Meisterwerke des Impressionismus & Nachimpressionismus

Der gelbe Christus (Nachimpressionismus)

Der gelbe Christus ist ein Gemälde auf Leinwand. Es würdigt in vollem Umfang den Vorrang der Zeichnung gegenüber der Farbe – die Farben sind reine High-Impact-Farben. Es ebnet den Weg zur Bewegung des Fauvismus, in der die Farbe zum Ausdrucksmittel wird. Die Figur ist flach und ohne Volumen. Es zeigt einen deutlichen Einfluss japanischer Drucke. Es handelt sich um eine gezeichnete, mit Farbe gefüllte Figur. Es wird Gelb verwendet, gemischt mit Orange und Grün, parallel zu Christus. Christus wird zum Protagonisten der Szene, mit diesen gelben Linien und sehr scharfen Konturen, nach der Technik des Cloisonné-Emails und inspiriert von der Glasmalerei. Es gibt keine Perspektive und keine dritte Dimension. Die Farbe ist der wahre Protagonist des Bildes, mit einer außergewöhnlichen Farbintensität und großer Ausdruckskraft.

Die Sternennacht (Nachimpressionismus)

Die Sternennacht ist ein Gemälde auf Leinwand. Es stellt eine Nachtszene dar, die während seines Aufenthalts in einer psychiatrischen Klinik gemalt wurde. Im Bild leuchten die Sterne, funkeln und scheinen sich mit der Dunkelheit zu vermischen. Die Pinselstriche sind mit parallelen Schwüngen gemalt, die sich in sich selbst drehen. Die Pinselführung ist nervös, und schwarze Linien kommunizieren und drücken die Angst des Künstlers aus. Es gibt eine klare Dominanz der Farbe, wobei die Konturen der Stadthäuser durch dicke, dunkle, gestrichelte Linien gebildet werden, ebenso wie die Berge. Darüber hinaus gibt es Bewegung; es ist ein Werk von großem Rhythmus, das die Angst und Verzweiflung des Autors ohne Bedenken plastisch darstellt. Der Expressionismus wird durch den Pinsel betont, der Farben und Formen der Natur verdreht. Dies spiegelt die Stimmung des Autors wider. Formen winden sich sowohl im Himmel als auch in den Bäumen auf der Erde. Alles scheint sich zu drehen und zu bewegen. Die Sterne sind länglich und die beiden Zypressen wirken wie zwei Flammen – eine große und eine kleinere. Das Werk besitzt eine vertikale Dynamik, die der Horizontalität der Sterne entgegenwirkt. Die Vertikalität der Bäume steht im Gleichgewicht mit der Horizontalität des Himmels. Die verwendeten Farben sind Lila, Gelb und Violett, welche die euphorische Stimmung des Künstlers widerspiegeln.

Impression, Sonnenaufgang (Impressionismus)

Impression, Sonnenaufgang ist ein Bild in Öl auf Leinwand, in dem das Licht der wahre Protagonist ist. Das Highlight ist der Sonnenaufgang am Meer, wo die Sonnenstrahlen gefiltert und auf dem Meerwasser reflektiert werden. An der Meeresoberfläche befindet sich ein Paar dunkler Boote, die eine Diagonale beschreiben. Im Hintergrund werden Yachten skizziert und angedeutet, die durch ihre Masten identifizierbar sind. Das Licht im Werk fängt den Moment des Sonnenaufgangs mit vibrierenden Farben ein. Die Farbe an sich ist nicht fest vorhanden, da sie die Funktion des Lichts nicht verändern darf. Die Objekte erscheinen so, wie das Licht auf sie trifft. Die Komposition wird durch Reihen von Blau und Rosa dominiert; Blau für das Meer, das durch die roten und rosa Töne, die die Sonne ausstrahlt, nuanciert wird. Das Werk wurde im Freien gemalt, um das wechselnde Licht über der Landschaft einzufangen. Die Schatten sind nicht schwarz, sondern bunt mit Komplementärfarben gestaltet. Der Tenebrismus verschwindet. Der Pinselstrich ist sehr kurz und locker, oft überschneidend. Die vorherrschende Farbe wird als Fleck gesetzt, um die Wahrheit des Lichts zu erfassen. Der Farbauftrag ist pastös und dick. Die Zeichnung tritt in den Hintergrund; die Striche ersetzen die Zeichnung, sodass die Linie in ihrem vollen Sinne fehlt. Die für das Werk verwendete Technik besteht aus dem Nebeneinanderstellen von Farbtupfern, um Formen zu erzeugen, die aus einer gewissen Entfernung erkennbar sind. Der Betrachter ist nicht länger passiv; da das Werk als etwas Unfertiges präsentiert wird, ist es notwendig, es mental zu rekonstruieren. Dies ist eine der wesentlichen Folgen des Impressionismus.

