Theater des Absurden & Nachkriegsliteratur: Eine Analyse
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Das Theater des Absurden: Ursprünge und Merkmale
Das Theater des Absurden entstand in den 1950er Jahren in Paris, geprägt von Autoren wie Eugène Ionesco, Samuel Beckett und Fernando Arrabal. Es weist viele Merkmale früherer dramatischer Ansätze auf, darunter existenzielle Sorgen, die Erkundung des Unlogischen und bewusst provokative Werke. Die Neuheit dieses Theaters kombiniert sich mit der Notwendigkeit, Fragen zu stellen, und reagiert auf eine historische Tatsache, die als Auslöser fungierte: Der Zweite Weltkrieg hatte gezeigt, dass die Realität irrational sein kann. Die geplante und systematische Ermordung von sechs Millionen Juden, die Bombardierung von Zivilisten, die Atombomben auf Hiroshima und Nagasaki, die stalinistischen Säuberungen – angesichts solcher Ereignisse konnten Dramatiker die Unterschiede zwischen Vernunft und Wahnsinn nicht länger ignorieren.
Charakteristische Merkmale des Absurden Theaters
Die Merkmale, die dieses Theater charakterisieren, lassen sich in zwei Hauptbereiche gruppieren:
Weltsicht und Existenzialismus
Dieser Bereich bezieht sich auf die Weltsicht, die die Werke prägt und auf existenzielle Ansätze verweist, die einen Großteil der Literatur des 20. Jahrhunderts beeinflussten. Der Mensch ist in einer absurden Welt verloren, die im Widerspruch zur Vernunft steht und ihn mit Situationen konfrontiert, denen er nicht gewachsen ist. Der Fluss der Zeit, der Tod und das erwartete Nichts verwehren dem Menschen jede Möglichkeit von Hoffnung und Sinn der Existenz.
Szenische Gestaltung und Technik
Dieser Bereich konzentriert sich auf die szenische Gestaltung und die technischen Aspekte der Werke, die nicht nur die Realität, sondern die Absurdität dieser Realität widerspiegeln wollen. Dies wird durch die Verwendung von unerwarteten Objekten, Situationen, Verhaltensweisen und Bühnenbildern erreicht, die der Logik widersprechen. Die Charaktere zeichnen sich durch ihre Inkonsequenz und mangelnde Lebensqualität aus. Eine übliche Mischung aus dem Lächerlichen und Tragischen, Angst und Spott prägt ihre Darstellung. Auf der strukturellen Ebene fehlt eine klare Handlung oder erzählerische Progression. Die Autoren bevorzugen oft zirkuläre Strukturen, in denen das Ende das Geschehen des Anfangs wiederholt, was auf die Sinnlosigkeit eines eintönigen Lebens ohne nennenswerte Ereignisse anspielt. Die Sprache weicht vom Herkömmlichen ab durch die Anhäufung von unzusammenhängenden, aus dem Kontext gerissenen Sätzen, Inkonsistenzen oder unkontrolliertem Wortschwall.
Nachkriegsliteratur: Existenzialismus & Experimente
Der Existenzialismus, eine Reaktion auf die Schrecken des Zweiten Weltkriegs, manifestiert sich in hoffnungslosen, desillusionierten Charakteren, die von den Extremen menschlichen Handelns erschreckt sind. Das Leben scheint nicht den geringsten Wert zu haben, und der Ausdruck der Absurdität des Lebens sowie die drohende Präsenz des Todes werden zum Zentrum der literarischen Werke der späten 1950er Jahre. Die Künstler widmen sich der Analyse der Beziehungen zwischen dem Menschen und einem entmenschlichten Alltag, der von Pragmatismus, der Anbetung des Geldes und allgemeiner Unzufriedenheit dominiert wird.
Die engagierte Literatur befasst sich mit sozialen Fragen als Reaktion auf die ideologische Polarisierung der Nachkriegswelt. Die Erinnerung an den Krieg und die Berichterstattung über neue Konflikte, mangelnde Freiheiten, soziale Ungleichheit, die Welt der Arbeit, Armut und die Prozesse der Entkolonialisierung sind die Themen, die von den Autoren behandelt werden. Experimentieren und die wirtschaftliche Entwicklung, die seit den 1960er Jahren zu relativem Wohlstand im Westen führte, veranlassten viele Künstler und die Literatur, die utilitaristische Konzeption zu verlassen und sich auf formale Werte zu konzentrieren. Trotz der formalen Erneuerung bleiben existenzielle und soziale Probleme zentrale Themen.
