Spanisches Theater: Entwicklung im 20. Jahrhundert bis heute

Das Spanische Theater im 20. Jahrhundert

Das Theater in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts

In den frühen zwanziger Jahren des 20. Jahrhunderts waren die theatralischen Tendenzen des späten 19. Jahrhunderts noch vorherrschend. Das sogenannte kommerzielle Theater hatte die Bourgeoisie als treues Publikum und war auf reine Unterhaltung ausgerichtet. Das heißt, die Autoren dieser Art von Theater behandelten keine größeren moralischen Konflikte in ihren Werken, sondern zielten auf mehr oder weniger freundliche Handlungen ab, die dem eleganten Mittelstand des Jahrhunderts gefielen. Im Gegensatz zur Mehrheitsmeinung bezüglich des Zuschauergeschmacks gab es eine Art von Theater, das innovativ und daher eine Minderheit war. Sein Ziel war es, die Vulgarität des kommerziellen Theaters zu vermeiden. Autoren wie Azorín, Unamuno und Valle-Inclán arbeiteten daran, die Landschaft des spanischen Theaters zu verändern, indem sie symbolische oder metaphorische, mit Konzepten beladene Handlungen einführten.

Das Neoromantische Drama

José Echegaray (1832-1916)

José Echegaray repräsentiert die spätromantische Dramatik. Er hatte zu Lebzeiten großen Erfolg, und das Publikum liebte seine Themen und das Pathos seiner Handlungen. So sehr, dass er 1904 mit dem Nobelpreis für Literatur ausgezeichnet wurde. Ein Jahr später, 1905, veranstaltete die Presse eine Hommage an Echegaray. Unter seinen Werken sticht vor allem El gran Galeoto (1881) hervor.

Realistisches Theater

Der Erfolg und die Qualität des realistischen Romans des 19. Jahrhunderts waren überwältigend, spiegelten sich aber nicht im Theater wider. Autoren wie Galdós und Dicenta versuchten, ein Theater zu entwickeln, das sich mit aktuellen Themen befasste, und es gelang ihnen weitgehend, aber sie erreichten in keinem Fall den angestrebten Status des realistischen Romans. Dieser Theater-Trend setzte sich im 20. Jahrhundert fort und wurde stark vom Publikum unterstützt.

Benito Pérez Galdós (1843-1920)

Benito Pérez Galdós erreichte mit seinem Theater nicht die Qualität seiner Romane, entwickelte aber ein bedeutendes realistisches Theater, das die Trends des letzten Drittels des 19. Jahrhunderts fortsetzte. In den letzten drei Jahrzehnten seines Lebens widmete er sich dem Theater. Galdós brachte, wie er selbst behauptete, zu Lebzeiten 2001 Werke zur Uraufführung. Seine Produktion beginnt mit drei Werken, die dieselben Themen wie einige seiner Romane behandeln: Realidad (1892), La loca de la casa (1893) und La de San Quintín (1894). El abuelo (1904) ist die beste seiner Bühnenumsetzungen. Galdós schuf ein neues Theater durch die Erneuerung der dramatischen Struktur, was eine Neuheit im Massentheater des frühen 20. Jahrhunderts darstellte.

Das Theater der Moderne

Im Gegensatz zum realistischen Theater von Dicenta oder Galdós, entwickelte sich eine Art von Theater, das Tendenzen zur Realitätsflucht aufwies. Die Merkmale der Autoren dieser Gruppe sind nicht homogen, obwohl alle dasselbe Ziel verfolgten: den Versuch, das Theater zu erneuern und seine Würde und intellektuelle Erhebung zu fördern.

Miguel de Unamuno (1864-1936)

Miguel de Unamuno, ein führender Vertreter der Generation von 98, versuchte, ein intellektuelles Drama zu schaffen, das abstrakte Ideen durch Dialog entwickelte, wobei die Handlung praktisch nicht existent war. Die Sätze sind einfach, fast simpel, und die Handlung wird durch eine direkte und klare Sprache skizziert. Darüber hinaus haben seine Werke sehr wenige Charaktere. Unter Unamunos Titeln sind Fedra (geschrieben 1910, veröffentlicht 1918), El otro (geschrieben 1926, veröffentlicht 1932), El hermano Juan (1929) und Medea (1933) hervorzuheben.

