das historische Drama des Augenblicks mit Versen. Das Thema sind die tragischen Folgen von Liebe und Freiheit in einer beklemmenden Gesellschaft.

Puppenspiele und Farce

Später schrieb er Possen für das Puppentheater (Tragikomödie des Don Cristobal und Rosita Sena und Die Marionetten des Don Cristobal) sowie Farcen für Schauspieler:

• Die wundersame Schusterfrau
• Die Liebe zu Don Perlimplín mit Belisa in seinem Garten

Surrealistisches Theater

Nach seiner Reise nach New York schreibt er Das Publikum und Wenn fünf Jahre vergangen sind, die dem Stil von Poeta en Nueva York nahestehen. Diese Werke sind komplex, dicht, schwer verständlich und voller willkürlicher Symbole. Ihre Themen sind der Lauf der Zeit oder der innere Kampf des Menschen.

Die großen Tragödien (1930–1936)

Von 1930 bis 1936 war das Theater seine vorrangige Tätigkeit. Die Themen sind der Kampf zwischen Realität und Wunsch – meist verkörpert durch Frauen, Trägerinnen von Leidenschaften und Symbole der Fruchtbarkeit. Metaphysische Themen entwickeln sich aus sozialen Konflikten. In einigen Stücken führen soziale Zwänge, moralische Unnachgiebigkeit, Vorurteile und Klassenstolz zur Tragödie.

In diese Zeit fallen Doña Rosita bleibt ledig oder die Sprache der Blumen (1935) und die dramatische Trilogie des spanischen Bodens, bestehend aus drei Tragödien:

• Bluthochzeit (1933)
• Yerma (1934)
• Das Haus der Bernarda Alba (1936)

Bluthochzeit ist in Versen und Prosa geschrieben. Die Handlung spielt auf einer doppelten Ebene: der sozialen und der mythischen. Auf der sozialen Ebene führen Gewalt, Zeugung und die Verehrung der Erde zum Tod; auf der mythischen Ebene führen Allegorien des Todes und des Mondes zum Gemetzel. Yerma ist das Drama der Sterilität, der frustrierten Mutterschaft.

Das Haus der Bernarda Alba, inspiriert von einem realen Ereignis, ist sein Meisterwerk. Die auferlegte Isolation, die Trauer, das Verbot, nach außen zu treten, die erzwungene Erotik und das Schicksal führen zur Tragödie. Im ewigen Kampf der Freiheit gegen die Tyrannei, des natürlichen Instinkts gegen die willkürlich auferlegte Vernunft, triumphiert der Tod.

Schließlich stellt Lorcas Theater eine außerordentliche Erneuerung dar, da es symbolische Elemente aus der Poesie integriert und Fragen aufwirft, die typisch für die Gesellschaft seiner Zeit sind. Was lokal erscheint, erreicht die universelle Kategorie des menschlichen Konflikts.