Spanisches Theater im 20. Jahrhundert bis 1939

Spanisches Theater im 20. Jahrhundert (bis 1939)

In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts gab es mehrere Versuche, die Theaterszene zu erneuern, die in den letzten Jahrzehnten des vorigen Jahrhunderts vom realistischen Drama und den Werken von José Echegaray dominiert worden war.

Europäische Theaterströmungen führten zu innovativen Ansätzen wie dem poetischen Drama, mit der Uraufführung von Der Eindringling in Paris, oder Avantgarde-Gruppen in Spanien, die versuchten, ein neues Dramenkonzept zu etablieren. Jedoch waren diese Versuche, das Drama zu erneuern, nicht so erfolgreich wie die Theaterveranstaltungen, die beim Publikum beliebt waren:

A. Kommerzielles Theater

a. Jacinto Benavente

Im Gegensatz zu Echegaray zeichnete sich Benaventes Werk durch Mäßigung in der Gestaltung von Situationen und Charakteren sowie durch den akribischen Realismus seiner Inszenierungen aus. Er konzentrierte sich auf die Anliegen seines üblichen Publikums, der Bourgeoisie, und hatte damit in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts großen Erfolg.

b. Komisches Theater

Dies war eine der beliebtesten Gattungen beim Publikum. Es beinhaltete Musik, Gesang und Tanz und vereinte eine Vielzahl von Stilen. In diesem Sinne sind die Brüder Álvarez Quintero, Pedro Muñoz Seca und Carlos Arniches mit seiner grotesken Tragödie hervorzuheben.

c. Theater in Versen

Folgte dem flüchtigen Trend des französischen Theaters, nach dem Vorbild von Rostands Cyrano. Es befasste sich mit historischen oder modernistischen Themen in Versform und nutzte fantastische Elemente. Die wichtigsten Vertreter waren Eduardo Marquina, Francisco Villaespesa und die Brüder Machado.

B. Erneuerungsversuche und Dramatiker

Die ersten Versuche zur Erneuerung der Bühne wurden unter anderem von Jacinto Grau unternommen, der verschiedene Wege ausprobierte, sowie von Unamuno mit seinem Theater des Nackten und Azorín mit seinem angeblichen Anti-Realismus.

Das spanische Theater erreichte in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts seinen Höhepunkt jedoch erst mit den Werken von Ramón María del Valle-Inclán und Federico García Lorca. Ihnen ist es zu verdanken, dass die Theatererneuerung, die viele angestrebt hatten, eine unbestreitbare Qualität erreichte. Ihre Werke hatten nicht nur einen entscheidenden Einfluss auf das spätere spanische Drama, sondern sind auch heute noch weltweit von Bedeutung.

1. Jacinto Benavente

Die fruchtbare dramatische Produktion von Jacinto Benavente (172 Werke) erfreute sich der Gunst seines Stammpublikums, der Bourgeoisie. Im Allgemeinen stellten seine Stücke eine fast immer wohlwollende Chronik der Anliegen und Vorurteile dieser Klasse dar, die durch sanfte Ironie vermittelt wurden.

Seine Dramen entsprachen seiner Vorstellung davon, was Theater sein sollte: ein Mittel oder Instrument der Illusion und der Flucht. In all seinen Werken glänzt der Dialog, der natürlich, flüssig und oft sentenziös ist. Benavente ersetzte die erzählende Handlung durch Verweise und Dialog, und der Höhepunkt seiner Stücke verlagert sich stets hinter die Bühne oder zwischen die Akte.

Einige seiner bekanntesten Werke sind:

• Die Band der Interessen (1907) ist eine Farce, die die Macht des Geldes durch die Charaktere Schurke und Crispin sowie Leandro, der sich als Edelmann und sein Diener ausgibt, in einer imaginären Stadt thematisiert. In seinem Streben nach sozialem Aufstieg verliebt sich Leandro in Silvia, die Tochter des reichsten Mannes der Stadt, Pulcinella. Dieser stimmt der Ehe zu, solange niemand erfährt, dass er selbst ein Schurke ist.
• Die Ungeliebte (1913) ist ein Drama, das im ländlichen Milieu spielt und das Ehrgefühl betont. Die Charaktere sind Bauern und menschliche Leidenschaften in ihrer elementarsten Form, unkontrolliert durch die Regeln der städtischen Bildung. Die Sprache versucht, volkstümlich zu wirken. In diesem Werk konvergieren einerseits der Kampf zwischen Leidenschaft (Stefans Liebe zu seiner Stieftochter Acacia, die er zu verbergen versucht) und deren Verbot durch verwandtschaftliche Beziehungen, und andererseits eine polizeiliche Intrige (die Aufdeckung des Mörders von Acacias Freund). Die Sprache ist direkt und nüchtern.