José Martínez Ruiz, Azorín (1873-1967)

Im selben Sinne wie Unamuno begann Azorín die Erneuerung seines Theaters durch Experimente und Innovationen in der Form, obwohl er ideologisch konservative Positionen beibehielt. Azorín brach mit der Realität und wandte sich dem Surrealismus zu. Zu seinen Werken gehört Old Spain (1926). Die Hauptthemen Azoríns sind die Zeit, der Tod und das Glück.

Ramón del Valle-Inclán (1866-1936)

Unter den Autoren der Generation von 98, zusätzlich zu den bereits genannten, sticht besonders das Theater eines der besten Dramatiker, wenn nicht des besten, der spanischen Literatur des 20. Jahrhunderts hervor: Valle-Inclán. Die Originalität von Valle-Incláns Theater ist einzigartig in unserer Literatur, und seine Erneuerungsversuche führten zur Entdeckung neuer Ausdrucksmöglichkeiten. Der Expressionismus seiner Handlungen führte zur Entwicklung des Esperpento, stark vertreten in einigen seiner besten Werke. Es ist nicht leicht, Valle-Incláns Theater aufgrund seiner Vielfalt und Komplexität zu klassifizieren. Die erste Gruppe umfasst die Farce, das Auftreten des Grotesken in Valle-Incláns Werk, das die Schönheit der Welt in eine beschädigte und fehlerhafte Umgebung verwandelt. Dieser Trend wurde durch die Tragikomödie Divinas palabras (1933) verschärft.

Pedro Muñoz Seca (1891-1936)

Pedro Muñoz Seca wird vor allem für sein Werk La venganza de Don Mendo (1918) in Erinnerung bleiben. In diesem Werk ist das historische und poetische Thema voller lustiger und humorvoller Elemente. Dies ist ein Theater auf halbem Weg zwischen dem historischen Drama, das modernistische poetische Elemente vermeidet, und der Sittenkomödie, wie sie zum Beispiel die Brüder Álvarez Quintero schrieben.

Das Massentheater

Zusätzlich zu den früheren theatralischen Trends entwickelte sich in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts eine Art von Theater, das das Massenpublikum in die Prunksäle zog. Diese Art von Theater, das sich an das Bürgertum richtete, war hauptsächlich für wohlhabende Gesellschaftsschichten bestimmt und die wichtigste Freizeitbeschäftigung in diesem Zeitraum.

Jacinto Benavente (1866-1954)

Der Autor, der diesen Trend am besten repräsentiert, ist zweifellos Jacinto Benavente. Seit 1894, mit der Veröffentlichung von El nido ajeno, gewann er eine Art Treue zu seinen konservativen Themen, die sich jedoch der Erneuerung öffneten. Benaventes Stil wurde unverwechselbar, und sein Theater wurde vor allen anderen wegen seiner technischen Fähigkeiten und Finesse gewürdigt und geschätzt. Gewöhnlich übte er Kritik oder Ironie, um auf sehr herzliche Weise die Laster und negativen Aspekte seiner Gesellschaft anzuprangern. Genau diese Kritik richtete sich an die sozialen Klassen, denen er angehörte: die Aristokratie und das Bürgertum, aber der Ton war meist oberflächlich und selten moralisierend. Damit wurde Benavente zum führenden Dramatiker seiner Zeit, der die öffentliche Kritik aufgriff, ohne sie zu beleidigen.

Die Brüder Machado

Die Brüder Machado schrieben zwischen 1926 und 1932 sieben Werke in Zusammenarbeit. Fünf davon in Versen: Desdichas de la fortuna o Julianillo Valcárcel (1926), Juan de Mañara (1927) und eines in Prosa: La Lola se va a los puertos (1929). Dies war ein sehr beliebtes Theater, das dem Geschmack der Zeit entsprach, obwohl es heute viel von seinem Wert verloren hat, und wir können sagen, dass es nicht zur Erneuerung des spanischen Theaters oder zum Ansehen der jeweiligen Autoren beigetragen hat. Die Handlung ist gering und wird oft durch die Erzählung ersetzt, die die Charaktere ausführen.

