Spanisches Theater im 20. Jahrhundert: Entwicklung und Autoren

**Spanisches Theater zu Beginn des 20. Jahrhunderts**

Das spanische Theater zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde durch die soziale Konditionierung seiner Darstellung kanalisiert. Ein bürgerliches Publikum, das nicht an sozialen Problemen oder formalen ideologischen Abenteuern interessiert war, bestimmte, was das Publikum wollte. Die Theaterproduktionen mussten ihren Anforderungen entsprechen, wurden aber an den Rand gedrängt. Dies führte zu einer gewissen Armut des spanischen Theaters, das unbeweglich blieb und sich von den Theatererneuerungsbewegungen in Europa und weltweit abwandte. Dieses Theater war durch wesentliche Einschränkungen gekennzeichnet und schnelllebig. Einige Autoren versuchten, diesen Trend zu brechen, aber ihre Leistungen blieben hauptsächlich auf die Literatur beschränkt.

**Hintergrund des Theaters in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts**

Nach dem romantischen Drama entwickelte sich eine ausgewogene und durchdachte Art des Theaters, die ihren Höhepunkt in der *hohen Komödie* fand. Diese zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: moderne Einrichtung, Beobachtung der Realität des Augenblicks und pädagogischer Zweck, der von einer moralischen Krise ausging. Einige Elemente der Romantik blieben erhalten: die Präsenz der Linie, übertriebene Effekte mancher Szenen und eine gewisse Sentimentalität bürgerlichen Charakters. Die hohe Komödie stellte einen Abschied ohne transzendente Werke dar. Wichtige Vertreter waren Adelardo López de Ayala und Manuel Tamayo y Baus. Diese Art von Theater des Gleichgewichts wurde zum Zeitpunkt der Restauration unterbrochen, um Platz für die Neo-Romantik von José Echegaray zu machen. Die Wirkung von Gesten ersetzte den Realismus der Wahrscheinlichkeit. Ende des 19. Jahrhunderts gab es mehrere Versuche, die Rhetorik und das melodramatische theatralische Erbe der Romantik zu beenden. Szenarien, die reale Umgebungen nachbildeten, eine umgangssprachlichere Sprache, eine natürlichere Art der Darstellung und strittige Fragen waren einige ihrer Eigenschaften. Benavente sollte für die Gestaltung des neuen Theaters verantwortlich sein.

**Das Theater des frühen 20. Jahrhunderts**

Literarisch erreichte das Theater ein hohes Niveau. Dem kommerziellen Theaterpublikum fehlte es jedoch an Werken von außergewöhnlicher Qualität.

**Die Komödie von Argentinien**

Die Theatergeschichte von Jacinto Benavente ist ein Beispiel für die Grenzen des spanischen Theaters. Das Scheitern von *El nido ajeno*, einer kritischen Arbeit, die sich mit der Rolle der schwarzen Mittelklassefrau befasste, veranlasste ihn, andere Werke zu schreiben, die mehr im Einklang mit der Art des Publikums standen, dem er schmeicheln musste. *La comida de las fieras* war sein erster großer Erfolg. Seitdem brach Benavente nur selten mit seinen theatralischen Formeln, um die Akzeptanz der Zuschauer zu gewährleisten. Im Allgemeinen haben einige seiner Grundstücke widersprüchliche Probleme: Benavente inszenierte Mängel der persönlichen und sozialen Beziehungen. Der Dialog überwiegt elegant, natürlich und witzig. Sein Werk umfasst bürgerliche Komödien und Landschaftsdramen.

**Die Sittenkomödie**

Ein Online-Theater sind die Skizzen, die durch eine malerische Umgebung in bestimmten Regionen gekennzeichnet sind. In diesem Jahr wurden typische Charaktere in humorvoller Sprache verwendet. Carlos Arniches, der erfolgreichste Autor, spiegelte die Sitten in Madrid in den beliebten Vierteln mit ihren Zuhältern und Klappen wider, wie in *La verbena de la Paloma*. Seit 1916 schuf er ein neues Genre, die *groteske Tragikomödie*, mit cartoonartigen Charakteren und tragischem Ernst, in der er eine gewisse soziale Kritik übte, wie in *La señorita de Trevélez*. In der Zwischenzeit schrieben die Brüder Serafín und Joaquín Álvarez Quintero zusammen rund 200 Gemälde, Skizzen und schräge Komödien, die Traditionalisten in einem unwirklichen und aktuellen Andalusien ansiedelten, wie *El patio*, *Las de Caín* oder *Malvaloca*.