Der Denker (Impressionismus)

Der Denker ist eine freistehende Skulptur und eine sitzende Figur aus Bronze. Sie zeigt einen nackten Mann, in sich selbst zurückgezogen und ohne Bezug zur Außenwelt, allein. Seine Arme ruhen in nachdenklicher Haltung auf dem Knie, den Kopf auf eine seiner Hände gestützt. Es scheint eine Haltung der Ruhe zu sein, doch man spürt eine große Spannung in seiner Körperhaltung. Der Denker vermittelt bedeutende Gefühle und eine psychologische Last. Der Charakter ist unerschütterlich und kämpft einen harten inneren Kampf. Diese Kraft wird durch die verspannte Muskulatur ausgedrückt. Bei der Ausführung dieser Arbeit wird die Intention des Künstlers durch die eingefangene Bewegung, die Mimik usw. wahrgenommen. Auf der anderen Seite gibt es eine Verbindung zum Kult der oberen und unteren Extremitäten, wie man ihn in der Skulptur des klassischen Griechenlands sieht. Deutlich ist im Werk der Kontrapost der Arme zu erkennen. Auch die anatomischen Merkmale im Rücken, in den Armen und im Dammbereich sowie Muskeln und Haut sind präzise erfasst. Die Bedeutung des Lichts beleuchtet den gesamten nackten Körper. Diese Skulptur war Teil eines ehrgeizigen Projekts namens Das Höllentor, in dem diese Figur das zentrale Werk darstellte, sodass wir sie hier individualisiert sehen. In einigen anatomischen Aspekten des Körpers weist der Autor auf Werke von Michelangelo oder die klassische Skulptur hin. Es gibt impressionistische Merkmale (Lichtmodellierungstechnik) und expressionistische Züge (Material, Textur, Natur usw.).

Die Kartenspieler (Nachimpressionismus)

Die Kartenspieler ist ein Gemälde auf Leinwand. Die Protagonisten des Stücks sind die Bauern eines Dorfes und ein Gärtner. Die beiden Figuren sitzen an den beiden Seiten eines kleinen Tisches und stützen sich auf ihre Ellbogen. Eine Glasflasche steht in der Mitte, und im Hintergrund ist eine skizzenhafte Landschaft zu erahnen. Die beiden Personen sind im Spiel vertieft; Cézanne konzentrierte sich bei diesem Thema auf die Erfassung ihrer Gesichtsausdrücke. Die Männer tragen Hüte. Der Betrachter wird zum Beobachter einer Szene, wie sie häufig in Tavernen vorkommt. Das künstliche Licht manifestiert sich in den Schatten, vor allem im weißen Widerschein der Flasche. Der Protagonist dieser Malerei ist die Farbe, die jeden Winkel der Leinwand überflutet. Der Herr rechts trägt ein gelblich-graues Jackett, dessen Farbton sich in der Hose seines Partners fortsetzt. Dieser trägt eine lila Jacke, die wiederum mit verschiedenen Farben gemischt ist. Der Hintergrund des Werkes wird durch eine Mischung aus Rottönen (Tischdecke) erreicht. Der Farbauftrag beruht auf flüssigen Pinselstrichen, die Facetten bilden. Im Unterschied zum Impressionismus stehen in diesem Werk Volumen und Form im Vordergrund; das Volumen wird durch die Farbe erzeugt.