Enrique Jardiel Poncela (1901-1952)

Enrique Jardiel Poncela trug seit den späten zwanziger Jahren zur Steigerung der Qualität des komischen Theaters bei. Titel wie Una noche de primavera sin sueño (1927) und Cuatro corazones con freno y marcha atrás (1936) machten ihn zusammen mit Benavente zum führenden Dramatiker der Epoche, der regelmäßig Theateraufführungen anzog und alle Arten von Publikum erreichte. Sein Drama dreht sich um bürgerliche Komödie mit poetischen, folkloristischen und experimentellen Elementen. Jardiel Poncela setzte seinen Erfolg auf der Bühne auch nach dem Bürgerkrieg fort.

Das Drama der Generation von 27

Poesie war das am meisten kultivierte Genre der Autoren der Generation von 27, aber nicht das einzige. Einige von ihnen engagierten sich auch im Theater.

Federico García Lorca (1898-1936)

Federico García Lorca ist zweifellos der beste Vertreter dieses Bühnentrends der Generation und einer der führenden Dramatiker in der Geschichte unserer Literatur. Tatsächlich, wenn man einen Autor aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts hervorheben müsste, wäre es Lorca. Seine Werke werden heute noch mit demselben Erfolg wie in den dreißiger Jahren aufgeführt, und Studien über Lorcas Stücke verbreiten sich weltweit. In seinen Werken widmet Lorca der weiblichen Welt sowie der frustrierten oder unmöglichen Liebe besondere Aufmerksamkeit. Er beginnt sein Theater mit El maleficio de la mariposa (1920). Zwei Stücke, Mariana Pineda (1923, veröffentlicht 1927) und Doña Rosita la soltera (1935), wurden als 'Granada-Stücke' klassifiziert, da sie in der Heimat des Autors spielen. Lorcas große Werke sind drei ländliche Tragödien, die sich auf die weibliche Welt konzentrieren: Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) und La casa de Bernarda Alba (1936). Im Jahr 1936, kurz bevor er ermordet wurde, veröffentlichte Lorca sein großes Meisterwerk: La casa de Bernarda Alba.

Rafael Alberti (1902-1999)

Rafael Alberti widmete ebenfalls einen Teil seines Werkes dem Theater. Sein wichtigstes Werk ist El adefesio (1944), mit grotesken Elementen im Stil von Valle-Inclán. Surreal ist sein El hombre deshabitado (1930), die Tragödie der Schöpfung, des Lebens und der Verlockung des zum Tode verurteilten Menschen. Bereits in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts schrieb Alberti Noche de guerra en el Museo del Prado (1956), ein Werk mit politischem Bezug zum Spanischen Bürgerkrieg (1936-1939).

Miguel Hernández (1910-1942)

Miguel Hernández, ein Autor, der der Generation von 27 nahestand, hat ein sehr bedeutendes, wenn auch recht kurzes, dramatisches Werk. Er komponierte drei allegorische Werke in Versen mit Einflüssen aus Calderóns Stücken: Quién te ha visto y quién te ve y sombra de lo que eras (1933), El labrador de más aire (1937) und Pastor de la muerte (1937). Darüber hinaus sind die Reihe kleiner Prosastücke wie Teatro de la guerra (1937) hervorzuheben, die aus La cola, El hombre, Los albergues und Los lugares besteht. Diese Werke wurden mit einem klaren politischen Ziel geschrieben und tragen die republikanische Ideologie des Autors.