**Das poetische Drama**

Seine Dramen in Versen waren von der Moderne und historischen Fragen sowie ihrem ideologischen Konservatismus geprägt. Es weckte Sehnsucht nach einer glorreichen Vergangenheit. Eduardo Marquina pflegte dieses Theater mit Werken wie *En Flandes se ha puesto el sol*. Die Brüder Machado schufen Titel wie *La Lola se va a los puertos*.

**Der erneute Versuch der Generation von '98**

Die Generation von '98, zusammen mit einigen Werken von Unamuno und Azorín, steht tapfer für Jacinto Grau, der in immer poetischer Prosa traditionelle Themen wie den Verführer, der sich nicht spottet, behandelt. Sein anerkanntes Werk ist *El señor de Pigmalión*, in dem die Rebellion einiger Puppen mit der Ermordung ihres Schöpfers endet.

**Das Stück von Valle-Inclán**

Die Kluft zwischen dem bisher beschriebenen Theater und der dramatischen Produktion von Valle-Inclán ist sehr tief. Obwohl seine Werke von der Bühne seiner Zeit verbannt wurden, um als Lesestoff zu dienen, oder wie ein Turm galten, war er in der Lage, über seine Zeit hinauszusehen. Gründe dafür waren die Originalität seiner Werke, sein radikaler und kompromissloser Ansatz, der Reichtum und die Ausdruckskraft seiner Sprache sowie die Unterschiede in seinen Themen und seiner Ästhetik. Seine Kreationen stellten Herausforderungen dar, die nicht immer leicht zu bewältigen waren. Sein Leben ist gespickt mit Anekdoten und Märchen, die von anderen oder von ihm selbst verbreitet wurden, was ihn zu einer sehr attraktiven und unverwechselbaren Figur machte. Ramón Gómez de la Serna sagte über ihn, er sei die beste Maske, die die Calle de Alcalá überquert habe.

**Entwicklung des Theaters von Valle-Inclán**

Auch wenn man ihn der Generation von '98 zuordnet, entstehen nicht nur ideologische und ästhetische Gemeinsamkeiten mit den 98 Extras. Valle-Inclán war in seiner Kritik an der Gesellschaft und der politischen Kultur viel radikaler als sie. Seine unerschöpfliche künstlerische Suche führte von einer dekadenten Moderne zur erstmaligen Erstellung eines persönlichen Genres: des *Esperpento*. Valleys erstes Theater ist Teil der Moderne, die beiden größten Tests entwickeln sich auf andere Weise zu einer Reihe von Farcen.

**Der Esperpento**

Im Jahr 1920 findet Valle-Inclán die Formel, die die obigen Zeilen gerinnen lässt: den *Esperpento*. Mit der ersten Version von *Luces de Bohemia* schuf er eine literarische Gattung, die auf der systematischen Deformation des Charakters und der Werte basiert und eine Beschwerde über die zeitgenössische spanische Gesellschaft enthält. Es ist eine groteske Art, die Welt zu sehen, ein verzerrtes Spiegelbild einer bereits verzerrten Realität, die das wahre Gesicht des spanischen Lebens offenbart. Die Charaktere sind groteske Wesen in einer Welt der Groteske, lächerliche Marionetten wie in einem Alptraum, aber manchmal zeigt der Autor eine Geste der Liebe zu ihnen. Weitere formale Merkmale des *Esperpento* sind: Kontrast zwischen Groteske und Schmerz, zwischen Tragik und Komik; Reichtum der Sprache, sorgfältig gestaltet und sehr persönlich; Stilisierung von Datensätzen: die sehr beliebte regionale, literarische Sprache usw. Die Bühne erwirbt literarischen Wert als beschreibendes Element. Die vielen Charaktere und die ständigen Veränderungen in Raum und Zeit zwischen den Szenen sind weitere Merkmale.

**Das Theater in der Schaffensphase**

Verschiedene Theaterausbildungen wurden versucht. Die wichtigsten Autoren sind: Alejandro Casona, Pseudonym von Alejandro Rodríguez, der 1936 mit *Nuestra Natacha* berühmt wurde. Im Exil schrieb er einige berühmte Werke, die außerhalb Spaniens uraufgeführt und später auch hier mit großem Erfolg aufgeführt wurden. Sie sind eine Mischung aus Realität und Fantasie, mit wenig individuellen Charakteren und einer pseudo-poetischen und rhetorischen Sprache. Max Aub ist der Autor einer wertvollen Theaterproduktion, die von avantgardistischen Werken bis hin zu realistischen reicht.