Luigi Pirandello: Zwischen Komödie und Tragödie
Luigi Pirandello inszenierte eine Reihe von Werken, die sich zwischen Komödie und Tragödie bewegen. Er führte neue Merkmale ein:
Theater im Theater
Pirandello nutzte diese Technik, um die Grenzen zwischen Realität und Fiktion zu verwischen und das Drama des modernen Menschen in seiner Unsicherheit zu thematisieren.
Existenzielle Fragen
Das Problem des Sinns des Lebens ist der Kern, um den sich die meisten seiner Dramen drehen. Die soziale Frage wurde dabei vernachlässigt.
Symbolische Charaktere
Pirandello interessierte sich nicht für die Darstellung von Charakteren als reale Personen, deren Verhalten analysiert werden muss, sondern als Wesen, die tiefe menschliche Gefühle, Zweifel und die Verwirrung angesichts einer sich ständig verändernden Welt symbolisieren.
Humor als Mittel
Viele seiner Werke beginnen mit einer Situation, die beim Zuschauer Lachen hervorruft, doch die Absicht ist nicht, dem Weg der traditionellen Komödie zu folgen und nur zu unterhalten. Humor ist ein Mittel, um das Bild der Wirklichkeit zu durchbrechen und das Leben als eine Farce, eine Fiktion ähnlich der auf der Bühne gezeigten, darzustellen.
Pirandellos Werk in drei Phasen
Sein Werk lässt sich in drei Phasen unterteilen:
Bis zum Ersten Weltkrieg
Er schrieb relevante Geschichten und den Roman „Der verstorbene Mattia Pascal“ sowie seine ersten Komödien der Sitten.
Im Jahrzehnt der 1920er Jahre
Seine wichtigsten Werke sind „Sechs Personen suchen einen Autor“ und „Heinrich IV“. Seine Vision kreist um den Konflikt zwischen Realität und Fiktion, multiple Persönlichkeiten und die Auffassung des Lebens als Witz.
Das Jahrzehnt der 1930er Jahre
Er erlangte internationale Anerkennung durch den Literaturnobelpreis, den er 1934 erhielt. Diese Phase ist geprägt von der Betonung des „trovarsi“ (Sich-Wiederfinden), das die Mehrdeutigkeit verkörpert. Es geht nicht mehr um die Wahl zwischen Realität und Fiktion, sondern darum, dass alles Fiktion ist. Er behandelt zwei Hauptfragen:
Die Wahrheit und ihre Auffindbarkeit
Der Mensch lebt an der Grenze zwischen zwei Welten: der konkreten und sichtbaren, die jedoch trügerisch ist, da sie nur Schein ist, und der Welt der Fantasie und Fiktion, die die Heimat von Wünschen und Sehnsüchten ist.
Das Problem der Persönlichkeit
Wer sind wir wirklich? Was definiert uns – was wir sind oder was wir sein wollen? Die Dissoziation der Persönlichkeit führt den besonnenen Menschen zu nur zwei Auswegen: dem Wahnsinn, in dem der Charakter beschließt, sein Leben als Fiktion zu leben, und dem Tod, der endgültigen Beilegung des Konflikts, da es nichts darüber hinaus gibt.
Vorkriegsliteratur: Erneuerung und Politisierung
Erneuerung des Realismus (bis 1914)
Die Jahrhundertwende und das Verschwinden rationaler Gewissheiten motivierten Schriftsteller dazu, ihre Werke auf den Ausdruck menschlicher Ängste auszurichten. Dies führte zu einer Abkehr von der realistischen Technik und einer formalen Erneuerung.
Avantgarde (1914-1929)
Die Avantgarde brach mit den Grundlagen der traditionellen Technik: der Illusion der Realität, der bloßen Reflexion von Gefühlen und der Achtung literarischer Vorbilder. Die Autoren strebten eine hochmoderne Technik an, die die Einzigartigkeit der Welt nach dem Ersten Weltkrieg widerspiegelte: Fortschritt, vitalen Optimismus, Geschwindigkeit und Sport.
Politisierung (1929-1945)
Der Zusammenbruch der New Yorker Börse im Jahr 1929 markierte das Ende der „Goldenen Zwanziger“. Diese Tatsache wurde durch das Gefühl verstärkt, dass ein neuer Krieg bevorstand. Die Folgen waren der Verlust des Sinns für avantgardistische Spiele und die Entstehung politischer Inhalte in den Werken.