Die Ästhetik und Literatur des spanischen Barock

Die Themen des Barock

Die barocke Enttäuschung ist eine radikale Abwertung der Welt und des menschlichen Lebens. Die Probleme, die offensichtlich werden, sind:

• Die Welt ist wertlos. Sie ist nicht länger ein Kosmos, sondern ein Chaos, wie ein Labyrinth, in dem der Mensch verloren geht und von Übel umgeben ist.
• Das Leben ist Widerspruch und Kampf. Der Mensch selbst ist von Widersprüchen gepackt und kämpft gegen andere Menschen.
• Das Leben ist kurz und flüchtig. Das Leben gleicht einer Rose. Alles verändert sich und alles vergeht; daher rührt die Obsession mit der Zeit, die alles zerstört, was geschieht.
• Das Leben ist nicht konsequent. Es ist wie eine zerbrechliche Sanduhr. Diese Inkonsistenz zeigt sich in der Trennung zwischen Schein und Wirklichkeit (ein zentrales Thema des Barock). Nichts ist, wie es scheint; die Realität entgeht uns. Wenn das Leben ein Traum ist, ist die Welt ein „großes Theater“.
• Zu leben bedeutet zu sterben. Das Leben ist eine seltsame Leere, die der Tod einnimmt. Die Todesobsession ist einer der wichtigsten Aspekte des Barock.

Die barocke Ästhetik in der bildenden Kunst

Die ästhetische Grundlage der Entwicklungen ist die Krise des Renaissance-Idealismus: Ausgewogenheit, Klarheit und Ordnung weichen nun den Kontrasten, dem Hell-Dunkel, der Angst und dem Drama. Manche wesentlichen Merkmale sind:

• Eine Ästhetik jenseits der klassischen Regeln. Die alten Normen haben ihre Gültigkeit verloren. Module und Proportionen werden auf der Suche nach intensiver Wirkung aufgebrochen.
• Eine Ästhetik des Instabilen. Ruhige, statische Formen und Gestalten werden durch dynamische, unruhige, beunruhigende und verdrillte Formen ersetzt.
• Eine Ästhetik des Widerspruchs. Kontraste, Hell-Dunkel-Effekte usw. sind wesentliche Merkmale dieser Kunst.
• Eine dramatische Ästhetik. Dies bezieht sich nicht nur auf das Drama bestimmter Themen, sondern auch auf die Vorliebe für übersteigerte Mimik. Das beste Beispiel sind die blutenden Christusdarstellungen in der kastilischen Bildhauerei.
• Ein ästhetisches Erscheinungsbild. Dekorative Maskierung überlagert konstruktive Linien: Die trügerische Fassade eines Tempels täuscht oft über die tatsächliche Höhe hinweg.
• Doppelte Bedeutung: Die Dekoration kann Unruhe oder Prunk vermitteln. Dies ist das doppelte Gesicht des Barock. Diese Kunst reagiert auf eine Ästhetik der Intensität, deren Ziel es ist, zu begeistern und zu beeindrucken.

Schriftsprache: Der barocke Stil

Der literarische Stil reagiert auf den Zusammenbruch des Gleichgewichts der Renaissance. Nach R. Lapesa manifestiert sich der Verlust der klassischen Ruhe in extremen Haltungen. Man entfernt sich von der „Natürlichkeit“ und „Selektion“ der Renaissance (wie sie bei Cervantes zu finden sind). Der Barock folgt den Schritten des Manierismus, wobei der Stil Gegenstand intensiver Entwicklung wird.

Ein wesentliches Merkmal ist der Drang, die Möglichkeiten der Sprache auszureizen, wobei unterschiedlichste Absichten verfolgt werden: vom komplexen Ausdruck bis hin zum lockeren Geplänkel. In anderen Fällen zeigt das Repertoire eine große verbale Kühnheit mit bisher ungeahnten Wirkungen: Wortneuschöpfungen, phonetische Spiele und mehr. Der vorherrschende Eindruck ist manchmal tiefgründig, manchmal gekünstelt oder von Dunkelheit geprägt.