**Das Stück von Federico García Lorca**

Obwohl Lorcas Interesse am Theater früh begann, wurde sein Engagement in den letzten Jahren seines Lebens zu einer anspruchsvollen Aufgabe. Lorcas Theater kann als Gedichte mit poetischen Wurzeln bezeichnet werden, daher stammen seine Argumente und seine Sprache. Das dominierende Thema in den meisten seiner Stücke ist immer das gleiche, das auch in seinen Gedichtbänden sehr präsent ist: die Konfrontation zwischen dem Individuum und der Autorität. Das Individuum hat als Waffen Lust, Liebe und Freiheit, wird aber von der Autorität abgelehnt, d.h. der Ordnung der Unterwerfung unter die Tradition und gesellschaftliche Konventionen und das Kollektiv. In seinen Werken überwiegen weibliche Protagonisten. Über ihnen hängt stärker als über Männern die Gefahr der Frustration.

**Klassifikation des Theaters von Lorca**

Sein erster dramatischer Versuch, *El maleficio de la mariposa*, war nicht erfolgreich. Und doch enthält dieses Stück Themen, die auch in den folgenden Titeln auftauchen: Liebe, Tod, Sehnsucht, Illusion. Der erste Satz des Prologs ist sehr wichtig: *Die Komödie, die Sie sehen und hören, ist eine demütige und störende Komödie, die sich von Grund auf dreht wie der Mond und die Spinne Ihr Herz*.

**Die Farce**

*Tragicomedia de Don Cristóbal y la señá Rosita* ist eine Farce des Kindes, wie *Retablillo de Don Cristóbal*. Beide sind zwei Versionen der gleichen Geschichte (ein Paar von Interesse), in der die Puppen den traurigen Hintergrund des Arguments nicht verbergen können. Diese Linie des Theater-Farce hat keine anderen Beispiele, wurde aber für die Leistung von Schauspielern entwickelt. *La zapatera prodigiosa* und *Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín* sind Stücke, die zum Lachen provozieren, da sie das traditionelle Thema der jungen Frau, die an einen alten Mann verheiratet ist, behandeln.

**Die Oper**

*Mariana Pineda* stellt eine beliebte Romanze in drei Bildern dar, der erste Versuch, das lyrische Drama zu bringen, das die Geschichte der Heldin erzählt, die im Zeitalter des Absolutismus von Fernando VII. für eine republikanische Fahne hingerichtet wurde.

**Das surreale Theater und das engagierte Theater**

Einige kurze Stücke, die zwischen 1925 und 1928 konzipiert wurden, wie *El paseo de Buster Keaton*, kündigen die Hinwendung zum Surrealismus an. Zwei Werke zeugen davon: *El público*, ca. 1929 geschrieben, und *Así que pasen cinco años*. Das erste Stück entfaltet mit großem technischen Aufwand die Geschichte einer homosexuellen Liebe: Ein Mann sucht die vollständige und reine Liebe, findet aber, dass *die Öffentlichkeit* die verschiedenen Beziehungen, die Kirche oder die traditionelle Moral nicht unterstützt. Das zweite Stück ist eine unmögliche Komödie, die die räumlichen und zeitlichen Konventionen des realistischen Theaters vermeidet. Humor, Lyrik und eine traumhafte und unlogische Atmosphäre sind die wichtigsten Eigenschaften dieser Legende der Zeit. 1935 entstand das unvollendete *Comedia sin título*, eine Vorahnung des Bürgerkriegs. Dieses Buch schließt seine surrealistischen Züge mit sozialer und didaktischer Absicht ab und schlägt in seiner direkten Ansprache an die Öffentlichkeit die Zerstörung des Theaters vor.