Das Spanische Theater nach dem Bürgerkrieg (1939-2000)

Die Auswirkungen des Bürgerkriegs auf das Theater

Wie Poesie und Roman war auch das Theater stark von den schrecklichen Folgen des Bürgerkriegs (1936-1939) betroffen. Nach dem Krieg dachten die Behörden, dass das Theater ein guter Balsam sein könnte, um die moralischen und psychologischen Wunden, die der Krieg hinterlassen hatte, zu heilen. So begannen Aufführungen von sehr schlechter Qualität, die jedoch von einem begeisterten Publikum frenetisch bejubelt wurden. Zwei große Dramatiker, wie Federico García Lorca und Miguel Hernández, starben infolge des Krieges, und drei weitere, wie Rafael Alberti, Alejandro Casona und Max Aub, wurden verbannt.

Max Aub (1903-1972)

Max Aub schrieb vom Krieg inspirierte Qualitätsstücke, darunter ¿Qué has hecho hoy para ganar la guerra? und Morir por cerrar los ojos (1944).

Kommerzielles Theater der Nachkriegszeit

In den Nachkriegsjahren entwickelte sich auch ein kommerzielles, hauptsächlich komisches Theater, dessen Hauptzweck es war, Lachen zu erzeugen. Zwei Autoren zeichneten sich in dieser Art von Theater aus: Enrique Jardiel Poncela und Miguel Mihura.

Enrique Jardiel Poncela (1901-1952)

Nach bedeutenden Erfolgen vor dem Bürgerkrieg setzte Jardiel Poncela seinen Erfolg auch während des Krieges fort. Seine Werke zeichnen sich durch die Schärfe der Dialoge und absurde Situationen aus. Hervorzuheben sind Eloísa está debajo de un almendro (1940), Los ladrones somos gente honrada (1941) und El inquilino de la casa vacía (1942).

Miguel Mihura (1905-1977)

Miguel Mihura wurde in eine dem Theater verschriebene Familie geboren und hatte schon früh Kontakt mit der Welt der Bühne. Sein komödiantisches Schreiben ist bemerkenswert, wie zum Beispiel Tres sombreros de copa, geschrieben 1932.

Das realistische Theater der Gesellschaftskritik

In den fünfziger und sechziger Jahren entwickelte sich in Spanien eine Art von Theater, das versuchte, die soziale Realität, wie sie täglich dargestellt wurde, mit einem klaren Ziel der Anklage zu reflektieren. Es war ein Engagement, das Theater auf Fantasien und Idealisierungen verzichten ließ. Es zielte darauf ab, die Anliegen seiner Zeit widerzuspiegeln, sowohl als literarische als auch als historische Erzählung. Es verurteilte die harten Arbeitsbedingungen, die Entmenschlichung der Bürokratie, die Situation der Arbeitnehmer, soziale Ungerechtigkeit, die Härte der Opposition. So wurde das Theater zum Sprachrohr der unteren Klassen und zur Verteidigung der Würde des Lebens. Offensichtlich wurde diese Art von Theater häufig zensiert, da das Franco-Regime keine Kritik duldete.

Antonio Buero Vallejo (1916-2000)

Antonio Buero Vallejo wurde vom Franco-Regime zum Tode verurteilt. Im Gefängnis lernte er Miguel Hernández kennen, der eines der bekanntesten Porträts des Autors in Alicante zeichnete. Im Jahr 1949 wurde Buero begnadigt und im selben Jahr gelang ihm mit Historia de una escalera eines der wichtigsten Stücke unserer Literatur. Es erzählt das Leben von drei Generationen von Nachbarn, ihre Hoffnungen und Misserfolge, als Symbol des Lebens im ganzen Land. Der erste Akt spielt im Jahr 1919, der zweite im Jahr 1929 und der dritte im Jahr 1949. Die Zeit vergeht, aber Armut und Probleme bleiben dieselben, von den Eltern auf die Kinder übertragen. Dies ist eindeutig ein Werk der sozialen Kritik. Seine Stücke enthalten lange und sorgfältige Anmerkungen, die dem Lesen jedes seiner Werke einen großen literarischen Wert verleihen. En la ardiente oscuridad (1950) ist das nächste Werk dieses Autors. Es erzählt von den Grenzen einer Gruppe von Menschen, die blind für die Realität sind, und der Rebellion einiger von ihnen gegen diese Situation. Dasselbe Thema wird Jahre später in El concierto de San Ovidio (1962) behandelt. Neben diesen Dramen hat Buero auch einige Werke, die auf historischen Ereignissen basieren, wie Un soñador para un pueblo (1958), basierend auf Esquilache, Minister Karls III., Las Meninas (1962) über Velázquez und El sueño de la razón (1970) über Francisco de Goya. Das Thema des Bürgerkriegs erscheint in La escotilla (1967) und Misión al pueblo desierto (1999). Weitere Werke sind La Fundación (1974), Caimán (1981) und Lázaro en el laberinto (1986). Antonio Buero Vallejo ist einer der wichtigsten Autoren unseres Theaters, der maßgeblich zur Erneuerung der Bühne nach dem Krieg beigetragen hat.