Conceptismo und Culteranismo

Die ästhetischen Tendenzen des Barock zeigen sich in Poesie und Prosa:

• Der Conceptismo ist die „Feinheit des Denkens und Sagens“. Er ist besonders um den Inhalt besorgt; das Ideal ist es, viel mit wenigen Worten zu sagen. Daher rühren Wortspiele, Paradoxien und konzeptionelle Spiele. Das Ornament ist minimal auf der lexikalischen Ebene, führt aber zu unerwarteten Assoziationen. Er stützt sich auf Witz und Schärfe des Konzepts sowie auf die geistige Konzentration der Bedeutung. Die Vertreter nannten sich nicht „Konzepte“, sondern wählten diesen Stil aufgrund der Komplexität ihrer Gedanken, nicht wegen der sprachlichen Ausschmückung. Das ästhetische Merkmal ist die expressive Dichte. In der Poesie ist der repräsentativste Vertreter Quevedo, in der Prosa Baltasar Gracián.
• Der Culteranismo (auch Gongorismus) strebt vor allem nach formaler Schönheit. Das Thema mag minimal sein, aber es entwickelt sich ein üppiger Stil: klangvolle Worte, sensorische Effekte, brillante Umschreibungen. Sowohl das Lexikon (Latinismen) als auch die syntaktische Freiheit (Hyperbaton) zeigen den Wunsch, die Sprache mit den Mitteln des Lateinischen zu veredeln. Er bemühte sich, eine gebildete poetische Sprache zu schaffen, die durch die Nutzung der lateinischen Sprache und mythologische Anspielungen gekennzeichnet ist. Góngora rühmte sich sogar damit, dunkel und für Unwissende unverständlich zu sein.

Man geht heute davon aus, dass das „Konzept“ die Grundlage aller barocken Stile ist und der Culteranismo eine Variante darstellt, die durch die kreative Sensibilität Góngoras ergänzt wurde.

Literarische Gattungen des 17. Jahrhunderts

Lyrik

Im Hinblick auf die Lyrik ist Folgendes festzuhalten:

• Lope de Vega ist neben seinen Dramen einer der größten spanischen Dichter. Seine Poesie von enormem Reichtum ist in seinen Stücken verstreut oder in Bänden wie Sakrale Rimas sowie Menschliche und göttliche Rimas gesammelt. In seinen Gedichten spiegelt sich seine ganze Vielfalt wider: Liebe, Familienleben, religiöse Ängste und die Assimilation populärer Texte.
• Góngora (1561–1627) ist der Verfechter des Culteranismo.
• Andere Dichter reagieren teils auf den Reiz des Gongorismus und hinterlassen Proben tieferer Konzepte. Ein Beispiel ist der Graf von Villamediana (1582–1622), brillant in seiner Fabel von Phaeton und tiefgründig in seinen Liebessonetten.
• Davon abzugrenzen ist eine klassizistische Linie, die dem Gleichgewicht eines Fray Luis nähersteht. Hier erscheint einerseits Francisco de Rioja, der in seinen Blumengedichten die Vergänglichkeit des Glücks und die Kürze des Lebens besingt; Rodrigo Caro, der dieselben Themen in seinem Gesang zu den Ruinen von Italica behandelt; und Fernández de Andrade, Autor der Moralischen Epistel an Fabio, ein Paradebeispiel für eine asketische und stoische Haltung. Ebenso gehört dazu die klassizistische „Aragonesische Gruppe“ mit den Brüdern Argensola (Lupercio und Bartolomé), die lehrreiche und moralische Lyrik verfassten.
• Ein weiterer Gipfel der Lyrik des 17. Jahrhunderts ist Quevedo.