2. Komisches Theater

In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts dominierte das komische Genre, das oft von lyrischen Elementen (Musik, Gesang und Tanz) begleitet wurde. Das Hauptziel dieses Theaters, das erhebliche Kassenerfolge erzielte, war die Unterhaltung des Publikums.

Gattungen des komischen Theaters:

Werke mit Musik:

• Operette: Behandelt oft frivole Themen und legt großen Wert auf visuelle Aspekte und eingängige Musik.
• Revue: Eine Reihe von fast unabhängigen Darbietungen mit besonderem Schwerpunkt auf erotischen Elementen und bunten, kosmopolitischen Umgebungen.
• Vaudeville: Eine frivole, leichte und pikante Komödie mit einer sehr komplexen Handlung, in der diese Autoren glänzten.

Werke ohne Musik:

• Kurze Komödie (Juguete cómico): Eine Degeneration der Komödie, die auf jegliche Plausibilität verzichtet und auf Chaos und Durcheinander setzt.
• Sainete: Basiert auf Charakteren aus der Madrider Volkskultur und thematisiert Konflikte um Liebe, Eifersucht, Ehre und Macht.
• Astracán: Eine Gattung, die auf komischer Absurdität basiert, mit bedingten Handlungen, Situationen und Charakteren.

Unamuno und Azorín

Miguel de Unamuno

Gleichzeitig mit den europäischen Erneuerungsströmungen beschloss Unamuno, das Publikum in ein dramatisches Geschehen einzubeziehen, das weit von der Bühnendekoration entfernt war. Seine Werke wurden von den Theatergesellschaften nicht gut aufgenommen, da sie kaum kommerziellen Erfolg versprachen.

Unamuno plädierte für eine leere Bühne, die eine Rückkehr zu den Quellen des poetischen Dramas darstellte. Dieses Konzept beinhaltete die Eliminierung von Effekten, die nicht direkt vom Wort abhingen (Bühnenbild, Kostüme usw.) sowie die Rhetorik verbaler Verzierungen. Es ging darum, die grundlegendsten Leidenschaften der Charaktere zu reduzieren und die Handlung schematisch darzustellen. In seinem Werk wiederholt sich ein fester Zeitplan mit gegensätzlichen Kräften. Die dramatische Handlung ist kaum vorhanden und wird durch das Wort ersetzt.

Was die Szenerie betrifft, so ist Unamuno in seinen Regieanweisungen spärlich, wenn überhaupt, nur durch Ungenauigkeit und Unbestimmtheit gekennzeichnet. Im Allgemeinen gibt es Hinweise auf Möbel, Kleidung, das Aussehen der Charaktere und die Beleuchtung. Diese sind jedoch auf wichtige Objekte beschränkt, die den Kern des Konflikts konzentrieren und äußere Bewegungen und noch mehr die Ausdruck von Stimmungen hervorheben.

Azorín

Er versuchte, das spanische Theater dazu zu bringen, neue Trends aus Europa, insbesondere aus Frankreich, zu übernehmen. Er kämpfte gegen die naturalistische Ästhetik des Theaters und setzte sich für eine antirealistische und untersuchende Haltung ein.

Für Azorín sollte das Theater"eine andere, subtilere, weichere, ätherischere Realitä" finden, die jedoch"stimmiger, dauerhafte" sei, so der Autor. Er war der Meinung, dass die Probleme in der inneren Welt, im Geist und in der Vorstellungskraft gesucht werden sollten. Diese neue Ästhetik nannte er Surrealismus.

Er setzte sich für die Umwandlung der technischen und theatralischen Struktur ein, da er der Meinung war, dass die neuen Dramatiker für das Publikum verwirrend seien. Er hob drei Aspekte in der Verlängerung hervor:

• Dialog: Der Dialog muss den Charakter, die Sitten und Gebräuche der Charaktere widerspiegeln. Er sollte dem gesprochenen Dialog mit all seinen Merkmalen im normalen Gespräch (Wiederholungen, Rückschläge, Fehlstarts usw.) angeglichen werden.
• Themen: Die grundlegenden Themen sind: das Streben nach Glück, Zeit und Tod.
• Beleuchtung: Ihr Einsatz in seinen Werken dient dazu, das hervorzuheben, was jenseits der Realität liegt; ihre vorübergehende Abwesenheit wird genutzt, um den Lauf der Jahre zu markieren.