Alfonso Sastre (geb. 1926)

Alfonso Sastre vertrat im Gegensatz zu Buero eine andere Theaterkonzeption. Sastre glaubte, dass das grundlegende Ziel des Theaters die Anklage sein sollte, nicht nur ästhetisch, sondern revolutionär. Das heißt, er war der Meinung, dass die Stücke Zeugnis dessen ablegen sollten, was geschieht, um die Gesellschaft zu verändern. Natürlich hatte Sastre Probleme mit der Zensur, besonders nach der Veröffentlichung eines seiner Hauptwerke: Escuadra hacia la muerte (1953). Zwei weitere Werke, in denen er politische Themen wie den Vietnamkrieg anprangerte, sind Ejercicios de terror (1970) und Cintas magnéticas (1971). Hervorzuheben ist auch sein Werk Los últimos días de Emmanuel Kant (1990), das sich mit dem Altern des Philosophen befasst.

Weitere Autoren des sozialen Realismus

Viele Dramatiker widmeten einen Großteil ihrer Arbeit der Darstellung der bedrückenden Situation, die in Spanien in den fünfziger und sechziger Jahren unter dem Joch des Franco-Regimes herrschte. Sie nahmen als Modell das sozialkritische Werk, das bereits einen Präzedenzfall in unserer Literatur geschaffen hatte, wie Juan José (1896) von Joaquín Dicenta.

Lauro Olmo (1922-1994)

So ging Lauro Olmo mit seinem Werk La camisa (1961) in die Geschichte unseres Theaters ein, das Armut und Auswanderung als Lösung thematisiert. Man bedenke, dass in den fünfziger und sechziger Jahren eine große Zahl von Spaniern gezwungen war, in Industriegebiete Spaniens wie Madrid, Barcelona und Bilbao oder in mitteleuropäische Länder wie die Schweiz, Frankreich und Deutschland auszuwandern.

José María Rodríguez Méndez (geb. 1925)

José María Rodríguez Méndez prangerte seinerseits die Notlage der Gegner des öffentlichen Dienstes in Los inocentes de la Moncloa (1961) an.

Das kommerzielle Theater der 1950er und 1960er Jahre

Neben Jardiel Poncela, Mihura, Pemán oder Luca de Tena begannen in diesen Jahrzehnten auch andere junge Autoren zu veröffentlichen, um das Publikum zu erreichen.

Alfonso Paso (1926-1978)

Alfonso Paso begann mit einer klaren Absicht des sozialen Theaters, mit Werken wie Estudio de un delincuente (1952) und Los pobrecitos (1957). Doch bald passten sich seine Werke bis 1962 dem Geschmack des bürgerlichen Publikums an, das an freundliche Darstellungen gewöhnt war, wie Vamos a contar mentiras (1961), Los derechos de la mujer (1962) oder Las que tienen que servir (1962). Alfonso Paso hinterließ ein sehr umfangreiches und vielseitiges Werk: dramatische Sketche, Theaterstücke, Gedichte, historische Dramen, Tragödien, gesellschaftskritische Werke, Komödien und schwarzen Humor. Seine Werke zeichnen sich durch die Eleganz der Dialoge und die Einzigartigkeit der Situationen und Charaktere aus.

