Miguel Hernández: Leben und Werk des spanischen Dichters

Tradition und Moderne in der Poesie von Miguel Hernández

Die Anfänge des Dichters als Schriftsteller entsprechen denen eines Lehrlings. Wie Dámaso Alonso beschrieb, wurde er zu einem großen Anhänger der klassischen Autoren, bis er schließlich seine eigene poetische Stimme entdeckte. Auf seinem Weg als Dichter lassen sich die folgenden Phasen unterscheiden:

Der Dichterlehrling (1910–1931)

Miguel Hernández wurde am 30. Oktober 1910 in Orihuela, Provinz Alicante, geboren. Sein Vater, ein strenger und unsympathischer Mann, erlaubte ihm den Schulbesuch nur bis 1924. Im März dieses Jahres begann er als Angestellter in einem Stoffgeschäft zu arbeiten und widmete sich zudem der Viehzucht der Familie. Diese Arbeit empfand Miguel als demütigend, da er täglich Ziegenherden an seinen ehemaligen Mitschülern vorbeiführen musste.

Es ist sehr wahrscheinlich, dass seine ersten Verse in dieser Zeit entstanden: Einerseits, weil das Hüten des Viehs ihm viele Stunden zum Nachdenken ließ, und andererseits, um die harte Realität des Lebens zu kompensieren. Daher verwundert es nicht, dass seine ersten Gedichte zwischen lokalem Kolorit, Sittenbildern und einer idealisierenden Stilisierung schwanken. Es finden sich literarische Porträts seines Amtes als Hirte mit mythologischen Anspielungen.

In Werken wie In meinem Barraquer sieht man Einflüsse der Tradition der Moderne im Stile von Rubén Darío und Juan Ramón Jiménez oder der intimen Romantik eines Bécquer. Bewaffnet mit einem Wörterbuch der Mythologie und anderen Reimlexika, wurde diese Arbeit zu einem Ersatz für die fehlende Schulbildung. In dieser Zeit bildete sich sein Gehör an der Romantik und an Autoren wie Vergil, Góngora, Garcilaso, Lope de Vega, San Juan de la Cruz und Antonio Machado aus.

Die Freundschaft mit Ramón Sijé (ein Anagramm von José Marín) markierte sein Wachstum als Dichter. Sijé wurde zu seinem Mentor und Führer. Er war ein Sonderfall innerhalb der Provinz-Intelligenz und übte einen entscheidenden Einfluss auf Hernández' erste Phase aus, insbesondere in der Liebe zu den Klassikern und seinem militanten Katholizismus. In seinen ersten Schöpfungen, die etwa im Alter von sechzehn Jahren entstanden, entwickelte er häufig mythologische Szenen und orientalische Umgebungen.

Ein Beispiel für diese frühe Lyrik findet sich unter der Rubrik Gedichte lose I. Hier zeigt sich die metrische Vielfalt, insbesondere die Verwendung von Achtsilbern, Pentametern, Dodekasyllaben und freien Versen.

Weg zur Moderne und Avantgarde (1932)

Am 30. November 1931 begann Miguel Hernández seine erste Reise nach Madrid in der Hoffnung, als „kleiner Hirten-Dichter“ anerkannt zu werden, wie er sich selbst in einem Brief an Juan Ramón Jiménez beschrieb. Nach seinem ersten Aufenthalt zwang ihn die wirtschaftliche Not zur Rückkehr in sein Dorf. Dennoch nutzte er die Zeit, um seine literarischen Ideen komplett zu renovieren. Er beschloss, sich den Avantgarde-Bewegungen zu nähern und seine Sprache, seinen Stil und seine Technik, vor allem durch Metaphern, zu erneuern.

Ein entscheidendes Ereignis für diesen Ansatz war die Dreihundertjahrfeier des Todes von Góngora im Jahr 1927. Der Kontakt mit der Poesie von Alberti, Gerardo Diego und Jorge Guillén beeinflusste seinen Begriff der „reinen Poesie“. Das Buch Perito en lunas zeigt diesen Einfluss deutlich. Der Titel ist vieldeutig: „Perito“ (Experte) deutet auf ein Handwerk hin, während die „Monde“ das Geheimnisvolle symbolisieren. Es finden sich neogongoristische Elemente, Sinnlichkeit und Metaphern, die an die Greguerías von Gómez de la Serna erinnern. Objekte des täglichen Lebens wie der Hahn, der Stier oder die Wassermelone erhalten durch Hyperbaton, Anaphern und Ellipsen eine künstlerische Dimension.

Die Entdeckung der Liebe (1934–1936)

Mit der Veröffentlichung von El rayo que no cesa (Der Strahl, der nicht aufhört) zeigt sich Hernández als Dichter, der die Einflüsse von Quevedo und Garcilaso sowie die Form des Sonetts vollständig absorbiert hat. Dies dient ihm dazu, seine Leidenschaft für Josefina Manresa auszudrücken. Seine Liebe wird zur Quelle der Poesie, ein Ausbruch von Leidenschaft wie der Blitz im Titel des Buches. Symbole wie das Messer, der Strahl, das Feuer und der Stier treten hervor.