**Bäuerliches Drama**

Die wichtigsten Werke der ländlichen Trilogie Lorcas heißen *Bodas de sangre*, *Yerma* und *La casa de Bernarda Alba*. Alle drei haben gemeinsame Merkmale: Die sexuelle Natur der Probleme wird mit Frauen als Protagonisten behandelt, die Handlung spielt in der andalusischen Landschaft und die Folgen sind tragisch. In *Bodas de sangre* wird eine Hochzeit zwischen Braut und Bräutigam vorbereitet. Aber als die Vereinigung stattfinden soll, fliehen Leonardo, die alte Flamme der Braut, und sie. Der Bräutigam beginnt seine Verfolgung und im letzten Kampf sterben beide erstochen. Die Vereinigung von Realismus und Poesie, Prosa und Versen sowie das dichte und dramatische Klima machen es zu einem denkwürdigen Werk. *Yerma* ist die Tragödie der unfruchtbaren Frau. Yerma will Mutter werden, aber da sie keine Kinder bekommen kann, verzweifelt sie und gibt ihrem Mann und ihrer Fruchtbarkeit die Schuld. In ihrem Bestreben, schwanger zu werden, geht sie zu Wallfahrten. In ihren Versuchen, zu glänzen, tötet sie ihren Mann, verliert und hofft auf jeden Fall, Mutter zu werden. *La casa de Bernarda Alba* ist ein atemberaubendes Schauspiel von großer Intensität. Nach dem Tod ihres zweiten Mannes hält Bernarda Alba ihre fünf Töchter acht Jahre lang makellos, die so gut wie lebendig begraben sind. Aber die Triebe entstehen, und als Peter mit Angustias, der ältesten Tochter, einverstanden ist, entfesseln sich die Leidenschaften im Kampf zwischen Adela und Martirio, der zu einem tragischen Ende führt. *La casa de Bernarda Alba* ist das Top-Drama von Lorca, in dem seine großen Obsessionen zum Ausdruck kommen und in dem die Sprache poetische Akzente setzt, die schwer zu überwinden sind.

**Rollen**

Sichtbare und unsichtbare Charaktere werden erwähnt. Unsichtbare Charaktere werden von den sichtbaren Charakteren erwähnt. Sie haben kein dramatisches Gewicht, aber die Charaktere werden verwendet, um ihr Verhalten zu ändern oder ihre Meinung auszudrücken. Menschen, die ihre eigenen Namen hatten, die beschreibende oder Gattungsbezeichnung waren zu zahlen. Im Falle der Charaktere mit ihren eigenen Namen wurde wiederholt auf den symbolischen Wert und viele Namen hingewiesen.

**Charakterisierungsverfahren**

Indirekt (durch Dialog und den Blick auf andere Charaktere), durch sich selbst, durch ihr Handeln und ihre Worte, ihre Bühnenbewegungen und die Objekte, die sie besitzt. Das Stück findet komplett im Haus der Bernarda Alba statt. Die Informationen auf der Seite des Hauses, in dem jedes Argument entwickelt wird, werden am Anfang erzählt, über die Handlungen und Dimensionen.

**Literarischer Realismus**

Im strengen Sinne ist das Stück nicht realistisch, da es viele Übertreibungen gibt: die Trauer, die Macht von Pepe, die Unterschiede zwischen Angustias und ihrem Alter. Die Ehrlichkeit ist eine Realität.

**Sprache der Arbeit**

Dimensionen: Raum-Zeit-Informationen, Kleidung und Gegenstände mit dem Charakter. Gesten und Bewegungen. Ein- und Auslaufen der Szene, Ton, Kommunikationsabsicht. Sie sind sehr umfangreich. Rollen: Randbemerkungen (Kommunikationsmodus, in dem ein Charakter die Worte mit der Absicht ausspricht, dass sie nicht von seinem Gegenüber wahrgenommen werden) sind in der Arbeit der Mägde von Bernarda gewachsen. Monologe (modifizierte Form des Teils, ein Charakter spricht eine Rede, um seine Gefühle oder seine Meinung über die ermittelten Tatsachen auszudrücken). Dialoge: Wir klassifizieren sie nach ihrem Inhalt in drei Gruppen. Panel zu: informative Dialoge: in den anekdotischen Geschichten, die entwickelt oder entlassen werden, Meinungen über Personen und Situationen. Gruppendialoge, in denen ein Hinweis auf den Raum oder die Zeit gegeben wird. Aktionsgruppendialoge, in denen die Charaktere Positionen einnehmen, die den Fortgang der dramatischen Handlung ermöglichen. Die wichtigste Kenntnis von den Gesprächen ist die Verwendung der sozialen Merkmale mit den Merkmalen der Barbarei. Es gibt zwei Erdbeben, Beispiele für das ländliche Lexikon, Sprichwörter, manche Phrase, die unterschiedliche Behandlungsformulierungen, direkte Anspielungen, Sätze mit doppelter Bedeutung ... sollten in den SIP-Einstellungen hervorgehoben werden, literarischer Diebstahl, Zivilisten, Symbole ... Die Sprache ist in Prosa geschrieben, es wurden vier Versionen in Versen gefunden. Für den Fall, eine in der Litanei, die nichts tun und beten, dass Duett Frauen begleiten den Gesang der Senatoren, die im dritten Akt, wenn die Rezitation eines bekannten Sprichworts, das letzte Mal, in dem er singt mit Maria Josefa Schaf Wiegenlied Arme.