Antonio Gala (geb. 1936)

Antonio Gala ist heute einer der bekanntesten Autoren; er kultivierte alle Genres (Lyrik, Theater, Romane, Essays, Kolumnen) mit großem Erfolg. Im Theater präsentierte er Werke, die mit poetischen und humorvollen Akzenten gespickt waren. Sein Erfolg, seit der ersten Aufführung, war sowohl beim Publikum als auch bei den Kritikern unbestreitbar. Er begann seine Theaterkarriere mit Los verdes campos del Edén (1963), einem Werk mit sozialen und romantischen Untertönen, das eine Familie zeigt, die gezwungen ist, zu leben. Großen Erfolg hatte er mit La casa de las siete palmeras (1965), Noviembre y un poco de hierba (1967), Los buenos días perdidos (1972), Las arpas colgadas de los árboles (1974) und vor allem Anillos para una dama (1973), das sich mit Jimena, der Frau des Cid, befasst. Seine jüngsten Erfolge waren die Musicals Carmen, Carmen (1988) und La truhana (2000).

Das experimentelle Theater der späten 1960er Jahre

Ab den späten sechziger und im Laufe der siebziger Jahre begannen einige Autoren, die sich im sozialen Theater verorteten, neue Ausdrucksformen jenseits des Realismus zu suchen. So entstand eine Art theatralischer Kunst, die auf eine Erweiterung des Dramas abzielte. Die wichtigsten Merkmale dieser neuen Phase sind folgende: Die Autoren versuchten, eine komplette Show zu schaffen, in der die Handlung in den Hintergrund trat, um Soundeffekten, Licht, Körpersprache, Projektionen auf großen Leinwänden usw. Raum zu geben. Dies umfasste Techniken aus anderen Darstellungsformen wie Zirkus, Puppentheater, Kabarett, Paraden. Die realistische Sicht des sozialen Theaters verschwand zugunsten eines symbolischen Theaters, das sich von der Realität entfernte. Die traditionelle Aufteilung des Theaters verschwand, das heißt, die Aufführung entwickelte sich nicht nur auf der Bühne vor dem Publikum; die Charaktere repräsentierten oft symbolisch Konzepte oder Institutionen und nicht nur Individuen. Nonverbale Kommunikation wurde als ebenso wichtig oder wichtiger als die verbale Kommunikation angesehen. Diese neuen Theatergruppen basierten ihre Vorschläge auf aktuellen ausländischen dramatischen Vorreitern. Dieses experimentelle Theater begann in Spanien durch die Gründung einer großen Anzahl freier Theatergruppen, die sich von kommerziellen Kanälen fernhielten, wie die katalanische Gruppe "Els Joglars".

Fernando Arrabal (geb. 1932)

Fernando Arrabal ist heute der bekannteste spanische Schriftsteller im Ausland. Im französischen Exil schreibt er auf Französisch und Spanisch mit großem Erfolg. Seine Stücke sind durch eine Mischung aus surrealen, grotesken und absurden Elementen gekennzeichnet, immer auf der Suche nach Provokation. Nach Ansicht des Autors sind die in seinen Werken enthaltenen Zutaten Verwirrung, Humor, Terror, Zufall und Euphorie. Er nannte die Gesamtheit seiner Werke Théâtre Panique (abgeleitet vom griechischen Gott Pan). Es umfasst Themen wie Erotik, Opposition gegen Krieg und Gewaltherrschaft oder die Absurdität der Religion.

Von den 1980er Jahren bis zur Gegenwart

In den letzten zwanzig Jahren hat sich in Spanien eine Erweiterung neuer Autoren vollzogen, die sich mit bestehenden mischen. So finden wir eine Vielzahl von Theaterströmungen, mit etablierten Autoren, die gleichzeitig mit anderen Neulingen auftreten. Wichtige Dramatiker wie Sastre, Antonio Gala, Francisco Nieva oder Fernando Arrabal sehen ihre Werke, in unterschiedlichem Maße, weiterhin aufgeführt.