Zudem zeigt sich der Einfluss von Pablo Neruda und Vicente Aleixandre. Neruda prägte die Ästhetik der „unreinen Poesie“. Von nun an befasst sich Miguel mit der menschlichen Existenz, Liebe, Schmerz und Tod – den „drei Wunden“ des Lebens. In dieser Phase findet ein Übergang vom Liebesschmerz zur Solidarität mit Freunden statt. Die Liebe wird als zerstörerischer Strahl und als Feuer dargestellt. Der Liebende wird mit einem Stier verglichen, der unter Eifersucht leidet und trotz Zurückweisung beharrlich bleibt.

Revolutionäre Poesie (1937–1939)

Mit dem Ausbruch des Bürgerkrieges nimmt die Poesie von Miguel Hernández eine radikale Wendung. Seine Kriegsproduktion umfasst zwei Bücher: Viento del pueblo (Wind des Volkes, 1937) und El hombre acecha (Der Mensch lauert, 1939). In Viento del pueblo sehen wir einen Schriftsteller, der tief im Volk verwurzelt ist. Für Miguel ist Poesie das „Wesen des Menschen“ und hat ihren Ursprung in der Erde.

Er wird zum Soldaten-Dichter. Bilder von Metall, Waffen und Härte dominieren. Der Tod erscheint als mittelalterlicher Krieger. Die „unreine Poesie“ erreicht hier ihre volle Ausgestaltung. Symbole der Freiheit sind Bauern, Arbeiter und Tiere wie Löwen oder Adler. In El hombre acecha wird der Ton pessimistischer. Der Mensch wird dem Menschen zum Wolf. Gefängnisse werden zu einem neuen Symbol für den unersättlichen Appetit auf Menschenleben.

Der Kerker und Tod (1939–1942)

Sein letztes Buch, Cancionero y romancero de ausencias, blieb jahrelang unveröffentlicht. Es besteht aus 79 Gedichten, die intime Episoden wie den Tod seines ersten Kindes, die Geburt des zweiten und die Trennung von seiner Frau behandeln. Die Metaphorik erreicht hier ihren Höhepunkt an Perfektion und Ausdruckskraft. Es ist eine Poesie der menschlichen Wahrheit, fast nackt und ohne Kunstgriffe.

Die Form ist oft die des kurzen Liedes oder der Ballade. Themen wie die Familie, der Kuss, die Abwesenheit und die „drei Wunden“ (Liebe, Tod, Leben) stehen im Zentrum. Miguel Hernández starb am 28. März 1942 im Gefängnis von Alicante mit offenen Augen, genau wie er es in seinen Gedichten über seinen Sohn beschrieben hatte.

Spanische Poesie im 20. Jahrhundert

Um die Poesie des frühen Jahrhunderts zu verstehen, muss man das Ende des 19. Jahrhunderts betrachten. Kritiker wie Clarín beklagten das Fehlen junger Dichter. Nur Bécquer schuf eine neue Poesie. In Frankreich entwickelte sich der Symbolismus (Baudelaire, Verlaine). In Spanien brachte Rubén Darío mit Azul die Welt der Sinne in die Sprache ein.

Die Moderne war die erste Gruppe (Darío, Juan Ramón Jiménez, die Brüder Machado). Später folgten die Avantgarde-Trends (Futurismus, Kubismus, Ultraismus). Die Generation von 27 verschmolz Tradition (Góngora) mit Moderne. Miguel Hernández stellt eine Synthese all dieser Strömungen dar. Er assimilierte die Klassiker, die Moderne und die Avantgarde zu einem einzigartigen Stil.

Miguel Hernández und die Natur

Hernández war der Natur stets eng verbunden. Seine Biografie ist im ländlichen Rahmen von Orihuela verwurzelt. Als Ziegenhirte lernte er die Zyklen des Lebens, Tiere und Pflanzen kennen. Seine Witwe Josefina Manresa sagte: „Der Dichter schrieb nie zu Hause, er war immer auf dem Feld oder in den Bergen.“

In seinen frühen Werken singt er von seinen eigenen Erfahrungen und kombiniert Poesie mit Leben. Die Natur ist bei ihm duftend, levantinisch und authentisch. Er sagte selbst: „Der Zitronenbaum im Garten beeinflusst mich mehr als alle Dichter zusammen.“ Später wandelt sich die Naturdarstellung hin zu einem menschlichen und sozialen Hintergrund. Der Feigenbaum wird zum Phallussymbol, der Regen zu „transparentem Blut“ und der Wind zur Kraft der Freiheit.

Literarischer Stil

Die Poesie von Hernández ist visuell, fast wie Fotografien der Natur. Seine Metaphern haben die Qualität, alltägliche Objekte (Bullen, Palmen, Vogelscheuchen) zu erhöhen. In seiner Elegie auf García Lorca nutzt er das Bild des Apfels, um die Unvergänglichkeit der Stimme des Dichters auszudrücken. In den berühmten Nanas de la cebolla (Zwiebel-Wiegenlied) wird die Zwiebel zum Symbol für Hunger und Frost, eine bittere Realität, die er aus dem Gefängnis an seine Familie übermittelte.