Das spanische Theater des Barock

Die spanische Bühne im 17. Jahrhundert: Die „Corrales“

Die drei bestehenden Arten von Theater im 16. Jahrhundert, sowohl in Spanien als auch in anderen europäischen Ländern, waren: religiös, höfisch und populär. Das populäre Theater erlebte bei uns die größte Entwicklung. Gegen Ende des 16. Jahrhunderts etablierten sich feste Spielstätten: die „Corrales“. Dies waren Outdoor-Terrassen zwischen mehreren Häusern. Im Hintergrund befand sich die Bühne, ein Podium ohne Vorhänge oder Dekorationen. Auf der gegenüberliegenden Seite lag die Cazuela, die für Frauen reserviert war. Die Adligen saßen in den Aposentos (Zimmern), Balkonen und Fenstern der angrenzenden Häuser. Im Hof standen auf Bänken oder Tribünen die meisten Zuschauer, die einfachen Leute, die man als „Musketiere“ bezeichnete. Diese waren gefürchtet für ihre heftigen Reaktionen, wenn ein Stück nicht ihrem Geschmack entsprach.

Die Vorstellungen begannen im Winter um zwei und im Sommer um drei Uhr. Sie dauerten mehrere Stunden und folgten dieser Ordnung: Beginn mit einer Loa (einer Art Einleitung), gefolgt vom ersten Akt. Danach gab es ein Entremés (Zwischenspiel), dann den zweiten Akt, gefolgt von einer weiteren Beilage oder einem Baile (Tanz). Das Ende bildete der dritte Akt, gekrönt von einem weiteren Tanz oder einem Fin de Fiesta.

Anfangs gab es keine Kulissen; der Betrachter musste sich den Ort durch Hinweise im Text vorstellen. Dies begünstigte die Freiheit der Autoren. Später wurden dekorative und szenische Mittel des höfischen Theaters übernommen. Die Stücke blieben oft nur kurz im Programm; wenn eine Aufführung mehrere Tage hintereinander stattfand, war sie ein Erfolg. Das Publikum verlangte ständig Neues, was zu einer umfangreichen Produktion führte, angeführt vom großen Lope de Vega.

Die Schauspieler waren sehr unterschiedlich organisiert, von der Bululú (ein einzelner Schauspieler) bis hin zu großen Compañías mit sechzehn Mitgliedern und einem Repertoire von fünfzig Komödien. Das Leben der Komödianten war hart; sie wurden oft kritisch beäugt und von der Zensur überwacht. Moralisten griffen das Theater häufig an und erwirkten zeitweise Verbote, doch die Leidenschaft des Volkes war stets stärker.

Höfisches und religiöses Theater

Der Erfolg der populären Darstellungen war so groß, dass auch die Könige sie genießen wollten. Seit Beginn des Jahrhunderts ließ Philipp III. Palasthöfe in Theater verwandeln. In der höfischen Umgebung fanden üppige Darstellungen statt, weit entfernt von der kargen Bühne der Corrales. Nach 1630 erreichten szenische Fortschritte den Hof: reiche Kulissen, aufwändige Requisiten und „Maschinen“, die Verwandlungen sowie das Erscheinen und Verschwinden von Figuren ermöglichten. Musik unterstrich die Pracht. So entwickelten sich die Große Komödie und die Zauberstücke, und die Oper entstand. Während Lope de Vega diesen Apparat kaum nutzte, machte Calderón de la Barca ausgiebig Gebrauch von diesen Erfindungen.

Ebenso glanzvoll war im 17. Jahrhundert das religiöse Drama, insbesondere die Auto Sacramentales zur Feier von Fronleichnam (Corpus Christi). Städte wetteiferten um die besten Vorstellungen zur Verherrlichung der Eucharistie. Diese fanden im Freien auf Plätzen vor Kirchen statt. Wagen dienten als Bühne und wurden mit barocker Kunst reich verziert. Die Stücke sind Einakter mit allegorischen Figuren (Mensch, Sünde, Gnade, Weisheit, Liebe etc.), die spirituelle Themen der Erlösung behandeln. Diese Gattung wurde von den bekanntesten Dramatikern von Lope bis hin zu Calderón de la Barca gepflegt, der sie zur höchsten Vollendung führte.